Greta Freist, Friedensreich Hundertwasser, Maria Lassnig, Padhi Frieberger, Günter Brus, VALIE EXPORT, Heimo Zobernig, Elke Silvia Krystufek, Ashley Hans Scheirl und Jakob Lena Knebl: Werke dieser und vieler anderer österreichischer Künstler*innen befinden sich in der Sammlung des Belvedere und machen die Faszination des Bestandes aus dem 20. sowie dem 21. Jahrhundert aus. Die Ausstellung Avantgarde und Gegenwart bringt eine hochkarätige Auswahl gegenwärtiger und historischer Positionen aus der Sammlung sowie aus der vom Belvedere verwalteten Artothek des Bundes in ein produktives Wechselspiel. Die Sammlung wird als ein dynamisches Gefüge von Konstellationen begriffen, das auf Kontinuitäten und Brüche, Relevanzen und Redundanzen hin befragt wird. Verschiedene Erzählstränge vermitteln Zugänge zur Kunst von den 1930er-Jahren bis heute und zeigen wesentliche Strömungen und Tendenzen auf.

Jakob Lena Knebl, Joan, 2019, Belvedere, Wien, Johannes Stoll

Das Weltmuseum Wien präsentiert 2022 die erste umfassende Ausstellung des Māori Künstlers George Nuku. Zu sehen sind Installationsprojekte in den Sonderausstellungsräumlichkeiten des Weltmuseum Wien und eine Installation in der Säulenhalle.

Weltmuseum Wien, George Nuku

Aktueller denn je, ist Basquiats Werk bis heute bahnbrechend und visionär. Er beschäftigt sich ebenso mit afrikanischer Vergangenheit wie mit den problematischen Hierarchien in der Gesellschaft. Wichtigstes Thema ist ihm der allgegenwärtige Rassismus, der ihn auch persönlich betrifft. Als exzentrischer Outsider und ausgebeuteter Superstar seiner Zeit behauptet sich Basquiat als eine der bedeutendsten Schlüsselfiguren für die zeitgenössische Kunst.

Die Ausstellung in der ALBERTINA ist die erste umfassende Museumsretrospektive des außergewöhnlichen Werks von Jean-Michel Basquiat in Österreich. Sie zeigt rund 50 Hauptwerke aus renommierten öffentlichen und privaten Sammlungen, gibt neue Einblicke in die einzigartige Bildsprache Basquiats und entschlüsselt die Inhalte seiner künstlerischen Ideen.

Photo: Private Collection – courtesy of HomeArt © Estate of Jean-Michel Basquiat. Licensed by Artestar, New York

Unzugängliche Landschaften, abgeriegelte Territorien oder militärische Sperrgebiete: Gregor Sailer zeigt in seinen Arbeiten surreale Architekturen an den Randzonen menschlicher Zivilisation. 

Der Künstler interessiert sich für die bauliche Veränderung von Landschaft und die komplexen politischen, militärischen und wirtschaftlichen Implikationen von Architektur. Das führt ihn in entlegene, unwirtliche Weltgegenden, potemkinsche Dörfer und an Orte, die nur für wenige Menschen erreichbar sind. Sailers Fotos sind menschenleer, die Gebäude darauf wirken oft wie Skulpturen. Ob Klimawandel, politische Konflikte oder ein übersteigertes Sicherheitsbedürfnis – Sailers Bilder offenbaren, welche Dynamiken zur Existenz dieser Orte führen. 

Das KUNST HAUS WIEN widmet dem Fotokünstler seine erste große Ausstellung in Österreich. Sailers Bilder eröffnen den Zugang zur Welt der Fakes, Kopien und Kulissen und hinterfragen diese mitunter absurden Auswüchse unserer heutigen Gesellschaft. Die Arbeiten Gregor Sailers verlangen monatelange Recherchearbeit und -aufenthalte unter extremen Bedingungen, etwa in der Arktis bei minus 50 Grad. Der 1980 geborene Tiroler Künstler wurde vielfach ausgezeichnet, seine Fotos wurden in zahlreichen Publikationen und Ausstellungen gezeigt und sind in öffentlichen und privaten Sammlungen vertreten.

Kuratorin: Verena Kaspar-Eisert (KUNST HAUS WIEN)

Gregor Sailer, aus der Serie Polarsilkroad, Norway © Gregor Sailer

Wettbewerbe werden heute vor allem mit Sport, Wirtschaft, Evolutions­theorie, Archi­tektur oder diversen TV-Contests in Ver­bindung gebracht. Seit der griech­ischen Antike war dieses Prinzip jedoch auch für die Kunst ein großes Thema.

