„Diese ‚Augen‘ sprechen von der Notwendigkeit, innezuhalten, nachzudenken, in sich selbst zu schauen und die Welt von den eigenen Gefühlen geleitet zu betrachten“ – daher bilden diese „Fenster zur Seele“ auch das Zentrum der Installation EYES | OCHI, die 2016 in einem kleinen Dorf nahe der Stadt Lwiw kreiert wurde.

Dort finden zahlreiche Kinder während der Sommerwochen in „Prostir RaDity“ („Raum der Kinderfreude“) eine Unterkunft, die ihnen Gelegenheit bietet, sich den traumatischen Auswirkungen des Ukraine-Kriegs zu stellen. 2015 nach der Annexion der Krim und dem Beginn des Kriegs im Donbas gegründet, wurde so ein Anker- und Reflexionspunkt geschaffen. „Prostir RaDity“ wird von Psychotherapeut:innen, Künstler:innen, Musiker:innen, Philosoph:innen und weiteren Unterstützer:innen betreut, um den äußeren sowie inneren Kriegsverletzungen und -gefährdungen entgegenzuwirken.

Durch die Fotoinstallation EYES | OCHI im Schauraum Berggasse 19 sehen wir uns mit einem vielschichtigen Kaleidoskop von Blicken der Kinder konfrontiert, wie auch mit ihrem Bemühen um eine bessere Zukunft. Den Fragen nach Bewältigungsstrategien von Kriegserlebnissen – wie sehr Angstzustände und insbesondere der Verlust von Eltern und nahen Bezugspersonen auf die kindliche Psyche einwirken, widmete sich auch Anna Freud, Kinderanalytikerin und jüngste Tochter Sigmund Freuds, in den Tagen des Zweiten Weltkriegs. Ihr Todestag jährt sich am 9. Oktober 2022 zum vierzigsten Mal, weshalb das Sigmund Freud Museum die Präsentation EYES | OCHI ihrem Andenken und ihrer bedeutenden Arbeit Kriegskinder (Erstveröffentlichung 1942 in Englisch) widmet.

Eyes of a child of "Prostir RaDity“, Detail der Installation, Foto: Oliver Ottenschlaeger

Über zehn Jahre lang wurde an der Sommerresidenz von Wiens wohl berühmtestem Feldherrn Prinz Eugen von Savoyen gebaut: Im Jahr 1723 war die Anlage des Belvedere mit der Fertigstellung des Oberen Schlosses schließlich vollendet. Anlässlich des dreihundertjährigen Jubiläums dieses Ereignisses widmet sich das Haus seiner eigenen Geschichte. Als architektonisches Ensemble wie auch als Museum stand das Belvedere über Epochen hinweg für die Inszenierung von Macht und Repräsentanz: als Kulisse höfischer Feste, zeitweise als königliche Residenz, aber auch als Schauplatz der Unterzeichnung des österreichischen Staatsvertrags 1955. In einer umfangreichen Ausstellung setzt sich das Museum nun mit seiner wechselhaften Nutzung auseinander.

Kuratiert von Björn Blauensteiner, Sabine Grabner, Kerstin Jesse (Konzeptmitarbeit), Alexander Klee, Georg Lechner, Stefan Lehner, Monika Mayer und Luisa Ziaja.

Moderne Galerie 1903 [Bildarchiv BA6] © Belvedere, Wien

In Zusammenarbeit mit Partner*innen insbesondere aus Lateinamerika werden gängige Narrative des Aussterbens hinterfragt und aus anderen Perspektiven neu erzählt. In den Sammlungen des Weltmuseums Wien finden sich zahlreiche Objekte mit deren Hilfe Geschichten vom Aussterben menschlicher Kulturen erzählt werden können, die aber genauso auch von ihrer Widerstandskraft und ihrem Überleben berichten.

Zemi-Gürtel, Taino, Große Antillen, 1520–1560, Schneckenschalen, Zähne, Baumwolle, Obsidian, Messing, Glasspiegel, Sammlung Ambras, Weltmuseum Wien ©

Andy Warhol bis Damien Hirst – The Revolution in Printmaking ist der zweite Teil des großen Terzetts rund um die Geschichte der Druckgrafik, die die ALBERTINA in diesem Jahr zeigt. Dabei ist diese Präsentation in der ALBERTINA MODERN eine Ausstellung besonderer Art. Der Print nach 1960 unterscheidet sich radikal von der Druckgrafik der fünf vorangegangenen Jahrhunderte. Die druckgrafische Sammlung der ALBERTINA spiegelt die internationale Kunstentwicklung mit ihren diversen Strömungen anhand herausragender Beispiele wider.

Drei Kriterien machen diese Revolution aus: das Prinzip der Serialität, das für Andy Warhol, Chuck Close und Kiki Smith typisch ist, die Monumentalisierung der großen Arbeiten von Anselm Kiefer über Georg Baselitz und nicht zuletzt der Siebdruck als neue Technik, die die Realität ins Bild holt.

Eindrucksvolle Werke der modernen Bahnbrecher nach 1945 spiegeln die internationalen Kunstströmungen wider. So sind die amerikanische Pop- und Minimal-Kunst mit Andy Warhol, Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein und Agnes Martin, die Künstler Deutschlands mit Georg Baselitz, Jörg Immendorff, Anselm Kiefer und anderen umfassend vertreten.

Der Bogen spannt sich bis zu jüngeren Positionen, wobei dem zeitgenössischen Umgang mit traditionellen Techniken wie dem Holzschnitt genauso Aufmerksamkeit gewidmet wird wie dem innovativen Gestalten mithilfe neuer drucktechnischer Möglichkeiten.

Zu sehen sind rund 70 zum Teil großformatige Schlüsselwerke der Kunstgeschichte nach 1945, die zugleich Hauptwerke der heutigen Sammlung der ALBERTINA darstellen.

