Vienna Art Week Locations

Nicoleta Auersperg *1991, Buenos Aires has studied TransArt at the University of Applied Arts, Textual Sculpture at the Academy of Fine Arts, Vienna and in the Glass department at Rietveld Academie Amsterdam. Nicoleta Auersperg‘s work continuously (re-)explores the question of form-finding. She is concerned with its ambiguity, not only as a sculptural but also a social process. In her artistic practice she investigates the character, qualities and origins of specific materials and social phenomena. Amidst ever more pervasive virtuality, Auersperg’s works return us to a place of sustained examination of and reflection on the very ‘matter’ surrounding us and our role or potential within it.

A graduate of the University of Applied Arts in Vienna, Ukrainian-Austrian artist Julia Rublow produces multifaceted artworks that include painting, sculptures, texts, videos and performances. Highlighting the role of the artist in the society, the works entail broader questions about identity. Her works appear unfinished, almost improvised. Rublow´s pieces destabilize structures of logic in search of meaningful, unexpected or even absurd chains of association. Filled with humor, they hover between everyday life and philosophical questions. Her rigorous and continuous experimentation resists any singular formal identity and shows a fearless unconstraint in the use of media.

Susi Jirkuff ist bildende Künstlerin, ihre vorrangigen Medien sind Zeichnung, Video, Animation und Installation. Ihre Arbeit wurde international gezeigt in Amsterdam, Frankfurt, Berlin, Barcelona, Bilbao, London, Paris, Vilnius, Los Angeles, New York sowie in Österreich. Animationen und Filme wurden auf Filmfestivals gezeigt, darunter Annecy, Animafest Zagreb, EMAF, Tricky Women, Diagonale, Crossing Europe sowie ARTE TV, TELEVISION ESPAÑOLA, SWR oder OKTO. Sie erhielt das Schindler-Stipendium, 2000, Stadtstipendium der Stadt Linz, 2001, den Hilde-Goldschmidt Preis, 2006, das Staatsstipendium für Bildende Kunst, 2007 und das Margret Bilger Stipendium, 2012, den Gabriele Heidecker Preis, 2015

Günther Selichar war 2007 bis 2013 Professor für Medienkunst an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig. Er beschäftigt sich in dokumentarischer Weise mit apparativen und technologischen Aspekten von (Massen)Medien und zeigt dies u. a. in Serien abstrakter Fotografie. Ebenso führt er Interventionen im öffentlichen Raum durch, wie im massenmedialen Raum des Fernsehens, auf Billboards oder Urban Screens, in Printmedien etc. (USA, China und verschiedene europäische Länder). Seine kunsttheoretische Arbeit befasst sich mit Fragen von Kunst und Massenmedien, öffentlichem Raum, Fotografie oder analoger und digitaler Medien.

EVENTS

Künstlergespräch in der Fotogalerie Wien: https://www.viennaartweek.at/de/program/kuenstlergesprae…ge-werkschau-xxv/

Das Gesicht ist ein Psychogramm, die Landkarte eines Seelenzustandes. Farben und Formen dienen dieser Landschaft, die sich aus einem breiten, komplexen, persönlichen Gefühls-Spektrum entwirft. Emotionen sind eine grundlegende Informationsquelle zum Sein. Trotzdem sie scheinbar vertraut wirken, sind sie äusserst schwer zu fassen. Das Bild wird im Prozess zum intuitiven „Objekt des Wissens“. Slawitzs Arbeiten sind ein Zungenkuss zwischen flirty Neugier und schwerfälligem, emotionalen Investment.Lisa Slawitz ist bildende Künstlerin, lebt und arbeitet in Wien. Sie besuchte die Ortweischule für Kunst und Design in Graz mit Matura in der Fachsparte keramische Formgebung.

Anna Meyer would like to turn painting into the present, with colors that burn under the eyelids she reflects socio-political realities, which get an unreality through painting. With painted billboards outside, currently on the Großglocknerstrasse: https://tracingspaces.net/heavenandhell/ she turns the painting out of the white cube into the outside space democratically visible for all, out of the respective elitist shelters into the harsh reality. With a feminist approach she reappraises feminist art history in Future Feminism.

