Mehr Ausstellungen diese Woche

Im Format „Die Sammlung betrachten & An Insert by…“ werden neben Highlights der Sammlung der Gemäldegalerie Installationen und Werkgruppen präsentiert, die als Einschübe zeitgenössischer Künstler_innen in die temporär arrangierte Schausammlung konzipiert sind. Das Insert der belgischen Künstlerin Ana Torfs bildet die dritte Intervention dieser Reihe.

Unter dem Titel The Day You Were Thinking About the Sibyl While You Were Picking Autumn Leaves wird erstmals Torfs’ neuer Werkzyklus aus 28 Jacquard-Tapisserien vorgestellt. Während der Corona-Pandemie las die Künstlerin Vergils Aeneis und dachte bei Spaziergängen und beim Sammeln von Herbstlaub an die Sibylle von Cumae, die ihre Weissagungen auf Blätter schrieb. Torfs presste das gesammelte Laub zwischen Seiten internationaler Tageszeitungen, fotografierte diese Arrangements und ließ sie – ergänzt um persönliche, versartige Textfragmente – als großformatige Tapisserien weben.

So entsteht ein fragmentarisches Tableau über den Zustand der Gegenwart und die Reflexionen einer Einzelnen. Das textile, lyrische Gewebe verleiht dem flüchtigen Alltagsgeschehen scheinbare Dauer und verweist zugleich auf eine historisch prägnante Zeit, deren Folgen noch ungewiss sind. Wie die vom Wind durcheinandergewirbelten Blätter der Sibylle bleiben auch heutige Nachrichten und Deutungen zunehmend rätselhaft.

Ausstellungsansicht © Kunstsammlungen der Akademie der bildenden Künste Wien, Foto: Iris Ranzinger

Arbeit prägt den Großteil des menschlichen Lebens: Sie strukturiert Alltag, Zeit, soziale Beziehungen und bestimmt gesellschaftliche Teilhabe ebenso wie materielle Sicherheit. In einer Gegenwart, die von wirtschaftlichen Krisen, globaler Ungleichheit und einem tiefgreifenden Wandel der Arbeitswelt geprägt ist, gewinnt die Auseinandersetzung mit Arbeit neue Dringlichkeit. Plattformarbeit, Automatisierung, Künstliche Intelligenz, Migration, Care-Krise und soziale Prekarität stellen bestehende Vorstellungen und Sicherheiten infrage.
 
Die Ausstellung Alles in Arbeit im Dom Museum Wien eröffnet einen Raum, in dem unterschiedliche Perspektiven und künstlerische Zugänge aufeinandertreffen. Im Zentrum steht das menschliche Ringen um Erwerbsarbeit – ihre Notwendigkeit, Sinnhaftigkeit, Zumutung und Gestaltbarkeit. Zugleich erweitern die gezeigten Werke den Arbeitsbegriff, indem sie unsichtbare, unbezahlte oder marginalisierte Tätigkeiten wie Care- und Hausarbeit, künstlerische Arbeit, Protest oder Prokrastination in den Fokus rücken.

See Red Women’s Workshop, A Woman’s Work Is Never Done, 1974. © See Red Women’s Workshop.

„Der Fall Freud. Dokumente des Unrechts“ beleuchtet die letzten Monate der Familie Freud im nationalsozialistischen Wien und erzählt die Geschehnisse in den Jahren danach. Die systematische Beraubung Sigmund Freuds und seines Bruders Alexander wird detailliert nachgezeichnet, neue Erkenntnisse vertiefen das Wissen um das Schicksal und die Ermordung ihrer vier Schwestern Rosa, Maria, Adolfine und Pauline durch das NS-Regime.

Unveröffentlichte (Täter-) Dokumente
Das Sigmund Freud Museum konnte vor kurzem bislang unbekannte Unterlagen erwerben. Sie stammen aus dem Nachlass des von den Nazis eingesetzten „kommissarischen Verwalters“ des Internationalen Psychoanalytischen Verlags im Besitz von Sigmund und Anna Freud. Diese Dokumente bilden nun das zentrale Element der Ausstellung: in Zusammenschau mit hunderten originalen Akten, Geschäftsbriefen sowie Listen des Vermögensverwalters von Alexander Freud und den vier Schwestern geben sie Aufschluss über die rechtlichen und finanziellen Abläufe der NS-Verbrechen. Diese Aufzeichnungen machen eine weitere Perfidie öffentlich: Der Begründer der Psychoanalyse konnte die gesamte Einrichtung der Berggasse 19 samt Antikensammlung nach London verfrachten, seine Emigration verlief somit für die Augen der internationalen Öffentlichkeit privilegiert. Hinter den Kulissen allerdings raubten die Nazis über den Umweg des Internationalen Psychoanalytischen Verlags nahezu seine gesamten Finanzmittel; dabei wurde sein Sohn Martin, Geschäftsführer des Verlags, massiv unter Druck gesetzt.

Alexander Freud war Inhaber des Allgemeinen Tarif-Anzeigers, als Frachtexperte international anerkannt und war zu größerem Wohlstand gelangt als sein berühmterer Bruder. Ihm war es nur unter Entziehung allen Hab und Guts möglich, sein Leben und das seiner Frau zu retten. Mittellos verließen sie Wien, flüchteten über Zürich nach London und dann weiter nach Kanada. Vier der fünf Schwestern Freuds lebten 1938 in Wien – ihnen konnte keine Ausreise ermöglicht werden. Sie wurden aus ihren Wohnungen vertrieben, in eine „Sammelwohnung” einquartiert, beraubt, deportiert und 1942 ermordet.