© The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Bildrecht, Wien 2023

Nach der großangelegten Recherche zu Melchior d’Hondecoeter für seine Ausstellung Intolerance 2010 in der Neuen Nationalgalerie Berlin wendet sich Willem de Rooij in den letzten Jahren auch d’Hondecoeters Cousin Jan Weenix zu und den Beziehungen zu deren beider Schüler Dirk Valkenburg. De Rooijs Recherchen beleuchten immer auch die historischen Gegebenheiten aus postkolonialer Perspektive und die klassistischen Informationen, die über Bilder wirksam werden. Ebenso spielen allegorische Verweise, formale Techniken und Praktiken sowie Parameter, anhand welcher wir vor dem Diskurshintergrund der Gegenwart auf diese Werke schauen und sie interpretieren, eine wesentliche Rolle: Fragen wie die nach dem Original, der Kopie, gewissen „Rezepturen“ und Techniken der Wiederholung sowie die Bedingungen des Ausstellens und Ausleihens /Reisens von Kunstwerken/Waren und lebendem „Material“ in einer globalisierten Welt kommen zur Sprache. In der Installation King Vulture von 2022 nahm de Rooij gleich mehrere dieser Elemente auf, eines davon war die Entscheidung, aufgrund bestimmter Bedingungen des Museumsbetriebes die fotografischen Reproduktionen der Gemälde, kenntlich gemacht durch sichtbare Farbkarten, von Yaohui Zhu und dem Team des Yunxi Art Studio, Dafen (China), nachmalen zu lassen. In der Gemäldegalerie wird dieser Faden aufgenommen, indem der Künstler Werke von Jan Weenix, Melchior d’Hondecoeter und Dirk Valkenburg aus der eigenen und anderen Wiener Sammlungen auswählt und sie in eine spezifische räumliche Konstellation bringt.

© Paintings Gallery of the Academy of Fine Arts Vienna

Als erste Architektin Pakistans entwarf Yasmeen Lari ikonische Bauten der Moderne, bevor sie eine Zero-Carbon-Selbstbau-Bewegung für die Ärmsten der Armen begründete. Anhand ihres Lebenswerks zeigt die Ausstellung, wie sich das Verhältnis von Architektur und Zukunft verändert.

Yasmeen Laris Zero-Carbon-Architektur: flutresistente Häuser in Selbstbauweise in Sindh, Pakistan, seit 2010 ©Archiv Yasmeen Lari

Seile, Bälle, Kakteen, Zelte, Rucksäcke oder eine Leiter – allesamt unspektakuläre Objekte – werden in Alois Mosbachers Werk zu Momentaufnahmen höchst privater und feinfühliger Naturerlebnisse. Es entstehen rätselhafte Bilder der Natur, voll zufälliger Begegnungen und paradoxer Interaktionen zwischen Objekten, die in der Landschaft auf den ersten Blick fremd wirken.

Seit den 1980er-Jahren hat Mosbacher seine Bildwelt aus Pflanzen und Tieren um unterschiedliche Sujets und Formen erweitert und eine eigene künstlerische Sprache entwickelt, die kunsthistorische Einflüsse und aktuelle Tendenzen geschickt verinnerlicht, ohne sie explizit zu zitieren. Mosbachers Landschaften, Stillleben und figurative Kompositionen sind zwar vielfach interpretierbar, widerstehen aber einer rein symbolistischen Deutung genauso wie einer formalistischen Erklärung. Obwohl die Arbeiten das Gegenständliche reduzieren, sind sie nicht abstrakt – dafür sind sie zu materialbezogen, zu konkret, zu nah an der Formqualität einzelner Objektvorlagen. Im Wald der ineinander verwachsenen Objekte, verknoteten Linien und erratischen Konstruktionen gelingt es dem Künstler, auch den banalsten Dingen eine autonome Identität zu verleihen. Die Wahrnehmung geht über das Dargestellte hinaus.

Detail: Alois Mosbacher, Totentanz, 2012 (c)Alois Mosbacher

Die Ausstellung ON STAGE widmet sich den variantenreichen Formen des Bühnenhaften und des Rollenspiels in der Kunst seit der Zeit um 1960. Im Rahmen einer traditionskritischen Neoavantgarde kamen damals verstärkt performative und aktionistische Kunstformen auf, die den Künstler*innen – oft vor versammeltem Publikum – bühnenartige Präsenz verliehen. Der Wiener Aktionismus mit seiner provokanten und zeitkritischen Theatralik zählt ebenso dazu wie das literarische cabaret der Wiener Gruppe, das in der Tradition des dadaistischen Theaters steht, oder die Fluxus-Bewegung mit ihrem medialen Crossover. Diesen männerdominierten Kunstrichtungen gegenüber etablierte sich eine feministische Szene, in der die Auswirkungen patriarchaler gesellschaftlicher Hierarchien auf geschlechtliche Rollenbilder kritisch hinterfragt wurden. Sie bilden die historische Basis für neuere Positionen, die sich gegen konservativ bestimmte Geschlechterrollen und Identitätsbilder sowie gegen Rassismus und Kolonialismus wenden. In weiteren Themenfeldern finden sich musikalische und filmische Inszenierungen, (Selbst-)Darstellungen und Rituale des Kunstbetriebes sowie Werke, in denen Betrachter*innen zu Akteur*innen werden. Die Ausstellung zeigt ca. 150 Werke und Werkserien, die vorwiegend aus der mumok Sammlung stammen.

Cindy Sherman, Untitled

Mit dem Ausstellungshighlight Science Fiction(s) stellt das Weltmuseum Wien spekulative Erzählungen über die Zukunft vor und blickt mit Installationen, Malerei und Filmen auf verschiedene Zukunftsvorstellungen.