Unsere Aus­­stel­lung zeigt, wie Künstler*innen der Antike, der Renais­sance und des Ba­rocks mit­einander in Kon­kur­renz ge­tre­ten sind und wie sie sich darüber hin­aus auch an antiken Vor­bildern ge­mes­sen haben. Aus diesen Wett­strei­ten sind einige der be­kanntesten Werke der Kunst­geschichte hervorgegangen.

© Liechtenstein. The Princerly Collections, Vaduz–Vienna

Die mumok Sammlung beinhaltet knapp fünfhundert Werke, die mit Tieren zu tun haben – eine beachtliche Anzahl, die die Frage aufwirft, was für ein Zoo eigentlich das Museum ist. Was wird hier wie dort verwahrt, beforscht und zur Schau gestellt, um die „Freiheit der Kunst“ und das „wild life“ zu schützen? Und in wessen Interesse?

Das Tier in Dir stellt sich solchen Fragen und nutzt die populäre Anziehungskraft von Tieren, um über die Natur von Sex, Hunger und Zuneigung nachzudenken sowie über Familien- und Geschlechterbeziehungen, Sozialisation und Domestizierung und nicht zuletzt über die andauernde Wirkung von Kolonialgeschichte. Wer nimmt wen an die Kandare? Wer stutzt wem die Flügel? Wer krault wem den Bauch?

In der Ausstellung geht es somit weniger um Tiere denn um Körper, die sich bewegen oder stillstehen, liegen oder stehen, sich ducken oder kriechen. Das Tier als Motiv dient als Ausgangspunkt, um zu einem materialistischen Verständnis von Kunst und Leben zu gelangen. Denn in der westlichen Welt ist „taming and framing“ das, was wir tun, um unser Territorium zu markieren und unsere Subjektivität zu behaupten.

Kuratiert von Manuela Ammer und Ulrike Müller

Ursula: Puppe, 1970. mumok - Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien, ehemals Sammlung Hahn, Köln © Museum Ludwig, Köln

Essen und Trinken gehören zu den menschlichen Grundbedürfnissen, doch seit jeher übersteigt das gemeinsame Mahl die Funktion der bloßen Nahrungsaufnahme. Sinnlichkeit und Genuss, Stiftung von Gemeinschaft, Repräsentation des sozialen Status und rituelle Handlungen sind nur einige Aspekte, die sich mit dem Essen verbunden zeigen. Die Kunst reagiert seit jeher auf unsere Weisen des Mahlhaltens, indem sie unsere ausgewählten Speisen und Lebensmittel darstellt, analysiert, abstrahiert – kritisch und natürlich auch ironisch. Die Ausstellung verhandelt durch die Epochen und in unterschiedlichsten Medien – Plastik, Grafik, Malerei, Fotografie und Videokunst – unter anderem die gemeinschaftsstiftenden Aspekte des Mahls: in Familien, bei offiziellen Anlässen, im politischen wie religiösen Rahmen unterschiedlicher kultureller Kontexte.

Positionen von Marina Abramović, Sonja Alhäuser, Atelier Van Lieshout, Abraham van Beyeren, Lois Bielefeld, Pieter de Bloot, Thierry Boutonnier, Götz Bury, Joseph Beuys, Catrin Bolt, Elinor Carucci, Heinz Cibulka, Domenico Cresti gen. Passignano, Josef Danhauser, desertArtLAB, Martin Dichtl, Albin Egger-Lienz, Christian Eisenberger, Jan Fyt, Gaetano Gandolfi, Floris Gerritsz van Schooten, Geldorp Gortzius, Robert F. Hammerstiel, honey & bunny, Nelson Jalil, Ulrike Köb, Maria Lassnig, Meister des Friedrichaltars, Maha Malluh, Katharina Mayer, Veronika Merklein, Jan Miense Molenaer, Izumi Miyazaki, Anna Paul, Klaus Pichler, Dieter Roth, Zina Saro-Wiwa, Christoph Daniel Schenck, Astrid Schulz, Gregg Segal, Taryn Simon, Stéphane Soulié, Daniel Spoerri, Jan Steen, Maja Vukoje, Franz West, Werkstatt des Lucas Cranach d. Ä., Ramiro Wong sowie historische Künstler*innen, deren Namen nicht überliefert sind.