Regula Dettwiler has been concerned with the nature that surrounds us for about three decades. In her work, familiar symbols and studies of nature from art history enter into an exciting connection with the phenomena and working methods of botany; her methods are appropriation and transformation.

*1989 in Linz (AT) lebt und arbeitet in Wien 2011 - 2019 Universität für Angewandte Kunst Wien - Klasse Judith Eisler 2017 - 2018 Städelschule, Frankfurt am Main- Klasse Amy Sillman und Monika Baer 2014 - 2015 Akademie der bildenden Künste Nürnberg - Klasse Michael Hakimi

Not far away there is a lawn and along the edge of that lawn there are benches. The sunlight falls through the window and divides the innards into light and dark. The floor, the end of the bed, the wall and the socks are illuminated. They are feeling caught. They have just been unseen, as if one is looking through a keyhole; now visible, themselves explaining and a bit confused. Out of habit only the Anthurium on the windowsill is sure its role.

Jakob Breit, 1986 geboren, haupsächlich in der gegenständlichen Malerei verhaftet, setzt sich in kleinen Publikationen, die parallel zur Malerei enstehen, auch mit Sprache und Text auseinander. Der letzten Serie 'Attrici di fronte velluto verde' liegt eine Auseinandersetzung mit der Ästhetik und den Motiven des Giallos zugrunde. Als Stilleben inszeniert, haben die bösen Vorboten und Spuren aus diesen Filmen, die Toten Singvögel vor grünem Samt auch den Tod auf der Bühne, als romantisch verklärte Geste zum Inhalt.

Eva Engelbert (* 1983) lebt in Wien. Nach ihrem Studium an der Universität für angewandte Kunst Wien absolvierte sie zahlreiche Stipendienaufenthalte (u. a. MAK Artists and Architects-in-Residence Program Los Angeles, SAIC Chicago, CIA Paris, Sewon Art Space Yogyakarta). Zuletzt waren ihre Arbeiten in der Universitätsgalerie Heiligenkreuzer Hof Wien (2020), GOMO, Wien (2019), Mackey Garage Top, Los Angeles (2019) und im Rahmen der Wiener Festwochen (2018) zu sehen. In ihrer künstlerischen Praxis beschäftigt sie, wie Geschichte in der Gegenwart aktualisiert werden kann. Beziehungen zwischen Handwerk und nationalen Narrativen werden im Kontext ihrer jeweiligen (Handlungs-)Räume reflektiert.

*1971 in Bielsko-Biala, Poland, grew up in Stockholm, Sweden, now lives and works in Vienna; 1992 to 1997 studied painting and graphics at the Academy of Fine Arts Vienna; since 2005 regular participation in solo and group exhibitions in Austria and abroad; various awards and scholarships including WIELS Residency, BKA Studio, Brussels, Federal Chancellery, I.S.C.P. The International Studio & Curatorial Program New York; in addition to his own publications, he also works as a teacher.

Seit 1993 entwickelt das Künstler*innen Kollektiv WochenKlausur kleine, aber sehr konkrete Vorschläge zur Verringerung gesellschaftspolitischer Defizite und setzt diese Vorschläge auch um. Künstlerische Gestaltung wird dabei nicht mehr als formaler Akt sondern als Eingriff in unsere Gesellschaft gesehen. Mit dem ersten Projekt im Jahr 1993 gelang es der Gruppe, die medizinische Versorgung für Obdachlose in Wien durch die Etablierung einer mobilen Arztpraxis sicherzustellen. Seither konnten auf Einladung von Kunstinstitutionen über 40 Projekte durchgeführt werden.

Patrick Rampelotto (geboren 1978 Vipiteno, Italien) lebt und arbeitet seit 1999 in Wien. Nach dem Industrial Design Studium arbeitet er für einige Jahre als Möbeldesigner und baute gleichzeitig Skulpturen aus alten Pokalen. Jetzt entwirft er für Nationale und Internationale Produzenten sowie produziert er selbst in seinem Atelier Objekte. An der Schnittstelle von Funktionalität und Exuberanz, das Triviale und das Unreproduzierbare, Zweckentfremdung und Aneignung önet Rampelotto einen Zwischenraum wo jede feste Abgrenzung zwischen Design und Skulptur in der Schwebe hängt.