Wie gestalten wir eine lebenswerte Zukunft mit allen und für alle? Science Fiction(s) präsentiert die Perspektiven derer, die oft aus den Zukunftserzählungen Hollywoods ausgeschlossen sind. Arbeiten von rund zwanzig zeitgenössischen Künstler*innen zeigen unterschiedliche Strategien, Science-Fiction als Werkzeug zur Kritik der Gegenwart, für alternative Zukunftsszenarien, zur Heilung und Dekolonisierung zu verwenden. Eingebettet in das Ausstellungsdesign der Science-Fiction-Filmarchitekten KAWA (aktueller Film: Rubikon) entsteht ein künstlerischer und aktivistischer Kosmos, der mit Malerei, Installationen, Sammlungsobjekten, Filmen und Spielen die Besucher*innen einlädt, in viele unterschiedliche Welten einzutauchen.

Cara Romero, The Zenith, 2022, Photograph. Printed by the artist on Legacy Platine paper © Cara Romero

Das mumok präsentiert die erste umfassende, europäische Einzelausstellung des in New York lebenden Künstlers Adam Pendleton. Pendleton entwickelt seine Malerei in Form eines fortlaufenden Indexes, der Gesten registriert, transponiert und überschreibt. Seit 2008 organisiert der Künstler einen Großteil seiner Arbeit unter dem Begriff Black Dada, einem Konzept, mit dem er eine sich beständig fortschreibende Untersuchung des Verhältnisses von Blackness, Abstraktion und Avantgarde bezeichnet. In Pendletons Malerei, seinen Zeichnungen sowie weiteren Arbeiten wird eine visuelle Philosophie des unabgeschlossenen Postulats sicht- und spürbar. Unterscheidungen wie die zwischen Lesbarkeit und Abstraktion, Vergangenheit und Gegenwart, vertraut und fremd werden dabei eingeebnet.

Installationsansicht, Adam Pendleton, Blackness, White and Light, Foto: Klaus Pichler ©mumok

Ein Schwerpunkt der Sammlungspräsentation liegt auf der klassischen Moderne. Zu den Highlights zählen Werke von Edvard Munch, Pablo Picasso, Max Liebermann, Gabriele Münter, Max Beckmann, Max Pechstein oder Hans Arp. Ein weiterer Fokus liegt auf zeitgenössischer Kunst. Gezeigt werden Werke von Fernando Botero, Per Kirkeby, dem Künstlerehepaar Christo und Jeanne Claude, Gerhard Richter, Georg Baselitz und Anselm Kiefer aber auch von herausragenden Künstler*innen aus Österreich wie Fritz Wotruba, Maria Lassnig, Arnulf Rainer und Erwin Wurm.

MAX BECKMANN, Quappi in Blue in a Boat, 1926/50 © Würth Collection, Foto: Volker Naumann, Schönaich

Im Mittelpunkt der großangelegten internationalen Gruppenausstellung No Feeling Is Final. The Skopje Solidarity Collection stehen die bemerkenswerte Sammlung des Museums für Zeitgenössische Kunst (MoCA) Skopje, ihre Entstehungsgeschichte und der historische und politische Kontext, in dem ein so ungewöhnliches Projekt möglich war.

Nach dem schweren Erdbeben, das Skopje (damals Jugoslawien) 1963 erschütterte, wurden in einer großen Geste internationaler Solidarität erhebliche Anstrengungen unternommen, um den Wiederaufbau der zerstörten Stadt zu unterstützen. Zentrales kulturelles Element der Rekonstruktion war die Gründung eines Museums für zeitgenössische Kunst und Künstler*innen aus aller Welt stifteten Skopje Tausende von Kunstwerken.

Die Sammlung des MoCA Skopje ist eine Zeitkapsel internationaler Kunst aus der Hochphase des Modernismus und zugleich eine seltene künstlerische Begegnung, die während des Kalten Krieges den Graben zwischen Ost und West überwand. Sie versammelt viele Werke von weißen, zumeist männlichen Künstler*innen, die ein kunstinteressiertes Publikum wiedererkennen wird, dazu weniger bekannte, aber oft faszinierende Werke von Künstler*innen aus dem früheren Osten und dem globalen Süden.

Ausstellungsansicht: No Feeling Is Final. The Skopje Solidarity Collection, Kunsthalle Wien 2023, Foto: www.kunst-dokumentation.com

Die turbulente Biografie von Elisabeth Wild (geb. Pollak, * 1922 in Wien, † 2020 in Panajachel, Guatemala) wirkt wie ein Spiegelbild des 20. Jahrhunderts: Geprägt von Flucht und Vertreibung, nationaler Identifikation und Nicht-Identifikation, glich ihr Leben einem steten Neuanfang. Dies zeigt sich nicht zuletzt in ihrem medial äußerst divers angelegten OEuvre, das Malerei, Skulptur und Textilentwürfe ebenso umfasst wie ihre weitaus bekannteren Collagen und die daraus resultierenden Installationen. Das mumok widmet ihr nun die erste umfassende Retrospektive, die neben ihrem Spätwerk auch ihr unbekanntes Frühwerk in den Fokus rückt.

Mit der Präsentation ihrer ersten großen Ausstellung in Wien kehrt ihre Geschichte an ihren Ausgangspunkt zurück. Im Zentrum der Schau steht Wilds künstlerische Entwicklung, die einem Ritt durch die Kunstgeschichte des 20. und 21. Jahrhunderts gleicht. Auf zwei Ausstellungsebenen werden Früh- und Spätwerk einander gegenübergestellt. Obwohl die beiden Schaffensperioden auf den ersten Blick konträr anmuten – man könnte meinen, sie stammten nicht von gleicher Hand –, offenbaren sich bei näherer Betrachtung Verwandtschaften, die frühe Interessen der Künstlerin erkennen lassen: Architektur- und Naturfragmente lassen sich in den späten collagierten Arbeiten ebenso ausfindig machen wie maskenhafte Züge oder geometrische Muster. Die Collagen vereinen somit Wilds frühe Landschaftsmalereien, Porträts und Textilmuster in rein abstrahierter Form.