Kuratorin: Johanna Schwanberg

Izumi Miyazaki, Broccoli (Detail), 2017, Izumi Miyazaki. © Izumi Miyazaki

Frauenhände mit rosa Kunstnägeln, verziert mit Logos von Luxusmarken, streicheln ausrangierte Kleidungsstücke. Sie erkunden haptisch jedes Detail des Textils, liebkosen es regelrecht. Daneben tritt ein funktionslos gewordener, weil verbogener metallener Kleiderständer in Erscheinung.

Stefanie Moshammers fortlaufende Serie We Love Our Customers spielt mit unserer Wahrnehmung der heutigen Konsum- und Markenkultur. Die Künstlerin untersucht auf humorvolle und scharfsinnige Art und Weise unsere Beziehung zu Kleidungsstücken zwischen Tradition und Gegenwart, zwischen Wertschätzung und Massenprodukt. Die in der Ausstellung versammelten Arbeiten kokettieren mit dieser Wertedichotomie und dem Kontrast von organischen Materialien und entfremdeten, maschinellen Versatzstücken. Neben digital generierten Texten und Found-Footage-Videos dient der Künstlerin die Stoffsammlung ihrer Großmutter als Ausgangsmaterial.

Stefanie Moshammer, She is but a trendy deal, 2022, Full HD, color, sound. Video still © Stefanie Moshammer

Kuratiert von Christian Helbock und Dietmar Schwärzler
Kuratorische Assistenz: Rhea Tebbich
Ausstellungsarchitektur: studio-itzo

„Wenn wir Euch alles erzählen würden, existierten wir gar nicht.“
(Irwin im Gespräch mit WHW – What, How & For Whom)

„Masturbation is Counter Revolutionary“
(Bruce LaBruce)

LOVING OTHERS will Künstler*innen-Gruppen und deren unterschiedliche Modelle von Zusammenarbeit in Form ihrer sozialen Bindungen und Solidaritäten produktiv machen und Geschichten des konstruktiven Scheiterns miterzählen. Im Fokus der Ausstellung stehen vorwiegend jüngere Werke, die auf unterschiedlichen Ansätzen von künstlerischer Zusammenarbeit basieren und deren inhärente, spezifische Arbeits- und Beziehungsformen Teil der Präsentation sein werden. Die Auswahl kann als exemplarisch, gleichzeitig aber auch willkürlich bezeichnet werden, da es unzählige Kollektive gibt. Zwei Beiträge sind als in situ Arbeiten konzipiert, die von Bar du Bois und dem Kollektiv ZIP Group realisiert werden.

Künstler*innen:
Bar du Bois, ____fabrics interseason & friends, Femplak, Forensic Architecture, Group Material, House of Ladosha, INVASORIX, Karpo Godina, Suzanne Lacy, The Nest Collective, ruangrupa – lumbung, Total Refusal, Anna Spanlang & Klitclique, ZIP group

Sie war gefeierter Theater- und Filmstar, moderne Frau der 1920er-Jahre, politisch engagierte Zeitgenossin und galt als die am meisten porträtierte Frau ihrer Epoche. Die Rollen von Tilla Durieux (1880–1971) waren ebenso vielfältig wie auch die Liste der Künstler*innen, denen sie Modell saß: unter ihnen Auguste Renoir, Max Slevogt, Lovis Corinth, Franz von Stuck, Charley Toorop, Ernst Barlach, Oskar Kokoschka, Max Oppenheimer oder die Fotografinnen Frieda Riess und Lotte Jacobi.

Die in Wien geborene Ottilie Helene Angela Godeffroy wollte seit ihrer Kindheit zur Bühne und änderte ihren Namen in Anlehnung an den Geburtsnamen der Großmutter in Tilla Durieux. Nach der Schauspielausbildung in ihrer Heimatstadt schaffte es Durieux über Stationen in Olmütz und Breslau 1903 zu Max Reinhardt nach Berlin. Nach einigen kleineren Rollen, gelang ihr mit dem Part der Salomé in Oscar Wildes gleichnamigen Stück der Durchbruch – die Geburtsstunde des Mythos Tilla Durieux. Es folgten Engagements in allen wichtigen Häusern Europas und neue, herausfordernde Rollen–nicht nur auf der Bühne, sondern auch vor der Kamera.