Alles Malen ist ein Übermalen. Es gibt keine neutrale Oberfläche. Augenblicke vor dem ersten Pinselstrich ist die Leinwand von Möglichkeiten, Bildern und Ideen überflutet, die auf Realisierung warten. Durch den Akt des Malens werden diese idealen Möglichkeiten unablässig auf die Realität des Materials reduziert: eine Ansammlung von Markierungen und die Oberfläche, die sie trägt. Mit jeder Intervention wird das Gemälde grundlegend verwandelt, wird das Sichtbare entweder verdünnt oder verdichtet. Es ist die Korrespondenz zwischen jedem Pinselstrich und seinen Vorgängern, die das Phänomen der Malerei aufrechterhält. – Das Nichts des reinen Materials in das Etwas auf der Leinwand zu verwandeln,

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Seit Jahren betreibe ich eine Art Grundlagenforschung in Bezug auf das Verhältnis zwischen Raum und Bild. Ausgangspunkt sind Architekturzeichnungen, Fotografien und -Modelle, die ich auf die konstruierenden Eigenschaften von Fläche und Linie hin befrage. Als drittes raumkonstituierendes Element kommt noch die Farbe hinzu, die in meiner Arbeit einen besonderen Stellenwert einnimmt: „Ursprünglich interessierten mich Farben, die als hässlich gelten, Kombinationen, die eigentlich nicht funktionieren. Aber ich merkte immer mehr: das gibt es eigentlich gar nicht.“

'Spencer’s work delves into historical narratives, whether based on classical literature, lore, art history and connecting them with more personal themes. The inspiration for his playful and bizarre figures, often presented in dramatic narratives, are mainly drawn from real life observations, following the inspirational sources of artists he admires most. his recent experiments in the realm of digitally woven tapestries and Styrofoam sculptures, he explores how his contemporary re-interpretations and the use of advanced production processes, impact their meaning and tradition.'

Brunners Installationen und Objekte, sollen den Betrachter inspirieren, sich seiner „erweiterten“ Wahrnehmung zu stellen. Seine Spiegelobjekte reflektieren nicht nur den Betrachter, sondern überlagern auch Begriffe oder Texte. Mit wenigen, aber überzeugenden Worten spiegeln seine Texte unendliche Möglichkeiten wider, die uns auffordern, unsere eigene Interpretation der Realität zu formulieren. In seinen Objekten definiert er den Punkt als kleinsten gemeinsamen Nenner. Verändert der Betrachter seinen Standpunkt, lösen sich seine Texte und Fotos in ein dreidimensionales Punktechaos auf, und relativiert jeglichen visuellen Inhalt.

The conditions and ambivalences of artistic production lie at the center of Sarah Bechter's (*1989) practice. Blurring the lines between the private and the public, work and leisure, surface and line, Bechter's canvases exist as individual subjects, rather than surfaces of projection, and seem entangled in a vivid debate among themselves. The artist uses a wide range of techniques and references to interrogate the validity of the images she creates, and of painting itself. Furthermore, Bechter invites the viewer to a game of hide-and-seek by often only hinting at protagonists and objects, infusing her works with a mysterious, dreamy atmosphere. She lives and works in Vienna.

Anna Artaker, geb. 1976 in Wien, ist Künstlerin und derzeit Elise-Richter-Research-Fellow an der Akademie der bildenden Künste Wien. Ihre Werke wurden mehrfach ausgezeichnet und werden international ausgestellt. Artaker ist Mitglied der Jungen Akademie der Österreichischen Akademie der Wissenschaften, wo künstlerische Forschung erstmals durch sie vertreten wird. In ihren Werken untersucht Anna Artaker die Rolle, die Bilder dabei spielen, wie wir unsere Welt wahrnehmen. Zur Erforschung der realitätsstiftenden Funktion von Bildern arbeitet sie mit verschiedenen, oft in anderen Wissenschaftsdisziplinen gängigen (Bild-)Medien und umkreist so den gemeinsamen Ursprung von Kunst und Wissenschaft.