Ausstellungsansicht: Elisabeth Wild. Fantasiefabrik, Foto: Klaus Pichler / mumok

Yoshitomo Nara (*1959) zählt weltweit zu den bekanntesten Künstlerinnen und Künstlern seiner Generation. Ab den 1990er-Jahren erlangt er mit seinen „Angry Girls“, stark stilisierten Mädchendarstellungen mit grimmigem Blick, Vampirzähnen oder Messer in der Hand, internationale Aufmerksamkeit. Die Figuren mit Kindchenschema, die an die Ästhetik von Comics und Cartoons erinnern, reichen von der rotzig-frechen Göre bis zu naiv und lieblich wirkenden Charakteren.

All My Little Words in der ALBERTINA MODERN, die seit über zehn Jahren die erste große Museumspräsentation des Künstlers in Europa darstellt, liegt auf Naras facettenreichem zeichnerischem Œuvre, das sich über einen Zeitraum von rund 40 Jahren entwickelt und in einer vom Künstler selbst zusammengestellten Hängung gezeigt wird. Die Ausstellung reicht von frühen experimentellen Arbeiten auf Papier über einige Gemälde und Skulpturen bis hin zu einer raumgreifenden Installation.

Yoshitomo Nara | Miss Margaret, 2016 | Private Collection, United States of America © Yoshitomo Nara | Foto: Yoshitomo Nara

©Space Popular

Kunst – eine öffentliche Angelegenheit? Seit ihrer Öffnung für die Allgemeinheit in den 1780er-Jahren werden die Gärten des Belvedere intensiv als Orte der Erholung und der Gemeinschaftlichkeit genutzt. Dass sie selbstverständlich auch Orte der Kunst sind, soll anlässlich des 300-Jahr-Jubliläums verstärkt in den Blick gerückt werden.

Ein umfangreiches zeitgenössisches Skulpturenprojekt ergänzt von Mai bis September 2023 das barocke Skulpturenprogramm rund um die drei Standorte des Belvedere. Ortsspezifisch entwickelte wie auch bereits existierende Arbeiten internationaler und lokaler Künstler*innen verbinden alle Gartenanlagen des Museums – vom Ehrenhof des Unteren Belvedere und vom Kammergarten über die großen barocken Gärten des Oberen Belvedere bis hin zum modernistischen Skulpturengarten des Belvedere 21 – und machen diese als gewachsenes Ensemble wahrnehmbar.

Public Matters folgt einem erweiterten Skulpturenbegriff, der zeit- und prozessorientierte Ansätze einschließt. Als kritische Hommage adressiert die Schau die Repräsentation von Macht in Geschichte und Gegenwart und deren Transformation über die Zeit. Im Fokus stehen insbesondere Aspekte des Öffentlichen und der Öffentlichkeit, die mit und durch die Kunst entsteht. Eine umfangreiche Publikation mit Essays und Texten zu den gezeigten Werken begleitet das Projekt.

Mit Arbeiten von Thomas Baumann, Renate Bertlmann, Louise Bourgeois, Verena Dengler, Carola Dertnig, VALIE EXPORT, Wil Frenken und Fria Elfen, Thomas Geiger, Roland Goeschl, Dan Graham, Thomas Houseago, Alfred Hrdlicka, Iman Issa, Anna Jermolaewa und Manfred Grübl, Kapwani Kiwanga, Brigitte Kowanz, Hans Kupelwieser, Marko Lulić, Goshka Macuga, Hans Op de Beeck, Ingeborg G. Pluhar, Maruša Sagadin, Toni Schmale, Kateřina Šedá, Socratis Socratous, Kara Walker, Lawrence Weiner, Lois Weinberger, Franz West, Fritz Wotruba, Heimo Zobernig

Toni Schmale, gefährt*innen / companions, 2023, courtesy Toni Schmale, Foto: Johannes Stoll / Belvedere, Wien, ©Bildrecht, Wien 2023

Honey Pictures (series), Maximilian Prüfer, Photo print on Baryta, 2022 © Maximilian Prüfer

©Estate of Rosemarie Castoro, courtesy Thaddaeus Ropac gallery

2022 veröffentlichte der Condé Nast Verlag auf dem Cover der Vogue: Olena Selenska, First Lady der Ukraine: Ein Porträt des Mutes. Nach Veröffentlichung der Bilder wurden Bildinhalt und Kontext in den Sozialen Medien kritisch hinterfragt: Darf eine US-amerikanische Fotografin in die Ukraine reisen, nur um für ein westliches Medium Aufnahmen dieser Art zu machen? Es setzte eine Diskussion über Bilder ein, die während eines Krieges entstehen und unterschiedliche Funktionen nach innen und nach außen haben.

„Es erscheint im ersten Moment makaber und wenig hilfreich, Funktionsweisen des journalistischen Fotos ausgerechnet an Katastrophen festzumachen, aber es sind oft die traumatischen Ereignisse und deren omnipräsente Bilder, welche diese Strukturen erst freilegen.“ Florian Ebner, Centre Pompidou, 2010

Crossing Lines untersucht in drei Kapiteln die Distribution, Zirkulation und Mechanismen fotografischer Bilder. Welche Bilder werden einer Gesellschaft über Nachrichtenkanäle oder Soziale Medien vermittelt? Wer garantiert und verbürgt heute die Authentizität von Bildern die in Echtzeit auf unseren Smartphones landen? Welche Bildwelten werden generiert um Aussagen zu treffen? Wann wird ein Bildinhalt zur Propaganda eigener politischer Aussagen?

Die Ausstellung präsentiert mehr als 150 Fotografien und Videoinstallationen von zwanzig internationalen Künstler:innen.

