Vienna Art WeekAgenda

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ART

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Family Matters

4/10/201930/08/2020

Dom Museum Wien

Stephansplatz 6,
1010 Wien

Ausgehend von dem Wandel, den der Begriff „Familie“ durchlebt, geht die Ausstellung der Frage nach, wie sich Familienkonstellationen, ihre Bedingungen und Auswirkungen auf Individuum und Gesellschaft in der Kunst spiegeln. Von der Einelternfamilie über Sippenverbände bis zu „gewählten“ Familien zeigt sich durch die Epochen und Medien – Plastik, Grafik, Malerei, Fotografie und Videokunst – ein vielschichtiges Bild von dem, was Familie sein kann.

 

Mit Werken von: Uli Aigner, Iris Andraschek, Hans Op de Beeck, Elinor Carucci, Josef Franz Danhauser, Carola Dertnig, Johannes Deutsch, VALIE EXPORT, Peter Fendi, Weronika Gęsicka, Leander Kaiser, Angelika Kauffmann, Käthe Kollwitz, Nina Kovacheva, Maria Lassnig, Iris Legendre, Ferdinand Mallitsch, Katharina Mayer, Giovanni Battista Pittoni, Sam Jinks, Johann Matthias Ranftl, Neo Rauch, Judith Samen, August Sander, Johann Martin („Kremser“) Schmidt, Annegret Soltau, Carl Spitzweg, Jacopo Tintoretto, Ferdinand Georg Waldmüller u. a.

Weronika Gesicka, Untitled #41, from the ìTracesì series, 2015-2017 JEDNOSTKA Gallery. Foto: Weronika Gesicka / JEDNOSTKA Gallery

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Fokus Favoriten

21/09/20191/09/2020

Wien wächst! Unaufhaltsam reiht sich ein neues Stadtentwicklungsgebiet an das nächste. Rund um den Hauptbahnhof entsteht das Sonnwendviertel mit Wohnungen, Hotels und Bürotürmen. Die Altbauten des traditionellen Arbeiterbezirks Favoriten warten indes noch auf ihre Wiederentdeckung.

Im Rahmen der Ausstellung „Fokus Favoriten“, die den Blick auf den Wandel im Bezirk lenkt, wurden internationale Kunstschaffende eingeladen, die Situation aufzugreifen. Sechs künstlerische Projekte befragen die Bevölkerung, geben deren Antworten, ihrer Musik und ihren Interessen eine neue ästhetische Form. Die Arbeiten transformieren die Orte entlang der Favoritenstraße vom Sonnwendplatz bis zum Viktor-Adler-Markt.

In Geschäften und auf der Straße finden Performances von Julia Bünnagel, Beteiligungsprojekte vom Department für öffentliche Erscheinungen und Britta Thie sowie musikalische Darbietungen von Akteuren rund um Ines Doujak statt. Am Viktor-Adler-Markt entsteht eine interaktive Lichtinstallation von Alicia Framis und am Sonnwendplatz platziert das Atelier Van Lieshout Objekte.

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Künstlergespräch

Synästhesie

22/11/201930/10/2020

Nitsch Foundation

Hegelgasse 5,
1010 Wien

„meine arbeit soll eine schule des lebens, der wahrnehmung und der empfindung sein und mit allen fünf sinnen erfahren werden“   Hermann Nitsch entwickelt Kunst, die auf Harmonie aufbaut. Ob in der Musik oder in der Malerei, in beiden Fällen spricht Nitsch von Farben und Tönen, von Harmonien und Dissonanzen. Während seiner Frankfurter Lehrtätigkeit erarbeitete Hermann Nitsch mit seinen Studenten „farb- und formversuche“. Die entstandenen „Farbskalen“ veranschaulichten harmonische Verhältnisse und Konstellationen, die auch wesentlicher Bestandteil des Orgien Mysterien Theaters sind. Diese bestehen nicht nur innerhalb eines Mediums, den Farben sind im synästhetischen Sinn Töne, Geschmacks- und Geruchswerte zuzuordnen. Erst die Synästhesie der Sinneseindrücke führt zum Erleben des Gesamtkunstwerks. Die Nitsch Foundation greift mit dieser Ausstellung den Synästhesiegedanken des Orgien Mysterien Theaters auf und spürt der Bedeutung des Zusammenspiels der Sinneseindrücke in Hermann Nitschs Arbeit nach.   Zur Eröffnung wird naturreiner Nitsch-Wein aus Prinzendorf ausgeschenkt.
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And if I devoted my life to one of its feathers?