Plakat. Der Fall Freud. Dokumente des Unrechts. Simund Freud Museum

Mit einer großangelegten Retrospektive widmet das Leopold Museum dem französischen Ausnahmekünstler Gustave Courbet (1819–1877) die erste umfassende Einzelausstellung in Österreich.

Rund 130 Exponate – darunter 90 Gemälde und 20 Grafiken aus allen Schaffensphasen sowie zahlreiche Archivalien – bieten einen Gesamteindruck des malerischen und grafischen Œuvres des Begründers des Realismus. In seinen bahnbrechenden Porträts, Akten, Landschaften und Stillleben setzte sich Courbet radikal über die idealisierenden Konventionen des 19. Jahrhunderts hinweg.

Nach Jahren der intensiven konzeptuellen und netzwerkstrategischen Arbeit ist die Ausstellung „Gustave Courbet. Realist und Rebell“ nun Wirklichkeit geworden und wir freuen uns sehr, unserem Publikum diese äußerst umfangreiche Personale präsentieren zu können. Da das Gesamtwerk des Künstlers von beachtlichem Ausmaß ist, galt es, eine sorgfältige Auswahl zu treffen, die sowohl repräsentativ für alle Schaffensphasen ist, als auch die inhaltlichen und formalen Facetten seiner Kunst als Maler, Zeichner und politischer Akteur entsprechend berücksichtigt. Mit Gustave Courbet zeigen wir einen herausragenden Avantgardisten, der immer wieder mit Konventionen gebrochen hat.

Gustave Courbet, Le sommeil | Die Schläferinnen, 1866 © Petit Palais, musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris, Foto: Paris Musées/Petit Palais, musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris

Generaldirektorin Stella Rollig: Kann man zu Waldmüller noch neue Aspekte in den Fokus rücken? Man kann! Der Maler ist angesichts seiner Beliebtheit und des umfangreichen Bestands ein zentraler Künstler in der Sammlung des Belvedere. Wenn in dieser Ausstellung seine Landschaften im europäischen Vergleich präsentiert werden, dürfen sich selbst Fans und Fachleute auf neue Perspektiven freuen.

Der Schlachtruf „Wirklichkeitstreue“ verband in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts viele progressive Künstler*innen über Landesgrenzen hinweg. Dabei spielte die Konzentration auf die heimische Landschaft eine große Rolle. Generell wuchs in jener Zeit das Interesse der Menschen daran, mehr in der Natur zu sein, über sie zu lernen und sie sich in Form von Bildern in die Wohnungen zu holen. Dies war bedingt durch die politischen Umbrüche, den gesellschaftlichen Wandel und die voranschreitende Industrialisierung im 19. Jahrhundert.

Ferdinand Georg Waldmüller, zentraler österreichischer Maler der Biedermeierzeit, hatte es sich zur Aufgabe gemacht, die „uns umgebende Natur, unsere Zeit, unsere Sitte“ zu malen. Mit seinen naturgetreuen Porträts, Genrebildern und Landschaften polarisierte er die Kritik. Der Künstler war und ist vor allem für seine lebensnahen Bildnisse und Alltagsszenen bekannt. Die reale Landschaft als Bildmotiv diente Waldmüller in seinen Werken zunächst rein als Hintergrund. In den 1830er-Jahren rückte er die Natur auch in den Vordergrund, und es entstanden zahlreiche in ihrer Wirklichkeitsnähe bestechende Ansichten. Von da an spielte die Landschaft eine entscheidende Rolle in Waldmüllers Schaffen und begleitete ihn bis an sein Lebensende.

Ferdinand Georg Waldmüller, Large Prater Lanscape, 1849 Photo: Johannes Stoll / Belvedere, Vienna

Die Schau CARE MATTERS. Eine Ausstellung der SAMMLUNG VERBUND, kuratiert von deren Gründungsdirektorin Gabriele Schor, präsentiert rund 50 Werke von 33 österreichischen und internationalen Künstler:innen zum gesellschaftspolitisch relevanten Thema der Care- und Sorgearbeit. Viele dieser Werke wurden erst jüngst von der SAMMLUNG VERBUND erworben und sind erstmals in Österreich zu sehen.

„Sorge“ ist ein vielschichtiger Begriff. Wir machen uns Sorgen um jemanden, wir sorgen für jemanden. Die Ausstellung der SAMMLUNG VERBUND widmet sich mehrheitlich dem sozialen Aspekt der Care- und Sorgearbeit. Von der Feministischen Avantgarde der 1970er-Jahre bis zu zeitgenössischen Positionen zeigt sich ein künstlerischer Wandel in der Auseinandersetzung mit Care-Arbeit.