©The Late Estate Broomberg & Chanarin, Divine Violence (detail), 2013, courtesy of the Goodman Gallery MACK

Hat der Mensch als “Krone der Schöpfung” ausgedient? Menschenzentriertes Denken und Handeln trägt im fortschreitenden Anthropozän massiv zur Zerstörung unserer Lebensgrundlage bei. Es ist unerlässlich, uns als eines von unzähligen, voneinander abhängigen Lebewesen auf diesem Planeten zu begreifen. Der Unterstrich zwischen HUMAN und NATURE im Ausstellungstitel markiert Verbindung und Leerstelle, zugleich hebt er das komplexe Verhältnis zwischen Mensch und Natur hervor.

Mit rund 30 künstlerischen Positionen nähert sich die Mitgliederausstellung 2023 dieser teils romantisch überhöhten, teils toxischen, viel zu selten harmonischen Beziehung an. Zudem werden Fragen über unser Verständnis von Mensch und Natur im digitalen Zeitalter aufgeworfen. Die Kunstschaffenden der Künstlerhaus Vereinigung eröffnen mit ihren transmedialen Werken zu HUMAN_NATURE ein weites narratives Feld: Sie verhandeln den Status Quo genauso wie dystopische und visionäre Ideen für die Zukunft, dabei dürfen genderspezifische, ironische und humorvolle Ansätze nicht fehlen. Die Besucher*innen der Ausstellung sowie des umfassenden Rahmenprogramms (Führungen, Talks, Workshops, Performances, Freies Kino, Satellitenveranstaltungen und ein Aktionstag am 16. September 2023) sind dazu eingeladen, das angebotene Narrativ nicht nur zu lesen, vielmehr sich selbst wirksam darin einzuschreiben.

Romana Hagyo, Silke Maier-Gamauf/Bildrecht, Hering und die Fluse, 2021, C-Print, 80 x 110 cm.

Der STRABAG Artaward International wird als Förderpreis für junge Kunst in den Bereichen Malerei und Zeichnung vergeben. Von 2021-2023 ist der Preis für Künstlerinnen und Künstler in Polen, Slowakei, Tschechien, Ungarn und Österreich ausgeschrieben.
Zu Jahresbeginn bewarben sich 714 Künstlerinnen und Künstler, 72 Positionen setzten sich in der Online-Vorjury durch. Im April fand vor den Originalwerken die Jurysitzung der internationalen Fachjury statt. In der Ausstellung werden die Arbeiten der fünf Preisträger:innen präsentiert.

Shortlisted Artists:

JÓSEFINA ALANKO
PETER CVIK
SAMIRA HOMAYOUNI
LIZA LIBENKO
GRZEGORZ SIEMBIDA

Preisvergabe und Ausstellungseröffnung
Donnerstag, 15.6.2023, 18–21 Uhr

Details v. l. n. r.: Samira Homayouni, Peter Cvik, Jósefina Alanko, Grzegorz Siembida, Liza Libenko

Im Zentrum der Ausstellung steht ein Hauptwerk der europäischen Skulptur: Francesco Lauranas (um 1430–1502) Weibliche Büste in der Kunstkammer Wien.

Es handelt sich dabei um eine der wenigen farbig gefassten Marmorbüsten der Renaissance; das Werk zählt zu den bedeutendsten Schöpfungen der Porträtplastik des 15. Jahrhunderts. Die außerordentliche Bedeutung dieses Objekts, das über die letzten Jahrzehnte in Vergessenheit geraten ist, soll in dieser kleinen, aber hochkarätig besetzten Sonderausstellung wieder ins öffentliche Bewusstsein gerückt werden. Die Ausstellung wird erstmals die vor einiger Zeit formulierte These veranschaulichen, es könnte sich um ein Bildnis der vom italienischen Renaissancedichter Petrarca abgöttisch, aber unglücklich geliebten, rätselhaften Laura handeln. Auf Laura schrieb Petrarca im 14. Jahrhundert über 300 berührende Liebesgedichte.

Neben Meisterwerken des Kunsthistorischen Museums wie Giorgiones Gemälde Laura werden internationale Leihgaben aus der Frick Collection in New York und aus der Biblioteca Laurenziana in Florenz in der Ausstellung präsentiert.

©Kunsthistorisches Museum Wien

Die Performance- und Medienkünstlerin VALIE EXPORT ist Pionierin: Mit feministischer Agenda hat EXPORT früh die Rolle der Frau und Künstlerin untersucht und aufgezeigt, wie sich patriarchale Strukturen dem weiblichen Körper auf schmerzhafte Weise einschreiben. Der Körper ist in EXPORTs bahnbrechendem Werk untrennbar mit seiner Darstellung in visuellen Medien verknüpft. EXPORTs kritische wie tiefgreifende Analyse technischer Abbildungsprozesse legt offen, wie Massenmedien geschlechtsspezifische Identitätsbilder erst konstruieren und festschreiben.

Die Ausstellung spannt den Bogen von EXPORTs bahnbrechenden frühen feministischen Aktionen, wie dem TAPP und TASTKINO (1968) über ihre provokanten Performances (ASEMIE – die Unfähigkeit sich durch Mienenspiel ausdrücken zu können, 1973) und vielschichtigen Installationen I (beat (it)) II (1980) bis hin zu der über mehrere Jahre konsequent verfolgten Werkgruppe der Körperkonfigurationen (1972-82). Neben legendären Werken sind auch noch nie zuvor gezeigte Arbeiten und Installationen, die erstmals für die ALBERTINA realisiert werden, zu sehen. Ein Schwerpunkt der Ausstellung liegt auf der Relevanz der Fotografie für das Schaffen der Künstlerin. Ob zu dokumentarischen Zwecken, als Experiment oder als eigenständiges Werk spielt die Fotografie eine zentrale Rolle für EXPORTs feministische und gesellschaftspolitische Fragestellungen. An der Schnittstelle zu Film, Video- und Body-Art erlaubt sie neue Einblicke in das Werk der Künstlerin. Das Verhältnis von Subjekt und Raum, Performance und Bild, Körper und Blick sowie Weiblichkeit und Repräsentation ist hierfür bezeichnend.