30/05/202027/09/2020

Kunsthalle Wien Museumsquartier

Museumsquartier, Museumsplatz 1, 1070 Wien

Eine gemeinsame Ausstellung der Kunsthalle Wien und der Wiener Festwochen

Die Ausstellung And if I devoted my life to one of its feathers?, ein gemeinsames Projekt der Kunsthalle Wien und der Wiener Festwochen, reflektiert Kämpfe ums kollektive Überleben und Prozesse der Wiederherstellung sozialer Bindungen – Bindungen, die von Frauenfeindlichkeit, Kolonialismus und imperialer Gewalt unterbrochen wurden. Die Ausstellung bringt rund 35 Künstler*innen und Kunstwerke aus unterschiedlichen kulturellen Kontexten zusammen, um ein Gespräch über Selbstbestimmung, sozialen und ökologischen Wandel zu initiieren. Die gezeigten Arbeiten sind Antworten auf den rasenden Rohstoffabbau und die Umweltzerstörung des Neoliberalismus: Indigene Positionen durchbrechen das koloniale Erbe und postulieren kollektive Rechte. Werke erzählen von solidarischen Begegnungen im Kampf gegen Kapitalismus und staatliche Unterdrückung. Anthropozentrische und heteropatriarchale Fantasien, die den Menschen als dominante Lebensform auf unserem Planeten annehmen, werden in Frage gestellt. Die Vielfalt von Lebensentwürfen wird zurückerobert.

Künstler*innen: Babi Badalov • Denilson Baniwa • Patricia Belli • Amoako Boafo • Giuseppe Campuzano • Manuel Chavajay • Chto Delat? • Annalee Davis • Jim Denomie • María Galindo • Nilbar Güreş • Sheroanawe Hakihiiwe • Hiwa K • Karrabing Film Collective • Prabhakar Pachpute • Cecilia Vicuña • Santiago Yahuarcani • …

Kurator: Miguel A. López

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Ana Hoffner ex-Prvulovic* & Belinda Kazeem-Kamiński

10/06/20204/10/2020

Kunsthalle Wien Museumsquartier

Museumsquartier, Museumsplatz 1, 1070 Wien

Die Präsentation der Arbeiten von Ana Hoffner ex-Prvulovic* und Belinda Kazeem-Kamiński in der Kunsthalle Wien ist für beide Künstlerinnen die erste institutionelle Einzelausstellung in der Stadt. Gemeinsam ist Ana Hoffner ex-Prvulovic* und Belinda Kazeem-Kamiński das Interesse daran, dominante Auffassungen von Geschichte und Erinnerung zu hinterfragen. Sie untersuchen deren heteronormative, imperialistische und koloniale Determinanten sowie psychologische und räumliche Ausdrucksformen, die sich etwa in politischen Organisationen, der Produktion von Wissen oder der Prägung des Blicks konkretisieren. Sie entwickeln künstlerische Strategien, um den Prozess der Erinnerung zu verwandeln und seine linear rückwärtsgerichtete Bahn aufzubrechen: Sie lesen Archivmaterialien immer wieder neu, interpretieren und erzählen persönliche Geschichten immer wieder anders, verkörpern sie und sprengen so den Rahmen jeder dokumentarischen Funktion, indem sie Fiktion und Beschreibung, Fantasie und Analyse ineinander verweben. Ihre Arbeiten sind queere Räume der Projektion und Desidentifikation, die ihre Energie aus dekolonialem Denken beziehen. So evozieren sie nicht nur die Gewalt, die überkommenen postkolonialen und gender-binären Geschichten innewohnt, sondern wirken auch aktiv auf ihre grundlegende Umbildung hin. Ana Hoffner ex-Prvulovic*s Filme, Installationen, Performances und Texte entwerfen eine ästhetische und politische Neudefinition imperialistischer/kolonialer und binärer/geschlechtlich kodierter Beziehungen – insbesondere in den Bereichen von Erinnerung und Identitätspolitik, wie sie in der jüngeren Geschichte und im Rahmen der gegenwärtigen visuellen Produktion am Werk sind. In ihren performativen und queeren Untersuchungen richtet die Künstlerin, Forscherin und Autorin ihr Augenmerk insbesondere auf Momente der Abweichung, Subversion, Krisis und Widerspenstigkeit. Die Stimmen wirklicher oder imaginärer anderer werden in ihren Arbeiten verkörpert, nachgespielt, nachinszeniert, neu erzählt und kommentiert, um so queere Formen von Distanz und Nähe, Rückzug und Intimität, Affekt und Analyse, Objektivität und Projektion hervorzubringen. Die Künstlerin und Autorin Belinda Kazeem-Kamiński stellt die heute üblichen Regimes der Musealisierung schwarzer Geschichte, der Darstellung und Indexierung schwarzer Menschen in Frage. Sie sind strukturell und psychologisch in den „Nachleben der Sklaverei“ (Christina Sharpe) gefangen und sehen sich generalisierter und essenzialisierter Schwarzenfeindlichkeit ausgesetzt. In einer Verknüpfung von kritischer Theorie und künstlerischer Praxis erfindet Belinda Kazeem-Kamiński Methoden und Rituale für die Betrachtung von und den Umgang mit fotografischen und textuellen Spuren der quälenden Last der Kolonialgeschichte und leiht so dem Verdeckten und Unterdrückten ihre Stimme. Ihre Filme und Installationen bringen eine antirassistische und gewaltfreie Praxis zum Einsatz, deren Wurzeln in schwarzer queerer feministischer Theorie, spekulativem Realismus und afrikanischen Futurismen liegen. Kuratorin: Anne Faucheret