Durch ihren ersten Ehemann, den Künstler Eugen Spiro, erlangte Durieux erstmals Zugang zur bildenden Kunst und den entsprechenden Kreisen; durch ihren zweiten Ehemann, den Kunsthändler und Verleger Paul Cassirer, wurde sie selbst Teil davon. Als Bildmotiv wie als Sammlerin blieb Durieux bis zum Beginn der Naziherrschaft in Deutschland aktiv. Sie zeigte sich nicht nur künstlerisch engagiert, sondern ebenso in sozialen wie politischen Fragen: Ob nun während des Zürcher Exils im Ersten Weltkrieg, in den Wirren der Münchner Räterepublik oder im Zagreber Widerstand gegen den Nationalsozialismus.

In einer umfassend angelegten Schau geht das Leopold Museum erstmals der Faszination, die Tilla Durieux bereits bei ihren Zeitgenoss*innen auslöste, auf den Grund und folgt anhand von Bildnissen quer durch alle Medien den Spuren dieser schillernden Persönlichkeit. Durch kaum ausgestelltes Archivmaterial und internationalen wie nationalen Leihgaben wird Durieuxs Karriere, ihr soziales und künstlerisches Umfeld sowie ihr von politischen Umbrüchen geprägtes Leben umfassend beleuchtet.

Die Ausstellung entstand in Kooperation mit dem Georg Kolbe Museum und dem Archiv der Akademie der Künste, Berlin.

EUGEN SPIRO, Dame mit Hund (Tilla Durieux), 1905 © Privatsammlung, Foto: Leopold Museum, Wien © Bildrecht, Wien 2022

Vernissage: 8. November 2022, 19 Uhr, Künstler anwesend, Kurator und Publizist Dr. Björn Vedder spricht zur Ausstellung

Ausstellung ab: 9. November 2022

Di – Fr 12 – 18 Uhr, Sa 11 – 14 Uhr

Krinzinger Schottenfeld freut sich, mit Re-Retreat die jüngste Einzelausstellung von Erik Schmidt zu präsentieren, die das schwer fassbare Paradies, das er mit seinem vorherigen Projekt Retreat geschaffen hat, um neue Elemente und Materialien zu erweitern. Die kreative Erkundung des 1968 geborenen polyedrischen, deutschen Malers ist oft von den Erzählungen seiner Reiseerfahrungen und seinem Wunsch geprägt, zu veranschaulichen, was er durch die Begegnung mit fremden Kulturen wahrnimmt.

Die Ausstellung nimmt uns mit auf eine sechswöchige Reise, die der Künstler im vergangenen Frühjahr nach Sri Lanka unternahm. Gemeinsam reisen wir in die Dörfer rund um die Hauptstadt Colombo, wo im März 2022 Massenproteste begannen und sich über das ganze Land ausbreiteten. Proteste von Menschen, die sich – dreizehn Jahre nach dem Ende eines langen Bürgerkriegs – noch immer von der Krise erholen und nun mit einer Wirtschaftskrise zu kämpfen haben, zu der Stromausfälle und Engpässe bei grundlegenden Gütern wie Treibstoff, Lebensmitteln und Medikamenten gehören.

In No Crisis, einer Zeichnungsserie, die auf Fotos basiert, die er auf seinen Streifzügen durch die Straßen aufgenommen hat, identifiziert Schmidt einzelne Personen aus dem Strom der Menschen, die in ihren Lebensrhythmus oder ihre Aktivitäten vertieft sind, und porträtiert sie auf den Seiten von Zeitungen, aus denen er täglich die nationalen Nachrichten erhält. Das Ergebnis ist eine äußerst ausdrucksstarke Gegenüberstellung von dicken Pinselstrichen, die einen echten Einblick in die örtliche Gemeinschaft gewähren und, trotz der begrenzten Farbskala und der hohen Luftfeuchtigkeit der Gegend, auch den „politischen Boden“ dieser Gemeinschaft zeigen. Einige Porträts hingegen werden später in seinem Atelier entwickelt, wobei er die besondere Technik des Übermalens bedruckter Leinwand anwendet, um seine dynamische, optische Filterung der Welt darzustellen.