© VALIE EXPORT | Bildrecht, Wien 2023 | Photo: © Gertraud Wolfschwenger, Bildrecht, Vienna 2023

Lazar Lyutakov eignet sich vielfach alltägliche Objekte unserer modernen Massenkultur und einfache Industrieerzeugnisse an, um ihre verschiedenen Produktions- und Handelswege zu ergründen. In seinen Werken untersucht er die Bedingungen und Mechanismen des Warentausches samt der damit verknüpften Politik der Wertproduktion sowie die Schnittstellen von Ware und Kunst. Kennzeichnend für seine Arbeitsweise ist dabei stets die intensive Beschäftigung mit der Designgeschichte und mit den Techniken der Präsentation.

Lazar Lyutakov, Sketch for 1 Million Random Numbers (Secession Frieze #F5)

Delaine Le Bas arbeitet inter- und transdisziplinär: Sie verbindet visuelle, performative und literarische Praktiken zu einem alle Lebensbereiche umfassenden künstlerischen Oeuvre. In ihren Arbeiten behandelt sie viele Facetten, politische wie private und emotionale, die die Zugehörigkeit zum Volk der Rom*nja, deren Geschichte und reiches kulturelles Erbe mit sich bringen. Einerseits bedient sie sich „klassischer“ Formen und Techniken, insbesondere textiler Techniken wie Stickerei und Applikationen, die in Verbindung mit großgeblümten Stoffen und phantastischen Bildwelten sogleich auch mit Klischees und Stereotypen in Verbindung gebracht werden. Andererseits unterläuft Le Bas ihre eigene dekorative Ästhetik, indem sie ihre Kämpfe offen erkundet und sich auf diese Weise stereotypischen Beschränkungen widersetzt.

In ihren Ausstellungen inszeniert sie Räume und erzeugt Stimmungen, Arbeiten und Artefakte verschmelzen zu einem Gesamtbild. Ihren Umgang mit Materialien könnte man auch als nachhaltig bezeichnen: Sie arbeitet mit allen Mitteln, pragmatisch und erfindungsreich, mit gefundenen Objekten, Malerei, Film, Zeichnung, Stickerei, Skulptur und Video. Manche Ausstellungen sind gezeichnet von sehr persönlichen und biografischen Auseinandersetzungen, wieder andere behandeln stärker strukturelle und politische Themen wie beispielsweise die gesellschaftliche Stellung, Diskriminierung und Ausgrenzung marginalisierter Gruppen.

Delaine Le Bas and Hera Santos at Wysing 2023, costume design, props: Delaine Le Bas, styling: Delaine Le Bas and Hera Santos, photo: Lincoln Cato

Chen Chieh-Jen, der sein Werk seit den frühen 1980er-Jahren entwickelt und international präsentiert, ist einer der renommiertesten Vertreter der taiwanesischen Kunstwelt. In der lokalen Szene wurde er durch die aktionistische Performance Dysfunction No. 3 (1983) bekannt, bei der Chen und seine Mitstreiter in Häftlingskleidung und mit übergestülpten Kapuzen durch die Straßen Taipehs zogen und so nicht nur einen Akt des zivilen Ungehorsams gegen die staatliche Kontrolle setzten, sondern in Zeiten der Unterdrückung auch einen öffentlichen Raum schufen: Unter dem von 1949 bis 1987 herrschenden Kriegsrecht wurde auch der Ausnahmezustand beibehalten, womit freie Meinungsäußerung und öffentliche Versammlungen verboten waren. Das von Natur aus antikommunistische Kriegsrecht grenzte Taiwan von der benachbarten Volksrepublik China ab und führte zur Etablierung eines Einparteiensystems, in dem Militär und Geheimpolizei die Kontrolle übernahmen. Die japanische Herrschaft über Taiwan in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts, die Verbundenheit des Landes mit den USA während des Kalten Krieges und die heutige Neoliberalisierung sind auch stets wiederkehrende Ausgangspunkte von Chens vielschichtigem Werk.

Chen Chieh-Jen, Worn Away, 2022-23, Produktionsfoto: Chen You-wei, Courtesy Chen Chieh-jen Studio

Was tut sich in den lokalen Kunstszenen, in den Ateliers und den alternativen Ausstellungsräumen? Und wie lässt sich die Vielfalt der Produktion und Präsentation von Kunst in einer Ausstellung fassen?

Diesen Fragen ging das Belvedere 21 bereits 2019 mit der Schau Über das Neue. Junge Szenen in Wien nach und setzte in Zusammenarbeit mit zahlreichen Akteur*innen ein dynamisches Format in geteilter kuratorischer Autor*innenschaft um. Neben 18 künstlerischen Einzelpositionen waren wechselnde Ausstellungen in der Ausstellung von zwölf Wiener Projekträumen zu sehen, die mit Midissagen eröffnet und von diskursiven Veranstaltungen und Performances begleitet wurden.

Über das Neue. Wiener Szenen und darüber hinaus nimmt 2023 diesen Faden wieder auf und entwickelt die ursprüngliche Konzeption weiter: Um den Blick auf zeitgenössische Ansätze, Strategien und Diskurse zu erweitern, involviert der Streifzug nun auch Künstler*innen und Projekträume aus anderen Teilen Österreichs. Durch eine stärkere Dynamisierung der Schau, die 44 künstlerische Positionen sowie 24 von Projekträumen kuratierte Ausstellungen in der Ausstellung umfasst, multiplizieren sich die Perspektiven auf das, was heute Kunst sein kann, auf ihre Themen, Ästhetiken, Ausdrucksformen und darauf, wie Kunst wahrgenommen wird.