SHOW OFF: Austrian Fashion Design

14/02/202012/07/2020

MAK – Museum of Applied Arts

Stubenring 5,
1010 Wien

Contemporary fashion designed/made in Austria is the focus of the first comprehensive major exhibition on Austrian fashion design. A time travel through fashion design in all its facets from the 1980s until today shows the wide spectrum of designers who are from Austria, work here, or were educated here in fashion. Embedded into a spectacular, spatial installation by architect Gregor Eichinger, SHOW OFF: Austrian Fashion Design makes the artistic work of creative disciplines tangible on multiple levels in the context of fashion. Fashion as an object in the form of an item of clothing is presented by significant fashion statements by approximately 60 designers from the past four decades. The exhibition begins with Rudi Gernreich’s late work, whose designs from LA in the late 1970s revolutionized the global approach to fashion, and Viennese U-fashion with its stars at the time, such as Ledea Muard, Marc Thomas Merz, or Schella Kann. Viennese cult labels such as Wendy&Jim and fabrics interseason, “big player” Andreas Kronthaler, for the past two years part of the label “Andreas Kronthaler for Vivienne Westwood,” and the renowned younger generation—represented in the exhibition among others by Kenneth Ize—contribute to the formation of a multifaceted scene with an international standing. In her “Wiener Salon,” Susanne Bisovsky has been working on exceptional creations, which will be presented in the exhibition, since 1996. Additionally, works by 30 photographers give insight into Austrian fashion photography. Documentaries on legendary and formative events, magazines, and interviews give an impression of the social and cultural perception of fashion as a phenomenon. The unique education in fashion at the University of Applied Arts Vienna with its numerous international visiting professors completes the storyline of the exhibition. Starting with the innovation boost under rector Oswald Oberhuber in the early 1980s and the first “fashion professor” Karl Lagerfeld, followed by further top stars like Vivienne Westwood, Helmut Lang, Raf Simons, and currently Lucie and Luke Meier, the highlights of the internationally renowned fashion education at the “Angewandte” are presented.

Participating Designers

___fabrics interseason, AND_i , Andreas Kronthaler, Arthur Arbesser, ASSASYN, Atil Kutoglu, Awareness & Consciousness, Bless, BRANDMAIR, Carol Christian Poell, Carolin Holzhuber, Christoph Rumpf, Claudia Rosa Lukas, DEMIAN, Edwina Hörl, Eric Rainer, EVA BLUT, FATEEVA, Femme Maison, Flora Miranda, FLorian Jewelry, George Bezani, GON, Gregor Pirouzi, Hartmann Nordenholz, Helmut Lang, House of the very island’s, Jana Wieland, Karin Bergmayer, Kenneth Ize, Ledea Muard, Lena Hoschek, Leos, Ludwig Reiter, Macchu Picchu, Marc Thomas Merz, Marina Hoermanseder, Mark Baigent, Markus Strasser, Maximilian Rittler, meshit, Michaela Buerger, MICHEL MAYER, Modus Vivendi, Mühlbauer, Natalie Zipfl, ODEEH, pelican avenue, Petar Petrov, Peter Pilotto, Rani Bageria, Robert La Roche, rosa mosa, Rubin & Chapelle, Rudi Gernreich, SAGAN Vienna, Schella Kann, SEMI DEI, Sissy Pink, Sonja Bischur, SUSANNE BISOVSKY, Thomas Kirchgrabner, Ute Ploier, Wendy&Jim

Participating Photographers

Christian Anwander, Andreas H. Bitesnich, Bela Borsodi, Michael Dürr, Marina Faust, Lukas Gansterer, Peter Garmusch, Irina Gavrich, Mark Glassner, Yasmina Haddad, Gerhard Heller, Anaïs Horn, Raphael Just, Jakob Lena Knebl, Bettina Komenda, Rudi Molacek, Markus Morianz, Stefanie Moshammer, Elsa Okazaki, Günter Parth, Bernd Preiml, Rafaela Pröll, Hanna Putz, Peter Rigaud, Markus Rössle, Elfie Semotan, Daliah Spiegel, Udo Titz, Helga Traxler, Esther Vörösmarty, Jork Weismann, Erwin Wurm, Wolfgang Zac, Maria Ziegelböck Guest Curator: Ulrike Tschabitzer-Handler Guest Co-Curator: Andreas Bergbaur Scientific Advisor: Brigitte Winkler Exhibition Architecture: Gregor Eichinger
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SHOW OFF: Austrian Fashion Design