Überwältigt von einer so politisch konnotierten Umgebung, wird selbst der faszinierte Blick des Malers beeinträchtigt. In Palm Bombs, kleinen Skizzen und großformatigen Gemälden, die auf Fotografien von Palmen basieren und während des Aufenthalts in der One World Foundation aufgenommen wurden, verwandelt sich die Natur selbst in ein Kriegsgebiet. Schmidts Perspektive ermöglicht dem Betrachter einen Blick von unten auf die Palmen, was normalerweise verboten ist, um Schäden durch herabfallende Kokosnüsse zu vermeiden. Die Impasto-Technik überschattet hier die Fotografie mit einer aggressiven Note, und die Farbe erreicht einen greifbaren skulpturalen Aspekt, indem sie innere Schwingungen in reine, verstörende Farbe umwandelt: Früchte werden so zu Bomben, Palmenblätter zu ihren Explosionsstrahlen.

Was von diesen Explosionen übrig geblieben ist, liegt auf dem Boden des Raumes, vielleicht von denselben Bäumen gefallen, wirken sie wie Waffen und Handgranaten. Weitere Zeitungsseiten liegen auf einem Kleiderbügel, überschrieben mit Schlagwörtern, als ob man verzweifelt versucht, die Nachrichten, die man zu lesen gezwungen ist, auszulöschen. Die Erwartung, dass es sich bei diesem Palmenhaus um ein Paradies handelt, verblasst und bringt uns zurück zum gewaltsamen Scheitern der Zivilisation.

Die vergebliche Suche nach einem Zufluchtsort findet sich auch in den beiden Videos Fine und Inizio wieder, die thematisch mit den Gemälden verwandt sind, aber in einem anderen geografischen und zeitlichen Kontext spielen. Das Szenario verlagert sich von der greifbaren Realität zu Schmidts eigener innerer Dimension, dem verlorenen Paradies, in dem die Illusion eines Zufluchtsortes erneut unerreichbar ist. Eine Art Selbsterforschung durch Schuldgefühle und Katharsis, welche zweifellos auf die Unruhe seiner Lebensreise zurückzuführen sind, resultieren schließlich in der bewussten Erkenntnis, dass es auf der Welt keinen Platz mehr für Rückzug gibt.

Text: Silvio Saraceno

Erik Schmidt, Suham Turtle, 2022, Öl auf Fine Art Print, auf Leinwand, 150 x 70 cm, courtesy Galerie Krinzinger und Erik Schmidt.

In seiner zweiten Einzelausstellung in der Galerie Krinzinger zeigt Zhang Wei eine Auswahl von 24 Werken, die zwischen 2016 und 2022 entstanden sind. Darunter sind drei Gemälde aus dem Jahr 2022, die unmissverständlich auf den Einmarsch Russlands in die Ukraine hinweisen. In Anlehnung an die Farben der ukrainischen Nationalflagge hat Zhang Wei jede Leinwand großflächig mit Blau überzogen. In der ukrainischen Flagge steht das Blau für den Himmel über dem riesigen Land. Auf beiden Leinwänden von Zhang Wei nehmen die blauen Farben auf der Oberseite fast zwei Drittel der Leinwand ein, die größtenteils akribisch und gleichmäßig gemalt und mit harten Kanten versehen ist. Auf einem der Bilder mit dem Titel „Z-AC2022“ hat er einen gelben Fleck der ukrainischen Flagge auf den unteren Rand der blauen Farbe gemalt. Ein Großteil der blauen Fläche ist vollflächig, während die gelbe Farbe in der oberen Hälfte vollflächig und im unteren Teil skizzenhaft ist. In der zweiten ukrainespezifischen Arbeit „Z-AC2203“ scheint die gelbe Farbe auf den unteren Rand des blauen Himmels gespritzt zu sein, und zwar in einem ziemlichen Durcheinander.

Dieser Ansatz erinnert an ein Experiment, das er in den frühen 1980er Jahren durchführte. Als er nach Wegen suchte, von der figurativen Darstellung seiner in den 1970er Jahren entstandenen Landschaftsbilder wegzukommen, kletterte Zhang Wei einmal auf eine Leiter und ließ aus etwa vier Metern Höhe eine Schüssel mit Farbe auf die Leinwand fallen, so dass die Farbe überall hin spritzte, nicht nur auf die Leinwand, sondern auch in sein Zimmer. Die unkontrollierbare Wirkung dieser Aktion war eigentlich ein erwünschtes Ergebnis, und das Streben nach einer solchen Wirkung setzt sich in seinen nachfolgenden Arbeiten fort. Er sucht nach Prozessen, die zu unkontrollierbaren Erscheinungen führen, und setzt sie um. In den letzten Jahren hat er zum Beispiel versucht, mit seinem Motorrad zu malen. Er hat einen Eimer Farbe auf seine Leinwand geschüttet und ist mit dem Motorrad darüber gefahren, um Reifenspuren zu hinterlassen. Manchmal lässt er auch Spielzeugautos mit einer Fernbedienung über die Leinwand fahren. Alle seine Bemühungen zielen auf Verspieltheit und Dynamik in seinen Werken ab.