Dieses vielstimmige Nachspüren des „Neuen“ – in all der Ambivalenz, die dieser Begriff und seine Funktion in der zeitgenössischen Kunst mit sich bringen – nimmt für sich nicht den großen Überblick in Anspruch, sondern vielmehr das Bild eines wachsenden Gebildes, das keinen Anfang und kein Ende hat und sich in stetigem Wandel befindet.

Foto: Johannes Stoll / Belvedere, Wien

Der 2022 neu etablierte Belvedere Art Award spiegelt zukunftsweisende Dynamiken in der Gesellschaft und in der zeitgenössischen Kunst wider. Der Kunstpreis verfolgt eine inklusive, queer-feministische, zukunfts- und diversitätsorientierte Ausrichtung: in Resonanz zu aktuellen Diskursen und vor dem Hintergrund der vielfältigen Ausschlüsse im Museums- und Ausstellungsfeld, die sich nicht zuletzt in der Vergabe von Preisen zeigen.

Der Belvedere Art Award wird von Vendome Projects gestiftet und in Kooperation mit dem Belvedere biennal ausgelobt. Eine Nominierungs- und eine Auswahljury mit lokalen und internationalen Expert*innen ermitteln in einem zweistufigen Auswahlverfahren eine künstlerische Position als Preisträger*in. Fünf Juror*innen nominieren je zwei aufstrebende Künstler*innen mit Österreichbezug. Alter, Geschlecht oder Nationalität stellen dezidiert keine Kriterien dar.

Der Belvedere Art Award ist mit 20.000 Euro dotiert und umfasst darüber hinaus eine Einzelausstellung der Preisträger*in mit begleitender Publikation im Belvedere 21. Eine internationale Jury hat am 28. November Robert Gabris zum Gewinner des Belvedere Art Award 2022 gekürt.

Foto: Michal Blecha

Der Titel der Ausstellung Dots & Layers referenziert auf die kleinsten gemeinsamen Nenner in den neuesten Arbeiten von Andrea Bischof, Oliver Dorfer und Michael Kos. Punkte und Schichtungen sind zugleich Stilmittel und Hinweise auf die Arbeitspraxis in ihren unterschiedlichen künstlerischen Zugängen. Während in Bischofs Werken Farbräume dominieren, steht bei Dorfer die erzählerische Komponente im Vordergrund. Kos schöpft hingegen das Potenzial diverser Werkstoffe und ihrer Materialität aus. Alle präsentierten Arbeiten überzeugen in ihrer Subtilität und laden zu einem Blick sowohl aus der Nähe als auch aus der Distanz ein.

Die Ausstellung findet in der Reihe STRABAG Artlounge Special statt, die langjährige Sammlungskünstler:innen der STRABAG Artcollection präsentiert. Andrea Bischof, Oliver Dorfer und Michael Kos feiern im heurigen Jahr einen runden
Geburtstag und sind mit zahlreichen Arbeiten aus vielen Schaffensperioden aus den vergangenen drei Jahrzehnten in der Sammlung vertreten.

Details aus Arbeiten von Andrea Bischof, Michael Kos und Oliver Dorfer (v.l.n.r.)

Die Ausstellung geht dem Phänomen Hollein aus heutiger Sicht nach. Im Dialog mit Positionen einer jüngeren Architekturgeneration wird eine Neubewertung gestartet, die das Werk Holleins in den aktuellen Diskurs holt.

Hans Hollein, einziger österreichischer Pritzker-Preisträger und in den 1960er Jahren selbst proklamierter Avantgardist, war Zeit seines Lebens ein akribischer Kurator seines eigenen Werkes. Gleichzeitig wurde seine Arbeit in der Rezeption oft von seiner Persönlichkeit überstrahlt. Nun, knapp ein Jahrzehnt nach seinem Tod im Jahr 2014, wird dieses Werk mit zeitlichem Abstand neu betrachtet. „Hollein Calling“ eröffnet für die Besucher*innen eine kaleidoskopische Erfahrung mit vielfältigen, oft überraschenden Blickwinkeln auf scheinbar bekannte Arbeiten, von Holleins kleinen Architekturen wie Retti und Schullin, über ausgewählte Ausstellungsprojekte bis zu Schulbau und Museen. In der Ausstellung treffen wegweisende Projekte von Hans Hollein, auf aktuelle Projekte von 15 europäischen Architekturbüros*, die heute mit ihrer Arbeit Diskurse prägen.

Hans Hollein Kerzengeschäft Retti, Kohlmarkt 8-10, 1010 Wien, 1964-1965, Arbeitsmodell. © Archiv Hans Hollein, Az W und MAK, Wien

Das malerische Frühwerk von Louise Bourgeois als Entdeckung im Jubiläumsjahr: Erstmals in Europa zeigt das Belvedere in einer großen Einzelausstellung die frühen Gemälde einer der bedeutenden Künstler*innenpersönlichkeiten unserer Zeit.

Die Schau in den barocken Räumlichkeiten des Unteren Belvedere setzt Bourgeois’ Gemälde der 1940er-Jahre mit späteren Skulpturen, Rauminstallationen und Grafiken in dialogischen Bezug. Erst in den 1990er-Jahren erhielt Bourgeois Anerkennung für ihr künstlerisches Werk und erlangte mit ihren monumentalen Spinnen-Skulpturen und raumfüllenden Zellen internationale Sichtbarkeit. Doch bereits in ihren frühen Ölgemälden, in der Zeit zwischen 1937 und 1949, entwickelte die franko-amerikanische Künstlerin ihr unverwechselbares künstlerisches Vokabular und definierte die Inhalte, die sich durch ihr gesamtes Schaffen ziehen. In ihrem medienübergreifenden und sechs Dekaden umfassenden Œuvre gelingt es Louise Bourgeois, Gegensätze wie Figuration und Abstraktion, männlich und weiblich, bewusst und unbewusst aufzulösen.