14/02/202030/08/2020

MAK – Museum für angewandte Kunst

Stubenring 5,
1010 Wien

Zeitgenössische Mode designed/made in Austria steht im Fokus der ersten umfassenden Großausstellung zu österreichischem Modedesign. Eine Zeitreise durch das Modedesign mit all seinen Facetten von den 1980er Jahren bis heute zeigt das vielfältige Spektrum von DesignerInnen, die aus Österreich stammen, hier arbeiten oder hier eine Modeausbildung absolviert haben. Eingebettet in eine spektakuläre, raumgreifende Installation von Architekt Gregor Eichinger, macht SHOW OFF. Austrian Fashion Design auf mehreren Ebenen das künstlerische Schaffen kreativer Disziplinen im Kontext Mode erlebbar.
Das Objekt Mode in Form des Kleidungsstücks wird durch signifikante Modepositionen von rund 60 DesignerInnen der letzten vier Jahrzehnte inszeniert. Dabei setzt die Ausstellung beim Spätwerk von Rudi Gernreich, dessen Entwürfe aus Los Angeles Ende der 1970er Jahre den globalen Zugang zur Mode revolutionierten, und der Wiener U-Mode mit ihren damaligen Stars wie Ledea Muard, Marc Thomas Merz oder Schella Kann an. Wiener Kultlabels wie Wendy&Jim und fabrics interseason, „big player“ Andreas Kronthaler, seit zwei Jahren Teil des Labels „Andreas Kronthaler für Vivienne Westwood“, und die renommierte jüngere Generation – in der Ausstellung beispielsweise vertreten durch Kenneth Ize – tragen zur Formierung einer vielschichtigen, international verankerten Szene bei. Susanne Bisovsky arbeitet in ihrem Wiener Salon seit 1996 an außer-gewöhnlichen Kreationen, die in der Ausstellung zu sehen sind.

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Gelebt – Ingeborg Strobl

Ingeborg Strobl

6/03/202026/07/2020

10:00

mumok – Museum of Modern Art Ludwig Foundation Vienna

Museumsplatz 1,
1070 Wien

+43-1-525 00-0

Ingeborg Strobls Arbeit steht in der Tradition konzeptueller und medienübergreifender Kunst. In ihren Objekten, Installationen, Collagen, Malereien, Fotografien, Filmen und Publikationen nehmen Natur- und Tiermotive als Spiegelbilder des Gesellschaftlichen eine zentrale Rolle ein. Auch zeigt sich in ihrem Werk eine Vorliebe für das Randständige, Verborgene, das allzu leicht Übersehene oder Verdrängte, sowie eine damit verknüpfte Abneigung gegen Produktions- und Konsumwahn. Schwerpunkte innerhalb der Ausstellung bilden die - bisher selten gezeigten - frühen keramischen Arbeiten, die während der Studienzeit in London entstanden sind. Strobls Sinn für die im Vergänglichen verborgene Schönheit, bzw. für die Hinfälligkeit aller Pracht manifestiert sich bereits in diesen frühen Arbeiten. In einer Vielzahl von detailliert ausgeführten Buntstiftzeichnungen übersetzt sie den surrealen Illusionismus der Keramiken ins Bildhafte. Ihr immer wieder durchschlagendes Interesse, an Verfall, Tod und Vergänglichkeit - etwa in den zahlreichen Friedhofsfotos - ist, fernab jeder Weltflucht, als feinsinnige Studie über die Lebenden sowie als Interesse am Gegenwärtigen und Kommenden zu werten. Strobl hat dem mumok ihr Archiv mit zahlreichen Werken und Drucksorten als Schenkung überlassen welcher einen repräsentativen Einblick in ihr umfangreiches Oeuvre gibt.

Kuratiert von Rainer Fuchs

Ingeborg Strobl ohne Titel, 2014 mumok, Schenkung Ingeborg Strobl, 2017 © Bildrecht, Wien 2020, Foto: © Ingeborg Strobl

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Korrespondenzen: Bosch & Schlegel

Christine Schlegel: Reservate abtrünniger Engel

12/03/202027/09/2020

Gemäldegalerie der Akademie der bildenden Künste Wien zu Gast im Theatermuseum

Lobkowitzplatz 2

Die Ausstellungsreihe Korrespondenzen
Das Herzstück der Gemäldegalerie der Akademie der bildenden Künste Wien ist das Triptychon mit der Darstellung des Jüngsten Gerichts von Hieronymus Bosch (um 1450/55 – 1516). Der dreiteilige Altar zählt zu den weltweit bedeutendsten Kunstwerken der Zeit um 1500 und ist das zweitgrößte Werk Boschs. Das Retabel gibt bis heute Rätsel auf und ist der unbestrittene Publikumsmagnet der Sammlung.
Die Ausstellungsreihe zeigt Korrespondenzen zwischen dem Werk des niederländischen Malers und dem anderer Künstler_innen auf und setzt in regelmäßiger Folge Kunstwerke zu seinem Weltgerichts-Triptychon in Beziehung. Es werden überraschende Verbindungen zwischen unter-schiedlichen Medien und Künstler_innen sichtbar, die Perspektive auf Bosch wechselt.