Courtesy SAMMLUNG VERBUND, Vienna © Kirsten Justesen / Bildrecht, Vienna 2026

Mit der Ausstellung Animalia. Von Tieren und Menschen untersucht die Heidi Horten Collection das komplexe Verhältnis zwischen Mensch und Tier. Der aus der Biologie entlehnte Begriff Animalia dient dabei als Leitgedanke einer kritischen Auseinandersetzung mit dem Umgang des Menschen mit dem Tier, der sich in über 100 Kunstwerken aus dem 20. und 21. Jahrhundert spiegelt.

Abgeleitet von anima, dem lateinischen Wort für Atem oder Seele, umfasst der vom Naturforscher Carl von Linné (1707–1778) geprägte Terminus Animalia Mensch und Tier gleichermaßen. Im Kontrast zu diesem Modell der Gleichrangigkeit ist der Umgang des Menschen mit dem Tier von einer deutlichen Hierarchie geprägt.

Als vermeintlicher „Höhepunkt der Evolution“, als Wesen der Vernunft, das sich über die tierische Welt erhebt, weist der Mensch dem Tier ambivalente Rollen zu. Künstlerische Repräsentationen, die diese unterschiedlichen Zuschreibungen sichtbar machen, sagen dabei viel über den Menschen selbst aus, sie erlauben Rückschlüsse auf sein Selbstverständnis und seine Methoden der Projektion. So ist der Mensch in jedem Bild des Tieres bereits präsent – selbst dann, wenn er nicht Teil der Darstellung ist.

Lena Henke, UR Mutter, 2019 Heidi Horten Collection, © die Künstlerin

Die Ausstellung untersucht die Wechselwirkungen zwischen Comics, Bildergeschichten, Cartoons und bildender Kunst seit der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Die Gegenüberstellung in der Albertina Modern setzt den Künstler KAWS in einen Dialog mit ausgewählten Positionen der Gegenwart und betont die künstlerische Eigenständigkeit seiner Skulpturen, die bildende Kunst, Popkultur sowie kommerzielle und öffentliche Kunst miteinander verbinden. Die emotionale Kraft von KAWS’ Figuren trägt wesentlich zu ihrem internationalen Erfolg bei.

Die Schau folgt den Spuren einer Kunst, deren Motivation unmittelbar aus der Ästhetik von Comics hervorgeht. Dabei spielen der grafische Impuls, die schnelle zeichnerische Notation auf Papier, die Auseinandersetzung mit dem unmittelbaren Alltag, die Emotionalität fiktiver Figuren sowie das Erzählen von Geschichten eine zentrale Rolle. Comics existieren in vielen Kulturen als zugängliche Form der visuellen Narration. Sie sprechen mit ihrer universellen sowie gut verständlichen Formensprache alle Altersgruppen und Gesellschaftsschichten an.

Private collection © KAWS Photo: Courtesy KAWS Studio

Die Ausstellung „Global – Neutral“ folgt den Spuren österreichischer Architekt*innen, die zwischen 1955 und 1989 in afrikanischen und asiatischen Ländern tätig waren – in einer Zeit weltpolitischer Umbrüche, in der viele Staaten ihre Unabhängigkeit von Kolonialmächten erlangten und internationale Kooperationen vom Kalten Krieg geprägt waren.

In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts rückte Architektur zunehmend in einen globalen Zusammenhang. Politische Umbrüche und neue Allianzen veränderten die Welt – viele neu gegründete Staaten in Asien und Afrika wurden zu wichtigen Schauplätzen internationaler Architektur- und Städtebauprojekte. Dabei spiegelten Architektur und Stadtplanung auch politische Haltungen in einer neu entstehenden Weltordnung wider. Österreichische Architektinnen agierten in diesem Zusammenhang aus einer besonderen Position heraus: Aufgrund der politischen Neutralität ihres Landes traten sie nicht als Vertreterinnen eines ideologischen Blocks auf, sondern als scheinbar unabhängige Partner*innen ohne koloniale Vergangenheit. Doch auch ihre Projekte – unter anderem in Ländern wie Burkina Faso, Indien, Iran, Irak, Kuwait, Nepal oder Tansania – waren in politische, wirtschaftliche und kulturelle Interessen verwoben: Sie waren Teil von Entwicklungsprogrammen, dienten als Symbole diplomatischer Annäherung und waren Schauplätze transnationaler Zusammenarbeit.

Pläne, Fotografien und Modelle aus der umfangreichen Sammlung des Az W machen diese vielschichtigen Verbindungen sichtbar. Anhand realisierter und geplanter Projekte von rund 25 österreichischen Architekt*innen, darunter Carl Auböck, Djamshid Farassat, Eugen Gross, Eva Mang-Frimmel und Karl Mang, Norbert Heltschl, Hans Hollein, Helene Koller-Buchwieser, Shahrzad Seradj- Kraupp, Hannes Lintl, Carl Pruscha, Roland Rainer und Anton Schweighofer, eröffnet die Ausstellung „Global – Neutral“ neue Perspektiven auf österreichische Architektur im Spannungsfeld von Politik, Kultur und Globalisierung.

Walter Hildebrand, Eckhard Schulze-Fielitz, Gunter Wratzfeld: „Habitainer“ Unterkünfte für Ingenieure der Firma Hochtief, Skikda, Algerien 1970 © Architekturzentrum Wien, Sammlung, Foto: Gunter Wratzfeld

Richard Prince (*1949) zählt zu den bekanntesten zeitgenössischen Vertreter:innen der Appropriation Art. Seit den 1970er-Jahren setzt sich der in New York lebende Künstler mit den Bildwelten der US- amerikanischen Alltagskultur auseinander.