Louise Bourgeois, ROOF SONG, 1947, Foto: Eeva Inkeri, © The Easton Foundation / Bildrecht, Wien 2023

Das Kunsthistorische Museum Wien widmet sich in seiner Herbstausstellung 2023 einem aus der Repräsentations- und Festkultur der Renaissance nicht wegzudenkendem Medium: monumentalen Tapisserien.

Die qualitätvollsten Produkte aus feinen Seiden und kostbaren Edelmetallfäden wurden in Brüssel hergestellt. Hier wurde auch eine von Papst Leo X. (1475-1521) für die Sixtinische Kapelle in Rom bestimmte Apostelserie in Auftrag gegeben. Die Entwürfe, die im flämischen Tapisseriedesign eine Stilrevolution herbeiführten, fertigte der populäre italienische Künstler Raffaelo Santi (1483–1520). Ausgehend von Wandbehängen nach den Raffaelschen Vorlagen skizziert die Ausstellung die Entwicklung der Tapisseriekunst im 16. Jahrhundert und gewährt einen Einblick in den reichen Tapisseriebestand des Kunsthistorischen Museums.

©Kunsthistorisches Museum Wien

Im Zentrum der Ausstellung des Künstler*innenduos Denise Ferreira da Silva und Arjuna Neuman steht die Koproduktion und Präsentation einer neuen filmischen Arbeit: Ancestral Clouds Ancestral Claims. Sie ist Teil einer Filmreihe, in der die Künstler*innen einen Ansatz entwickelt und umgesetzt haben, den sie als „elementares Kino“ bezeichnen: Ihre Praxis des Filmemachens geht aus von einer Kontinuität zwischen verschiedenen Skalen der Existenz – vom Quantenlevel bis zum Kosmos – und thematisiert auch die Umwelt als wichtigen Faktor in politischen Bewegungen. So erzählt ihr früherer Film 4 Waters – Deep Implicancy (2019) die Geschichte der haitianischen Revolution in der französischen Kolonie Saint-Domingue von 1791, die 1804 in der Gründung der ersten Schwarzen Republik Haiti mündete, unter anderem anhand der Topographie der Insel, die den Aufständischen verschiedene Guerilla-Taktiken ermöglichte, und geologischer Ereignisse wie der bis heute das Land heimsuchenden Erdbeben.

In ihren Arbeiten entkräften Ferreira da Silva und Neuman die von der europäischen kolonialen Moderne geprägten Denk- und Beziehungsweisen (zur Erde): so etwa die Abstraktion, das universale Ich, Besitz und Extraktion und die lineare Geschichtsschreibung. Ancestral Clouds Ancestral Claims widmet sich dem, wenn auch in veränderter Form, Fortbestehen dieses modernen Verhältnisses zur Welt in der Geschichte des Neoliberalismus; sie nahm in Chile unter dem Regime Pinochets einen ihrer Anfänge. Der Film wurde teils in der Atacama-Wüste gedreht, dem Ort mit der klarsten und trockensten Luft der Erde; das dortige weltweit größte Radioteleskop dient der Himmelsbeobachtung. Vor diesem Hintergrund ergründet der Film ein alternatives Erfahren der Welt, das nicht vornehmlich sieht, überblickt und aufklärt, sondern von anderen Sinnen und Praktiken geleitet ist.

Denise Ferreira da Silva & Arjuna Neuman, Ancestral Clouds Ancestral Claims, 2023, Filmstill, Courtesy die Künstler*innen

Ausgehend von dem in den letzten Jahren vielfältig diskutierten Begriff der „systemrelevanten Kultur“ möchte die erste Ausstellung des neuen Künstlerischen Leiters Günther Oberhollenzer anregen, über den Wert der Kunst für unsere Gesellschaft nachzudenken.

In der sehr persönlichen Schau stellt Oberhollenzer künstlerische Positionen vor, die in ihren Arbeiten bewusst Anspruch auf gesellschaftliche Relevanz erheben, aber er fragt auch bei Kunstschaffenden nach, wie sie ihre Rolle sehen, welche Themen sie aktuell diskutieren. SYSTEMRELEVANT versteht sich auch als eine programmatische Standortbestimmung: Welche Rolle und Aufgabe können Kunsträume wie das Künstlerhaus in unserer Gegenwart einnehmen? Was kann sich das kunstinteressierte Publikum von einer zeitgenössischen Kunstausstellung erwarten?

Das Haus ist, getragen von den Künstler*innen, ein offener Ort des künstlerischen Experiments und gesellschaftspolitischen Dialogs. Die Ausstellung möchte dies widerspiegeln und einer vielfältigen Kunst Sichtbarkeit verschaffen, die in der Mitte der Gesellschaft angesiedelt ist und sich durchaus auch niederschwellig mit drängenden Fragen unserer Zeit auseinandersetzt.

SYSTEMRELEVANT ist ein selbstbewusstes Statement für die Kunst, Kunstschaffende und Kunstraum, aber sie möchte vor allen Fragen stellen, eine Diskussionsanstoß liefern und nicht Antworten geben oder gar in eine Rechtfertigungsdynamik verfallen. Achtzehn künstlerische Positionen sind in der Schau vertreten, von sieben werden neue Arbeiten für die Ausstellung entstehen. Damit sollen – auch im Sinne der Nachhaltigkeit – soweit wie möglich auf teure Transporte verzichtet und stattdessen Künstler*innen in Österreich mit Projektaufträgen gefördert werden.

Danielle Pamp, Diva in Quarantine, 2020

©Leopold Museum

©Wong Ping