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ALLES WAR KLAR

7/03/20206/09/2020

Künstlerhaus

Karlsplatz 5, 1010 Wien

ALLES WAR KLAR thematisiert, wie sich die institutionellen Routinen über die letzten 150 Jahre der Geschichte des Künstlerhauses immer wieder hinterfragen lassen. Die Besucher*innen werden auf einen Rundgang durch insgesamt sieben Ausstellungsräume eingeladen, der einer sorgfältig entwickelten Dramaturgie folgt. Ein Zyklus der Metamorphose und zugleich Katharsis der neu zu etablierenden Institution wird sich schließen, bis sich die Unterscheidung und Wertigkeit von Vergangenheit und Zukunft allmählich auflöst.

Künstler*innen:
Anna Artaker, Thomas Baldischwyler (mit Werken von Willi Baumeister, Falm, Haus-Rucker-Co, Karl Hofer, Thomas Jeppe, Gustav Klimt, Martin Kippenberger, Elke Silvia Krystufek, Teresa Feodorowna Ries, Didi Sattmann, Hanns Wagula), Cäcilia Brown, Natalia Domínguez Rangel, Michaela Eichwald, Agata Ingarden,
Florian Aschka, Alexandru Cosarca, Georg Klüver-Pfandtner, Larissa Kopp, Adam Kraft, Max Schaffer, Toni Schmale, Wiener Perspektive / AG SPACE

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Eva Grubinger

Malady of the Infinite

22/11/20196/01/2021

Belvedere 21 – Museum für zeitgenössische Kunst

Arsenalstraße 1,
1030 Wien

Eva Grubinger beschäftigt sich in ihren Werken mit grundlegenden menschlichen Triebfedern wie Macht, materieller Gier und sexuellem Begehren. Sie interessiert sich dafür, wie sich diese auf gesellschaftliche Entwicklungen auswirken. Dafür verfremdet und aktiviert sie Objekte mittels Vergrößerung, Materialänderung, Reduktion oder Dekontextualisierung. Die derart transformierten Gegenstände setzen Denkprozesse rund um größere soziokulturelle Dynamiken in Gang. Ihre Ausstellung Malady of the Infinite (Leiden am Unendlichen) zeichnet ein Bild von struktureller Ungleichheit, von unendlichem Begehren ohne Aussicht auf Befriedigung für Reich und Arm, Magnat und Pirat. Vor diesem Hintergrund deutet Grubinger eine Erzählung an, in der sich Macht und Ohnmacht auf hoher See gegenüberstehen.

Kuratiert von Severin Dünser

Foto: Johannes Stoll, © Belvedere Wien, © Bildrecht Wien

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Herbert Brandl

Exposed to Painting. Die letzten zwanzig Jahre

31/01/202026/10/2020

Belvedere 21 – Museum für zeitgenössische Kunst

Arsenalstraße 1,
1030 Wien

Mit seinen großformatigen Bilderwelten zählt Herbert Brandl zu den erfolgreichsten österreichischen Malern der Gegenwart. Das Sujet Landschaft nimmt von Anfang an einen dominierenden Stellenwert in seinem Werk ein, das zwischen malerischer Abstraktion und Gegenständlichkeit changiert. Ab der Jahrtausendwende wird Brandls Begeisterung für die Monumentalität der Bergwelt verstärkt wahrnehmbar. In unterschiedlichen Formaten und Techniken interpretiert der Maler das Bergmotiv neu und spielt dabei mit expressiven Gesten, abstrakten Farbräumen und mächtigen Formgebilden. Das Belvedere 21 präsentiert ab Ende Jänner 2020 Brandls Œuvre mit dem Schwerpunkt auf Arbeiten der vergangenen beiden Jahrzehnte bis hin zu Werken, die der Künstler eigens für die Ausstellung schafft.

Ausstellungsansicht Herbert Brandl. Exposed to Painting. Die letzten zwanzig Jahre, Foto: Markus Wör

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Dauerausstellung Schausammlung

1/07/202031/12/2021

Oberes Belvedere

Prinz Eugen-Straße 27

Mehrere tausend Werke aus neun Jahrhunderten umfasst die Sammlung des Belvedere. Das Museum wirft mit der Aufstellung der Sammlung einen spannenden Blick aus unerwarteter Perspektive auf die Werke von Künstler_innen wie Rueland Frueauf d. Ä., Franz Xaver Messerschmidt, Ferdinand Georg Waldmüller, Gustav Klimt, Erika Giovanna Klien, Egon Schiele, Helene Funke oder Oskar Kokoschka.