Durch die Aneignung vorhandener Bilder aus Werbung, Sub- und Massenkultur sowie durch deren Bearbeitung und Neukontextualisierung untersucht Prince Mythen und Fiktionen, die massenmedialen Bildern zugrunde liegen. Untrennbar damit verbunden sind Fragen nach Autorschaft, Originalität und den Mechanismen medialer Repräsentation.

Courtesy of Richard Prince Studio © Richard Prince

Die Oesterreichische Nationalbank (OeNB) leistete 1994 einen entscheidenden finanziellen Beitrag zur Gründung der Leopold Museum-Privatstiftung und ermöglichte damit die Entstehungs- und Erfolgsgeschichte des Museums. Die Ausstellung „Premiere!“ würdigt diese langjährige Verbindung und zeigt erstmals umfassend die beeindruckende Vielfalt der Kunstsammlung der OeNB.

Seit den späten 1980er-Jahren sammelt die OeNB österreichische Malerei und Skulptur von 1918 bis heute, mit Schwerpunkten auf Kunst der Zwischenkriegszeit – insbesondere der Neuen Sachlichkeit und des Post-Expressionismus – sowie auf Arbeiten im Bereich der geometrischen und gestischen Abstraktion nach 1945.

Die Präsentation eröffnet einen Querschnitt durch zentrale Tendenzen österreichischer Kunst: Sie zeigt Werke von bekannten neusachlichen Künstler*innen, wie Rudolf Wacker und Franz Sedlacek, sowie eigenständige Positionen der Zwischenkriegszeit, wie bei Greta Freist und Max Oppenheimer. In der zeitgenössischen Kunst nach 1945 werden spannende Parallelen zwischen den Künstler*innengenerationen sichtbar, etwa zwischen Maria Lassnig und Tobias Pils oder Svenja Deininger und Ernst Caramelle. Ebenso werden die vielfältigen Zugänge zur Abstraktion in der Malerei – von Martha Jungwirth bis Herbert Brandl – erfahrbar. Auch skulpturale Werke, etwa von Josef Pillhofer, Julia Haugeneder oder Constantin Luser, sind wesentlicher Bestandteil der Sammlung.

MAX OPPENHEIMER, Die Schachpartie, 1925/30 © Oesterreichische Nationalbank | Foto: Sammlung Oesterreichische Nationalbank

Die Künstlerin Helga Philipp (1939–2002) gilt als zentrale Vertreterin der österreichischen Konkreten Kunst und der Op-Art. Bereits in den 1960er-Jahren entwickelt sie eine präzise, konzeptuell fundierte Bildsprache, die Wahrnehmung und Bewegung in den Mittelpunkt ihres künstlerischen Schaffens stellt.

Ihr Werk steht im Spannungsfeld zwischen visueller Erfahrung, geometrischer Abstraktion und kinetischer Formensprache, wobei sie mit mathematischen Prinzipien, seriellen Strukturen und Interaktivität experimentiert. Die Ausstellung präsentiert rund 50 der wichtigsten Arbeiten der Künstlerin aus mehreren Jahrzehnten und zeigt die Vielfalt ihres Werkes in unterschiedlichen Medien wie Malerei, Zeichnung, Druckgrafik und Objektkunst.

Helga Philipp Ohne Titel (Kinetisches Objekt), 1966–1968 115 × 115 cm, Lack, Glas, Holz Privatsammlung © Nachlass Helga Philipp Foto: Nachlass Helga Philipp

Über einen Zeitraum von sechs Monaten präsentiert die Kunsthalle Wien in allen ihren Ausstellungsräumen die größte Übersicht über die Wiener Gegenwartskunstszene, die die Institution seit über einem Jahrzehnt organisiert hat. Skulpturen, Installationen, Zeichnungen, Gemälde, Fotografien, Performances und Videos von über 50 Künstler*innen werden in einer Ausstellung präsentiert, deren Schwerpunkt auf neuen Auftragsarbeiten und Werken liegt, die bisher noch nicht in Wien zu sehen waren.

Der Titel der Ausstellung leitet sich von einer erstmals im Jahr 2000 in der Kunsthalle präsentierten Übersicht ab und knüpft an ein Format an, das einen Einblick in die dynamischen, transnationalen und kulturell vielfältigen Künstler*innengemeinschaften bietet, die heute in Wien leben und arbeiten. Die Ausstellung wird von einem einjährigen öffentlichen Programm begleitet.

Ergänzend zur Ausstellung erscheint eine neue Publikation mit Auftragstexten zu allen Künstler*innen sowie Transkripten von Gesprächen zwischen Kurator*innen, Künstler*innen und Kritiker*innen, die in Wien leben und arbeiten, in deutscher und englischer Sprache.

Judith Eisler, Hanna, 2019

„dérive vermittelt Wissen aus Stadtforschung, Kunst und Aktivismus, engagiert sich für die Demokratisierung der urbanen Gesellschaft und die Stärkung der kritischen Öffentlichkeit.“

Wer hat ein Recht auf Stadt? „dérive. Horizont Stadt“ lädt zum Streifzug durch Wissenschaft, Kunst und Aktivismus: Entlang zentraler Themen wie der Wohnungsfrage, dem Stadtraum als öffentlichem Raum oder Stadt und Demokratie gibt die Ausstellung Einblicke in die theoretische und praktische Auseinandersetzung der Zeitschrift mit dem urbanen Raum als gesellschaftlichem Raum.