Zhang Wei, Z-AC2117, 2021, oil on linen, 150 x 200 cm, courtesy Galerie Krinzinger and the artist

Vernissage: 9. November 2022, 19 Uhr, Künstlerin anwesend
Ausstellung ab: 10. November 2022
Di – Fr 12 – 18 Uhr, Sa 11 – 16 Uhr

Galerie Krinzinger freut sich über die erste Einzelausstellung von Nevin Aladağ in ihren Räumlichkeiten. Die Ausstellung Tuning vereint mehrere Werkserien der zuletzt in einer großen Einzelausstellung in der Villa Stuck in München gezeigten Installations-und Performancekünstlerin. In den Social Fabrics verbindet die Künstlerin hochwertige handgeknüpfte Teppiche aus dem Iran, der Türkei und China mit maschinell hergestellter Massenware zu abstrakten Collagen. Die verwendeten Materialien wie Wolle, Seide und synthetische Stoffe sowie deren Verarbeitung und Herkunft stellt sie gleichwertig nebeneinander, in dem sie sich zu einem neuen Ganzen verbindet. Das Ornament als verbindendes Element findet sich auch in den hexagonförmigen Keramikmodulen der Serie Jali, in die die Künstlerin aus dem Gedächtnis gezeichnete Muster einschreibt. Die Module funktionieren als Bausteine, die die Künstlerin zu Wandarbeiten und Installationen wie erstmals auf der Documenta 14, 2017, installiert.

Leaning Wall zeigt Abdrücke von Körperteilen in Meissner Porzellan, montiert wie die Griffe einer Kletterwand. Durch die Negativformen wird die Kletterwand zur „Anlehnwand“. Nevin Aladağ interessiert das organische und brüchige des Materials, aber auch die Passform im Sinne der Geschlechtsidentität. Eine Version von Leaning Wall ist als permanente Installation seit 2014 am Robert-Koch-Institut in Berlin zu sehen. Die Werkserie Stiletto entstand während der Performance „Raise The Roof“ anlässlich der Venedig Biennale 2017. In der Performance ließ die Künstlerin Tänzerinnen auf Kupferblechen tanzen. Jede Arbeit trägt den Titel und die Dauer des Liedes, zu dem getanzt wurde. Ihre zu Musikskulpturen veränderten Möbeln und Resonanzkörpern wie Frame Harp und Hanger Harp sowie Resonating Space (Square Bells 90) verweisen auf Ihre „Music Rooms“ und „Resonating Spaces“ wie auf der documenta 14 in Athen und zuletzt in der Ausstellung Sound of Spaces in der Villa Stuck, 2021. Die Installation Tusch-carneval notiert die Künstlerin einen Tusch (Fanfare) mittels Abgüssen von Kanonenkugeln aus dem 17jh. Nevin Aladağ zieht hier den Kreis von der musikalischen Neuinterpretation der Kanonenkugel zurück zum ursprünglichen Kontext, denn das Schießen der Kanonen wurde mit Fanfaren eingeleitet. Die Objekte der Serie Rehersal stehen in Zusammenhang mit den partizipativen Installationen der Serie Stage – Bühnenvorhänge aus künstlichen Haaren, gezeigt im Arter in Istanbul, 2012.