Der umfangreiche Bestand des Belvedere umfasst Werke vom Mittelalter bis in die Gegenwart, darunter die weltweit größten Sammlungen von Ferdinand Georg Waldmüller und Gustav Klimt oder die Charakterköpfe von Franz Xaver Messerschmidt. Mit der Schausammlung schafft das Obere Belvedere neuartige Zugänge zu diesen Meisterwerken der Kunst.

Themenräume unterbrechen die chronologisch den Kunstepochen folgende Hängung. Ein vielschichtiger Dialog entsteht so zwischen den Klassikern der Kunstgeschichte und zeitgenössischen Positionen. Die Räume kreisen um Fragestellungen zu Österreichs Geschichte, seiner Identität und seiner Kunst. So wird ein Spannungsfeld zwischen historischen Referenzen und aktuellen Bezugspunkten erzeugt – scheinbar Altbekanntes kann im neuen Kontext wiederentdeckt werden.

Dem Bau des Schloss Belvedere unter Prinz Eugen von Savoyen, der Museumsgründung, der Unterzeichnung des österreichischen Staatsvertrages und der heutigen Rolle als modernes Museum ist ein eigener Ausstellungsbereich gewidmet, der die bewegte Geschichte des Hauses reflektiert.

Ausstellungsansicht "Schausammlung Neu" Foto: Johannes Stoll, © Belvedere, Wien

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Der Meister vom Mondsee

7/02/202013/09/2020

Oberes Belvedere

Prinz Eugen-Straße 27

Die Reihe IM BLICK im Oberen Belvedere widmet sich ab Februar 2020 einem der bedeutendsten Maler des Spätmittelalters in Österreich: dem Meister von Mondsee. Die Ausstellung vereint erstmals das gesamte Ensemble seines sogenannten Mondseer Altars und beleuchtet dieses Meisterwerk im kunst- und kulturhistorischen Kontext.

Kuratiert von Veronika Pirker-Aurenhammer.

Reizvolle Mariendarstellungen, opulente, figurenreiche Szenen der Kindheit Christi, agile Kirchenväter in Studierstuben und nicht zuletzt die berühmte Seenlandschaft in der Flucht nach Ägypten prägen das facettenreiche Œuvre des Meisters von Mondsee. Im Zentrum der Ausstellung steht das namengebende Werk des großen unbekannten Malers: Die Bilder eines gotischen Flügelaltars, der wahrscheinlich einst in der Stiftskirche von Mondsee stand. Von diesem verloren gegangenen Werk sind insgesamt acht Gemälde erhalten, die sich heute an drei Standorten befinden. Das Belvedere besitzt mit fünf Tafelbildern den größten und bekanntesten Bestand. Zwei Tafeln wurden kürzlich von den Oberösterreichischen Landesmuseen aus Privatbesitz erworben, und eine befindet sich in den Fürstlichen Sammlungen Liechtenstein, Vaduz–Wien. Das Ensemble wurde wahrscheinlich im Zuge der Aufhebung des Benediktinerklosters Mondsee im Jahr 1791 getrennt, mittlerweile gilt als sicher, dass die Bilder zusammengehören. Erstmals werden sie nun alle wieder vereint und gemeinsam präsentiert.

Meister von Mondsee, Anbetung der Heiligen Drei Könige, von den Schreinflügeln des sog. Mondseer Alt

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Renate Bertlmann

CARLONE CONTEMPORARY

20/02/202031/01/2021

Oberes Belvedere

Prinz Eugen-Straße 27

Das Belvedere präsentiert 2020 in der Reihe CARLONE CONTEMPORARY die Arbeit der Multimediakünstlerin Renate Bertlmann für den österreichischen Pavillon der Biennale von Venedig 2019: ein Feld roter Messer-Rosen. Sie zeigt sinnliche Blumen aus Muranoglas mit messerscharfen Klingen im Blütenkelch. Der Gegensatz zwischen Fragilität und Aggression weist Parallelen zur Dualität der Fresken im Carlone-Saal des Belvedere auf.

Kuratiert von Felicitas Thun-Hohenstein.

Foto: Johannes Stoll / Belvedere, Wien. © Renate Bertlmann & Richard Saltoun Gallery, London

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a_schau

Dauerausstellung

1/01/202031/12/2021

Architekturzentrum Wien

MuseumsQuartier, Museumsplatz 1, 1070 Wien

Die „a_schau“ ist die Dauerausstellung des Az W. Sie zeigt einen kompakten Überblick zur Entwicklung und Geschichte der Architektur des 20. und 21. Jahrhunderts und einen einzigartigen Blick auf 150 Jahre Architekturschaffen in Österreich.