Seit 2000 widmet sich dérive multiperspektivisch und multimedial der Erkundung und Vermittlung des Topos „Stadt“. Den Horizont allen Tuns bildet das „Recht auf Stadt“ und die „urbane Gesellschaft“ (Henri Lefebvre) als Vision einer emanzipatorischen Gesellschaftsordnung, in der urbaner Raum kollektiv gestaltet, vielfältig angeeignet und für Begegnung, Differenz und Teilhabe geöffnet ist. Aus Neugier und Liebe zur Stadt gegründet, hat sich dérive zu einem internationalen Netzwerk engagierter Stadtforscher*innen, Planer*innen, Künstler*innen und Aktivist*innen entwickelt, deren Arbeiten zu Stadt, Raum und Gesellschaft in dérive – Zeitschrift für Stadtforschung, in Radio dérive, bei urbanize! Int. Festival für urbane Erkundungen, sowie in zahlreichen weiteren Projekten präsentiert und diskutiert werden. Die Ausstellung „dérive. Horizont Stadt“ zeigt, ausgehend von der Zeitschrift, exemplarisch diese vielschichtige Auseinandersetzung mit dem urbanen Raum.

Seit 25 Jahren und über 100 Ausgaben widmet sich dérive – Zeitschrift für Stadtforschung der Erkundung der Stadt. © © Foto: Martin Bilinovac

Er zählt zu den bekanntesten Comedy-Größen des deutschsprachigen Raums: Otto Waalkes.
Und das nicht erst seit gestern. Generationen haben über seinen Wortwitz und seine Parodien gelacht. Seine Filme, Fernsehauftritte, Songs und Verse sind aus der Popkultur nicht mehr wegzudenken.

Seine künstlerischen Ambitionen sind jedoch weniger bekannt. Als Maler lässt er seine Kultfigur, den Ottifanten, durch die Kunstgeschichte spazieren. Während seiner Zeit in der Künstler-WG mit Udo Lindenberg, Marius Müller-Westernhagen und anderen studierte OTTO an der Hochschule für bildende Künste in Hamburg.

Die ALBERTINA und ihre Sammlung faszinieren ihn seit jeher.

Zum 250-jährigen Jubiläum seiner Gründung lädt das Museum ihn nun ein, ausgewählte Meisterwerke der grafischen Sammlung neu zu betrachten und zu kommentieren – natürlich nicht ohne Hintersinn.

Mit einer Intervention in den Habsburgischen Prunkräumen trifft Otto Waalkes auf bekannte Meisterwerke der ALBERTINA – und tritt mit ihnen in einen Dialog der außerfriesischen Art.

Parodistische Aneignung wird dabei zur ehrlichsten Form der Huldigung.

Otto Waalkes Der ostfriesische Götterbote, 2025, Acryl auf Hartfaserplatte, Teegrund © 2026 Otto Waalkes

Hypnotische Motive, pulsierende Formen und flimmernde Muster: In der Ausstellung werden die Werke dieser beiden »Großmeister« der optischen Täuschung einander gegenübergestellt und in einen vielfältigen Dialog gesetzt.

Victor Vasarely (1906-1997) stellte vor allem ab den 1950er- Jahren mit vielen seiner Werke unser Sehen auf die Probe. Sein vielschichtiges OEuvre ist heute aktueller denn je. Die kräftigen Farben seiner streng geometrischen Muster, aber auch die starken Kontraste seiner Schwarz-Weiß-Malerei sind noch immer Bestandteil ästhetischer Gestaltung. Die Darstellung von Bewegung in der Kunst wird auch zum zentralen Untersuchungsgegenstand des österreichischen Künstlers Marc Adrian (1930-2008), der von Peter Weibel als »Vater der Medienkunst« bezeichnet wird.

ALBERTINA, Wien – The ESSL Collection © Bildrecht, Wien 2025

Im Sommer 2026 wird das Belvedere 21 auf den Ausstellungsebenen im Erdgeschoss und im Obergeschoss mit einer groß angelegten Schau bespielt, die den Neuerwerbungen für die Belvedere Sammlung der letzten zehn Jahre gewidmet ist. Ganz dem Profil der Sammlung entsprechend treffen dabei Kunstwerke aller Epochen in einer von Heimo Zobernig entworfenen räumlichen Anordnung aufeinander – sozusagen zu einer Stellprobe.

Das Sammeln steht im Zentrum des musealen Auftrags. Die Erweiterung der Sammlung, von der mittelalterlichen bis zur zeitgenössischen Kunst, orientiert sich am Profil des Bestands und reagiert zugleich auf Lücken in der Kunstgeschichtsschreibung. Ein besonderer Schwerpunkt liegt dabei in der substanziellen Erweiterung der Präsenz von Künstlerinnen und anderen bislang unterrepräsentierten Positionen in der Sammlung.

Die Ausstellung spiegelt diese Schwerpunktsetzungen wider und umfasst gleichermaßen historische wie zeitgenössische Kunstwerke in einem Display, das der Künstler Heimo Zobernig speziell für diese Präsentation konzipiert.