Nevin Aladağ wurde 1972 in Van in der Türkei geboren, lebt und arbeitet in Berlin,
Sie studierte an der Münchner Akademie Bildhauerei. Aladağ wurde vielfach ausgezeichnet, war 2017 mit einem ihrer „Musikzimmer“ Teilnehmerin der Documenta 14 und hat im gleichen Jahr mit der Performance „Raise The Roof“ an der Venedig Biennale teilgenommen. Seit 2019 ist sie Professorin für Skulptur in Bewegung an der Hochschule für Bildende Künste in Dresden. Auswahl an Ausstellungen: Barakat Contemporary, Seoul (solo) 2022, Lenbachhaus, München,2022, Villa Stuck, München (solo) 2021, Tinguely Museum, Basel, 2021, Museum, Singapore, 2021, Kunstmuseum Bonn, 2021, Arter, Istanbul (solo), 2020, Southbank Centre, HENI Project Space, Hayward Gallery, London (solo) 2020, Hamburger Bahnhof, Berlin, 2020, SFMOMA , San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco (solo), 2019, Albertinum-Staatliche Kunstsammlung, Dresden, (solo) 2018, Salzburger Kunstverein (solo), 2018, Lentos Kunstmuseum Linz (solo), 2018, KÖR Kunst im öffentlichen Raum, Vienna (solo), 2018, Rückwand der Kunsthalle Basel, 2014 (solo).

Nevin Aladağ, Social Fabric, compass, 2022, carpet pieces on wood, wooden frame, ø 134 cm, d 4 cm, courtesy Galerie Krinzinger and the artist

Niklas Lichti ist ein in Wien lebender Künstler, Mitherausgeber des Webmagazins The Critical Ass und Gründer des kurzlebigen Projektraums Geld in London.
In einer breiten Vielfalt von Medien, darunter Skulpturen, Zeichnungen, Text und Video, setzt Lichti Begriffe wie elliptisches Erzählen und Montage sowie seine Bewunderung für Literatur, Stand-up-Comedy und Wirtschaftstheorie ein, um die Notlage des Liberalismus, soziale Währungen, (künstlerische) Selbstdarstellung und die Politik der Intimität und psychischen Gesundheit zu erkunden.

Mittwoch–Samstag 12–18 Uhr

Jean-Frédéric Schnyder

Seit Ende der 1960er-Jahre hat der konzeptuell arbeitende Schweizer Künstler Jean-Frédéric Schnyder ein breites Oeuvre geschaffen, das Malereien, Fotografien, Skulpturen, Objekte und Installationen umfasst. In seiner künstlerischen Praxis ist er stets radikal offengeblieben. Ein Resultat seiner radikalen Offenheit ist ein Werk voller Diskontinuitäten. Betrachtet man Schnyders malerisches Werk seit dem Beginn der 1970er-Jahre, so entdeckt man zugleich überraschende Kontinuitäten und Brüche.

Jean-Frédéric Schnyder, geboren 1945 in Basel, lebt und arbeitet in Zug, Schweiz.

Programmiert vom Vorstand der Secession
Kuratiert von Jeanette Pacher

The Otolith Group

The Otolith Group, 2002 von Anjalika Sagar und Kodwo Eshun als von KünstlerInnen geleitetes Kollektiv gegründet, ist in London angesiedelt. Die Gruppe erforscht die zeitlichen Anomalien, anthropischen Inversionen und die synthetische Entfremdung des Posthumanen, des Inhumanen, des Nicht-Menschlichen und die Komplexität der Umweltbedingungen des Lebens, mit denen wir alle konfrontiert sind.

The Otolith Group ist ein in London ansässiges Kollektiv, das 2002 gegründet wurde.

Programmiert vom Vorstand der Secession
Kuratiert von Bettina Spörr

Patricia L. Boyd

Patricia L. Boyd thematisiert in ihrem Werk häufig die Wechselbeziehungen zwischen Präsentationstechniken und institutionellen Dynamiken, indem sie räumliche Eingriffe vornimmt, welche die Wahrnehmung und Bewegung der Betrachter*innen in den Ausstellungsräume verändern. Sie arbeitet mit einer Reihe von Medien, darunter Skulptur, Fotografie, Schreiben und Video.

Patricia L. Boyd, geboren 1980 in London, lebt und arbeitet in New York und London. Sie war bereits 2018 in der von Anthony Huberman kuratierten Gruppenausstellung Other Mechanisms in der Secession zu sehen und hatte seitdem vielbeachtete Einzelausstellungen im Münchener Kunstverein (2020), Front Desk Apparatus, New York (2019), Christian Andersen, Kopenhagen (2019) und Cell Project Space, London (mit Rosa Aiello, 2019).

Programmiert vom Vorstand der Secession
Kuratiert von Annette Südbeck

Jean-Frédéric Schnyder, Hans Schnyder 1959 – JF 2020 nach Winston Churchill, 2020. Courtesy der Künstler & Galerie Eva Presenhuber, Zurich / New York