In zehn Episoden entfalten sich die relevantesten Phänomene und Strömungen und lassen dabei Platz für autonome Positionen. Ausgehend vom Aufstieg Wiens zur imperialen Großstadt führt die Ausstellung ins Spannungsfeld zwischen sozialpolitischem Experiment, der „Eroberung“ alpiner Landschaftsräume, den Machtverstrickungen in der NS-Zeit und dem Wiederaufbau nach 1945.

Moderne, Experimente und Krisen
Das Jahr 1958 ist für die Architekturentwicklung in Österreich signifikant. Es werden einige Schlüsselbauten fertiggestellt, die einen etwas späten Aufbruch in die internationale Moderne signalisieren. Danach machen sich Raumfahrt, der weltweite Siegeszug von Pop-Kultur und Massenmedien in der Architekturproduktion bemerkbar. Die Ölkrise von 1973 setzt den utopischen Konzepten ein abruptes Ende und markiert gleichzeitig den Beginn einer Vielzahl von konstruktiven und formalen Experimenten. Wichtiger Bestandteil der Ausstellung sind aktuelle Positionen quer durch Österreich, die in digitaler Form präsentiert werden.

Kuratorinnen: Gabriele Kaiser, Monika Platzer, Az W

Günther Domenig, Steinhaus, 1986–2008 © AzW Wien, Sammlung, Foto: Margherita Spiluttini

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Meisterwerke der Moderne

Die Sammlung Batliner

1/07/202031/12/2021

Albertina

Albertinaplatz 1, 1010 Wien

Die Schausammlung der ALBERTINA wurde vollständig neu aufgestellt. Schwerpunkt der aktuellen Präsentation sind zahlreiche bisher selten gezeigte Arbeiten Pablo Picassos. Die ALBERTINA besitzt mit der Sammlung Batliner eine der bedeutendsten Kollektionen Europas zur Malerei der Klassischen Moderne.
Den Ausgangspunkt der permanenten Ausstellung bilden die Künstler des Impressionismus und des Postimpressionismus wie Degas, Cézanne, Toulouse-Lautrec und Gauguin. Ein weiterer Schwerpunkt liegt auf dem Deutschen Expressionismus mit den Künstlergruppen Die Brücke und Der Blaue Reiter sowie auf der Neuen Sachlichkeit mit Werken von Wacker, Sedlacek und Hofer. Den Fokus auf die Kunst Österreichs vertiefen Werke von Kokoschka sowie Gemälde von Egger-Lienz. Die Vielfalt der russischen Avantgarde illustrieren Gemälde von Gontscharowa, Malewitsch und Chagall.

Die ALBERTINA begrüßt die Sammlung Othmar Huber zu einem Gastauftritt im Rahmen der Schausammlung. Aus der Kollektion des Schweizer Augenarztes Othmar Huber (1892–1979) wird eine Auswahl von 15 Werken präsentiert, die einen Dialog zwischen diesen beiden herausragenden Sammlungen der Klassischen Moderne entfacht. Der Fokus dieser Begegnung von Schlüsselwerken der Moderne liegt auf dem Blauen Reiter, darunter Marcs Hauptwerk Blaues Pferd II, Mackes Hafen von Duisburg sowie Werken von Kandinsky und Klee. Zwei bedeutende Gemälde von Picasso, Schlafende Trinkerin aus der frühen Phase seiner Blauen Periode sowie Frau im Profil, die zusammen mit dem reichen ALBERTINA-Bestand an Werken Picassos präsentiert werden, runden das besondere Gastspiel ab. Die ausgestellten Werke sind Leihgaben der Stiftung Othmar Huber, die im Kunstmuseum Bern beheimatet ist, und des Kunsthauses Glarus.

Paul Signac | Venedig, die rosa Wolke, 1909 | © ALBERTINA, Wien – Sammlung Batliner

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Michael Horowitz

28/02/20206/09/2020

Albertina

Albertinaplatz 1, 1010 Wien

Der Wiener Journalist, Verleger und Autor Michael Horowitz (geb. 1950) war bereits ab 1966 während seiner Schulzeit als Fotograf tätig. Bis Ende der 1980er-Jahre fertigte er zahlreiche Reportagen und Porträts bekannter Persönlichkeiten aus dem öffentlichen Leben an. In der ALBERTINA wird in einer monografischen Ausstellung nun erstmals eine Auswahl von Arbeiten aus dieser Schaffensphase gezeigt. Der Schwerpunkt liegt dabei auf Fotografien aus dem Wiener Kulturleben, zu dessen Protagonisten Horowitz in enger Beziehung stand. Umfangreichere Serien entstanden etwa in Zusammenarbeit mit Helmut Qualtinger, Kiki Kogelnik oder den Künstlern aus Gugging. Die Aufnahmen zeichnen sich durch Horowitz‘ empathische Sichtweise, seine klare Bildsprache und sein Gespür für ausdrucksstarke Momente aus.