Nancy Spero, Sheela and Wilma, 1985 (Detail) Belvedere, Wien, Ankauf von der Galerie Lelong, New York Foto: Johannes Stoll / Belvedere, Wien © Bildrecht, Wien 2026

Digitale Überwachung, KI und visuelle Manipulation – Miao Ying macht die Schattenseiten unserer vernetzten Welt sichtbar. Im Belvedere 21 eröffnet ihre Einzelausstellung einen differenzierten Blick auf die Ästhetiken digitaler Kontrolle. Mit Installationen, Malerei und Video reflektiert die Künstlerin globale Medienkulturen, Zensurmechanismen und die Macht generativer Technologien.

In ihren jüngsten Arbeiten setzt Ying KI-generierte digitale Bilder ein, die sie mithilfe generativer neuronaler Netzwerke unter festgelegten Parametern erzeugt und anschließend in analoge, malerische Formate überführt. So verschränkt sie digitale Technologien mit klassischer Bildproduktion und hinterfragt dabei unsere Wahrnehmung von Realität und Kontrolle.

© Miao Ying, photo: Markus Wörgötter © Bildrecht Vienna, Courtesy Miao Ying and Galerie nächst St. Stephan Rosemarie Schwarzwälder Vienna

Die seit der italienischen Renaissance vermehrt gestellte Frage nach der Hierarchie der Künste, die unter anderem den Wettstreit zwischen Malerei und Bildhauerei befeuerte, fand mit dem Beginn der Moderne ihr Ende. In dieser Ausstellung, in der das Werk eines Bildhauers auf jenes eines Malers trifft, geht es nicht um einen kunsttheoretischen Wiederbelebungsversuch der Paragone-Debatte, sondern um einen Dialog zweier Künstlerpersönlichkeiten, die trotz aller Verschiedenheiten in Bezug auf historische, räumliche und kulturelle Konstruktionen überraschende Analogien in formalästhetischer wie werkphänomenologischer Hinsicht aufweisen. Diese Gegenüberstellung von Herbert Boeckl (1894–1966) und Hans Josephsohn (1920–2012), die sich in ihren Leben nie begegnet sind, verdeutlicht dennoch fundamentale Parallelen in deren Auffassung von Körperlichkeit, Materialität und dem Prozess der Formfindung.

Weder Boeckl noch Josephsohn haben – trotz des verstärkten Auftretens der abstrakten Kunst seit den 1950er-Jahren – den Weg in die Abstraktion beschritten. Sie sind der Gegenstandsbezogenheit und insbesondere der menschlichen Figur als künstlerische Ausdrucksträger treu geblieben. Wiewohl beide einen starken Abstraktionsprozess in ihrer Darstellung menschlicher Körper praktizierten und oftmals auf anatomische Details in ihren Bildwerken verzichteten: Beide strebten danach, das Wesentliche durch radikale Vereinfachung und massive Verdichtung herauszuarbeiten. Dies lässt viele ihrer Figuren entindividualisiert und stilisiert erscheinen und bringt eine universelle Form des Menschlichen zur Darstellung. Trotz oder gerade wegen dieser Reduktion, die die „Porträtierten“ zur reinen Form transformieren, zeichnen sich deren Gestalten durch eine starke Ausdruckskraft aus. Diese spezifische auratische Wirkung wird durch expressive Einfachheit, formale Reduktion und nicht zuletzt durch eine eindrückliche materielle Präsenz evoziert. Das Interesse an der Physis des Materials stellt eine weitere Korrespondenz zwischen den beiden Künstlern dar. Während Boeckl in seiner Malerei die Farbe dick und nahezu skulptural bzw. reliefartig schichtet, arbeitet Josephsohn bei seinen Gipsmodellierungen und den daraus entstehenden Güssen vergleichbar additiv.

HERBERT BOECKL, Gruppe am Waldrand, 1920 © Leopold Museum, Wien | Foto: Leopold Museum, Wien © Herbert Boeckl-Nachlass, Wien

In einer spannungsvollen Gegenüberstellung zeigt die großangelegte Ausstellung die beiden bedeutendsten figurativen Maler des 20. Jahrhunderts, Pablo Picasso und Francis Bacon.

Beide Jahrhundertkünstler rückten die menschliche Existenz ins Zentrum ihrer Bildwelt. Beide beschäftigte der menschliche Körper – zerrissen, neu zusammengesetzt und mit radikaler Kraft neu erfunden. In ihren verzerrten Darstellungen zeigen sie Schmerz, Begierde und Verletzlichkeit und halten der modernen Seele einen schonungslosen Spiegel vor. Themen wie Kreuzigungen, Schreie, Stierkampf, Akte und die „Tränen des Eros“ offenbaren für beide das Drama des Lebens.

Francis Bacon, Three Studies of Isabel Rawsthorne, 1967 Neue Nationalgalerie, Staatliche Museen zu Berlin © The Estate of Francis Bacon / All rights reserved / Bildrecht, Vienna und DACS, London 2026

Im Herbst 2026 würdigt das Belvedere die Künstlerin Erika Giovanna Klien (1900–1957) mit einer umfangreichen Einzelausstellung. Die bedeutendste Vertreterin des Wiener Kinetismus zeichnet und malt faszinierende Darstellungen vibrierender Vogelflüge, tanzender Körper und rotierender Maschinen. Beobachtung, Analyse und Arrangement komplexer Bewegungen, ob natürlichen oder technischen Ursprungs, liegen ihren Kompositionen zugrunde. Vor allem nach ihrer Übersiedlung nach New York im Jahr 1929 entpuppt sich Klien als präzise Beobachterin des technischen Fortschritts und des modernen, immer stärker beschleunigten Lebens in der Großstadt.

Eine Ausstellung des Belvedere, Wien, in Zusammenarbeit mit der Universität für angewandte Kunst Wien – Kunstsammlung und Archiv sowie dem Istituto Italiano di Studi Germanici, Rom.

Curated by Verena Gamper

Co-curator: Veronica Liotti

Assistant Curator: Johanna Hofer

Erika Giovanna Klien, Kinetische Figur, 1927 © Sammlung Leitner Wien

Blumenfelder, Märchenwälder und geheimnisumrankte Wasserfälle scheinen einem wilden Fiebertraum entsprungen: Riesige Blüten recken sich wie uralte Bäume gen Himmel, Pflanzen mutieren zu etwas seltsam Vertrautem und doch Fremdem, brennende Sonnenuntergänge spiegeln sich flimmernd im Wasser, Gestirne glühen am Horizont und tauchen die Landschaft in ein übernatürliches, unwirkliches Licht

Die Gemälde von Shara Hughes (*1981 in Atlanta, Georgia) sind eine Reise durch die Irrungen und Wirrungen – den Dschungel einer überbordenden Innenwelt. Diese symbolisch aufgeladenen Werke sind zum Teil eine Hommage an Georgia O’Keeffe, doch ist die ausdrucksstarke Farbigkeit vor allem fauvistischen Landschaftsvorstellungen und dem Expressionismus der Moderne geschuldet.

Shara Hughes Weighted Blankets, 2022, The George Economou Collection © Shara Hughes Photo: JSP Art Photography

Anlässlich ihres 250-jährigen Jubiläums präsentiert die ALBERTINA eine Ausstellung, die sich erstmals den Künstlerinnen in ihrer Sammlung widmet und damit etablierte kunsthistorische Narrative neu beleuchtet. Die Ausstellung, die den Zeitraum vom 15. Jahrhundert bis in die 1970er Jahre umfasst, hebt die bedeutende Rolle hervor, die Frauen bei der Gestaltung künstlerischer Entwicklungen gespielt haben, auch wenn ihre Beiträge lange Zeit übersehen oder gar vergessen wurden.

Werke von Zeichnerinnen und Grafikerinnen – die bereits von Herzog Albert und Erzherzogin Marie Christine erworben wurden – werden neben Werken gezeigt, die von mittelalterlichen Klosterholzschnitten bis hin zu frühen feministischen Positionen reichen.

Die Präsentation verdeutlicht, dass die Kunstgeschichte seit jeher von Frauen geprägt wurde.

Basierend auf einem laufenden Forschungsprojekt, das von Generaldirektor Ralph Gleis initiiert wurde, offenbart die Ausstellung eine bemerkenswerte Vielfalt und zahlreiche herausragende Werke, die bisher selten oder noch nie gezeigt wurden.

Emilie Mediz-Pelikan Female Centaur, 1895, The ALBERTINA Museum, Vienna

Im Zentrum dieser Ausstellung stehen Strukturen, die einen wesentlichen, aber oft übersehenen Teil unserer urbanen Infrastruktur bilden. Diese temporäre Architektur hält unzählige Prozesse in der Stadt am Laufen: vom Bauen und Abtragen über Instandhaltung und Orientierung bis zu Schutz und Sicherheit. In den Köpfen der Menschen als temporär abgestempelt, verschmelzen solche Bauten mit ihrer Umgebung und bleiben häufig unterhalb der Wahrnehmungsschwelle. Die Ausstellung macht diesen notwendigen Hintergrund sichtbar und rückt ihn in den Fokus.

Konzept und Gestaltung: KOSMOS architects

Foto: New Order: Rinofelino / Dreamstime.com

Im Zentrum von Feminist Futures Forever steht die Vielstimmigkeit künstlerischer Praktiken. Dabei werden feministische Forderungen, gesellschaftspolitische Wirksamkeiten und unterschiedliche Zeitlichkeiten miteinander verknüpft. Jedes Anliegen richtet sich in kritischer Auseinandersetzung mit seiner jeweiligen Geschichte und Gegenwart auf die Verhältnisse einer imaginierten Zukunft.

Die Ausstellung Feminist Futures Forever folgt diesem Prinzip und setzt mit einem Rückblick auf die Ausstellung Kunst mit Eigen-Sinn von 1985 internationale, intersektionale und generationsübergreifende Positionen miteinander in Dialog. Im Mittelpunkt stehen die individuellen Werke der Künstler*innen: Ihre Narrative treffen in Räumen aufeinander, die sich aus dem Alltag ableiten und mögliche Zukunftsmodelle intuitiv erfahrbar machen.

Feminist Futures Forever umfasst Arbeiten von Künstler*innen von der Feministischen Avantgarde bis zur jüngsten Generation.