Michael Horowitz: Arnold Schwarzenegger, 1975 © Michael Horowitz

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Warhol bis Richter

Aus den Sammlungen der ALBERTINA

27/05/20206/09/2020

Albertina

Albertinaplatz 1, 1010 Wien

Warhol bis Richter präsentiert Kunstwerke der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts bis heute. Rund 80 Werke u.a. von Anselm Kiefer, Gerhard Richter, Gottfried Helnwein, Andy Warhol, Alex Katz und Maria Lassnig repräsentieren die Vielfalt künstlerischer Positionen nach 1945.

Schlüsselwerke internationaler Strömungen illustrieren die facettenreiche künstlerische Produktion, die von Hyperrealismus bis Abstraktion, von farbästhetischen bis zu politischen Themen reicht, und veranschaulichen die komplexen parallelen Strömungen der vergangenen Jahrzehnte.

Gerhard Richter, Richters Garten (Sommertag), 1999

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Die frühe Radierung

Von Dürer bis Bruegel

12/02/20201/11/2020

Albertina

Albertinaplatz 1, 1010 Wien

Die Frühzeit der Druckgrafik ist von mehreren bedeutenden Erfindungen geprägt, sodass bis um 1500 bereits eine Vielzahl an technischen Verfahren entwickelt war. Das Aufkommen der Radierung im späten 15. Jahrhundert und ihre schnelle Verbreitung im frühen 16. Jahrhundert stellen einen der wichtigsten Wendepunkte dar. Die Grundlagen der Technik entwickelten sich in den Werkstätten von Waffenätzern, bis in den 1490er-Jahren der deutsche Druckgrafiker Daniel Hopfer damit begann, von geätzten, also „radierten“ Metallplatten auch Abzüge auf Papier herzustellen. Dabei ließ sich das Radieren so einfach bewerkstelligen, dass es Künstlern aus verschiedensten Sparten die Anfertigung eigener Drucke ermöglichte. Unter den Pionieren des Mediums waren einige der größten Künstler der Renaissance wie Albrecht Dürer, Parmigianino und Pieter Bruegel der Ältere.

Die Ausstellung in der ALBERTINA widmet sich den ersten 70 Jahren der Radierung: von ihren Anfängen in der Dürerzeit bis in die Epoche Bruegels, als viele berühmte und auch weniger bekannte Künstler in Deutschland, Flandern, Italien und Frankreich in dieser Technik arbeiteten. Rund 125 Radierungen sind neben Zeichnungen, Druckplatten und illustrierten Büchern in der Schau zu sehen.

Die Ausstellung entstand in Kooperation mit dem Metropolitan Museum in New York.

Daniel Hopfer, Woman and Attendant Surprised by Death, ca 1510-1515 © The Metropolitan Museum of Art

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Josef Trattner: Inside Out

28/02/202027/11/2020

Österreichische Friedrich und Lillian Kiesler-Privatstiftung

Mariahilfer Straße 1b/1

Josef Trattner beschäftigt sich seit vielen Jahren mit dem Material Schaumstoff und realisiert unter Verwendung dieses Werkstoffs Projekte im öffentlichen Raum. Wesentliches Merkmal von Trattners Arbeiten ist die Überlagerung von kunstimmanenten Aspekten – das Verhältnis von Materialität, Form und Farbe zum Innen- und Außenraum – mit gesellschaftlichen Fragestellungen. Seine ephemeren, nach Veränderung durch Publikum und Wettereinflüsse sich wieder in Nichts auflösenden Inszenierungen in Natur- und Stadträumen sind immer auch soziale Versuchsanordnungen, denen ein selbstreflexives und kritisches Potenzial eingeschrieben ist.

Exklusiv für die Friedrich Kiesler Stiftung wurde eine Raum-Skulptur mit den Maßen 3 x 3 x 3 Meter realisiert, die vom Publikum benützt werden kann. Modelle, Fotos und ein Film, der die Entstehung der Skulptur dokumentiert, werden ebenso gezeigt.

Zudem wird im Sommer 2020 eine Sofafahrt von Wien über Brünn, Ostrau, Krakau und Lemberg nach Czernowitz organisiert. ArchitektInnen, LiteratInnen und MusikerInnen werden eingeladen, auf dem Sofa als sozialem Raum zu agieren. Parallel dazu sollen auch Diskussionen zum Thema Raum in Architektur und Kunst in der Friedrich Kiesler Stiftung stattfinden.

Josef Trattner © Redtenbacher