Anna Meyer, Futurefeminismus (Wir lebten in hundert Jahren) – Tapp und Tast, 2019 Foto: Johannes Stoll / Belvedere, Wien © Bildrecht, Wien 2025

Die ALBERTINA würdigt Franz West (1947-2012) anlässlich seines 80. Geburtstags mit einer Retrospektive. Der nonkonformistische Künstler, bekannt für seinen renitenten Charakter mit Eigensinn und Humor, war mehrfach auf der Documenta und der Biennale von Venedig vertreten und erhielt 2011 den Goldenen Löwen.

Vom Wiener Aktionismus geprägt, entstehen in den 1970er- Jahren seine legendären Passstücke: Durch Tragen, Halten und Anlegen passen sich die prothesenartigen Gebilde den Körperformen an und geben dem Publikum die Möglichkeit, zu interagieren. Objekte werden zu Gelegenheiten, Kunst zur Situation. Wests Werk sprengt Grenzen, verbindet Kunst und Leben und inspiriert Generationen von Künstler:innen. Eine Hommage an einen, der die Kunst vom Sockel holte und mitten ins Leben stellte.

ALBERTINA, Wien – Familiensammlung Haselsteiner © Archiv Franz West © Estate Franz Wien Foto: ALBERTINA, Wien

Nüchtern, klar, sachlich – so versuchte man die Welt nach dem Ende des ebenso verlust- wie folgenreichen Ersten Weltkrieges buchstäblich neu zu sehen. Die bis 1914 speziell in den Kreisen ambitionierter Amateure gepflegte „Kunstfotografie“ mit ihrem verklärenden Ästhetizismus hatte ausgedient. Ein direkter, schnörkelloser, mediengerechter Bildstil, verbunden mit einem klaren Bekenntnis zur technischen Moderne wurde gefordert. In Deutschland hatten Ellen Auerbach, Aenne Biermann, Karl Blossfeldt, Alfred Ehrhardt, Albert Renger-Patzsch oder August Sander sich einer „Neusachlichen Fotografie“ verschrieben, die mit der 1929 vom Deutschen Werkbund organisierten Ausstellung Film und Foto ihren Höhepunkt erreichte. Das Plädoyer der unmittelbar nach Stuttgart auch in Wien gezeigten Schau für eine zeitgemäße Bildsprache, hinterließ nicht zuletzt im Werk der Österreicher*innen Trude Fleischmann, Grete Kolliner, Rudolf Koppitz oder Otto Skall ihre Spuren.

Entlang zentraler Motiv- und Themenkomplexe präsentiert die Schau über hundert herausragende, künstlerische Positionen der Neuen Fotografie der 1920er- und 1930er-Jahre und versammelt Arbeiten aus namhaften europäischen Museen, Institutionen und Sammlungen, darunter noch nie gezeigte Werke aus Privatbesitz.

WIENER WERKSTÄTTE/WILHELM WILLINGER (Fotografie), Kleid entworfen von Eduard Wimmer-Wisgrill (1882–1961), 1919 © Leopold Museum, Wien | Foto: Leopold Museum, Wien

Gemälde von monumentaler Schönheit und Kraft:

Sie vermitteln Geschichten und Wissen, das über Generationen hinweg weitergegeben wurde. Emily Kame Kngwarreyes (1910-1996) Arbeiten verkörpern detaillierte Kenntnisse über das Land ihrer Vorfahren. Die wohl bekannteste Protagonistin der First Nation Art, die erst mit Ende 70 zu malen begann, schuf in den folgenden acht Jahren bis zu ihrem Tod einen umfassenden Werkcorpus, der im Mittelpunkt dieser Ausstellung mit Künstler:innen aus Australien steht.

Die Schau speist sich aus dem umfangreichen Sammlungsbestand der ALBERTINA auf diesem Gebiet, der rund 100 Positionen umfasst und der zuletzt von der Schenkung des Sammlerehepaars Elisabeth Bähr und Lindsay Frost anlässlich des 250. Geburtstags des Museums ergänzt wurde. Australische Fotografinnen wie Destiny Deacon und Tracey Moffatt runden die Präsentation zur Kunst aus Down Under ab.

Nyunmiti Burton Untitled (52-22AS), 2020 ALBERTINA, Wien © Bildrecht, Wien 2025 Foto: ALBERTINA, Wien

Erna Rosenstein (1913 –2004), ist eine zentrale Protagonistin der polnischen Nachkriegsavantgarde und wird ab Sommer 2026 erstmals in Österreich in einer umfassenden Retrospektive gewürdigt.

Vor dem Hintergrund der Shoah und den historischen Umbrüchen in Polen zeugen ihre Werke von der Widerständigkeit einer Künstlerin,

die unbeirrt an ihren politischen Überzeugungen und künstlerischen Idealen festhält.

Über sechs Jahrzehnte hinweg entwickelt Rosenstein einen multimedialen Bildkosmos, der die enge Verflechtung von Gegenwart, Erinnerung und von kollektivem sowie persönlichem Erleben sichtbar macht.

Kuratiert von Stephanie Auer.

Assistenzkurator: Miroslav Haľák

Digital Photography Studio at the National Museum in Poznań The Estate of Erna Rosenstein - courtesy of Foksal Gallery Foundation and Hauser & Wirth