Bernd Oppls künstlerische Handlungsfelder sind architektonische Raummodelle, Fotografien, Videoinstallationen, Übertragungsmodelle und Screens, die sich zu komplexen Systemen verbinden und unsere Wahrnehmung inspirieren und hinterfragen, analysieren und täuschen. Mit Hilfe der Kamera und des Videos ist es uns möglich neue Seherfahrungen zu machen und veränderte Blickwinkel zu gewinnen, die wir mit unserem herkömmlichen Auge nicht erfahren. Bernd Oppl bedient sich dieser Mittel und erreicht durch sensibel gesteuerte und ineinander verschränkte Settings überraschende Erfahrungshorizonte und beeindruckende Bilder. In seinen Installationen verbinden sich Illusion und Realität zu einem K

In my work, I span an arc from questions about the reflection of the cultural imprint of formal rituals in modern art to the questioning of different concepts of space and time. Influences of conceptual art are visible in my work as well as contemporary strategies of performance art, whereby the reception of the works always becomes an experience of deconstruction in terms of socially standardized rituals.

Klaus Pichler, geboren 1977, lebt und arbeitet in Wien. Studium der Landschaftsarchitektur and der BOKU Wien. Seit 2006 freischaffender Fotograf zwischen Auftragsarbeiten und künstlerischer Praxis. Zahlreiche Fotoprojekte zu verschiedenen Themen, die sich mit den verborgenen Aspekten des Alltags beschäftigen.

Der Satiriker, Objekt- und Performance Künstler Bernd Püribauer absolvierte die Ortweinschule in Graz. Er zeichnet mit der Computermaus und malt mit dem Klobesen. Bekannt wurde er durch seine seit 1997 publizierten Illustrationen zur Kolumne "Das Tier der Woche" im Falter und seinen Cartoons im Wiener. Mit seinem Art-Truck und dem "Fukushima Aquarium" tourt er zur Zeit durch Europa. In den sozialen Medien verwirrt er sein Publikum gerne mit stark übergewichtigen Doubles.

born in Versailles home in Santorini living in Vienna painter

Ezgi Erol arbeitet als Künstlerin, Kuratorin und Sozialwissenschaftlerin. In ihren Arbeiten stellt sie ein Verhältnis zwischen Bild- und Wissensproduktion und zwischen individuellen Handeln und kollektiven Organisationsprozessen her. Sie ist inspiriert, eine Videoinstallation aus dem durch Recherche erhobenen Wissen zu entwickeln, in der sie ihre eigene Position hinterfragt und eine kritische Narration entwickelt. Historische Recherche, verschiedene Ebene der Erinnerungen, ökonomische Spielräume vom globalen Krieg, Landschaft, Diaspora, Exil und Migration sind ihre Schwerpunkte, die sie aus kritischen, antirassistischen und feministischen Perspektiven betrachtet.

Žarko Aleksić was born in Knjaževac, Serbia. He studied philosophy at the University of Belgrade and art and photography at the Academy of Fine Arts in Vienna. Taking into account neurobiological and endeavours within cognitive neurosciences, his practice addresses personalized phenomenology through examining own states of mind. Problems of mind/brain and its processes, structure and characteristics, are elaborated in the methodical appropriation of knowledge produced within the field of philosophy and cognitive neuroscience, tackling perception, imagination, language, memory, attention, reasoning and emotion within nervous system.

Kunst kann ein Sprachrohr sein um die Gesellschaft und dessen dynamisch komplexer Wandlungsprozess, politische Strukturen, Gerechtigkeit/Macht, gesellschaftliche Normen/Normalität usw. abzutasten und Abweichungen, Anomalien, Fremdkörper und Tabus sichtbar zu machen, zu verstärken und zu reflektieren. Als Kunstschaffender verspüre ich eine Dringlichkeit, mich mit Themen auseinander zu setzen, die mit der Formung und Deformation durch die Menschheitsgeschichte das aktuelle Miteinander der Menschen und die daraus evozierten Reibungen und Konflikte reflektieren.

Susanna Klein, geboren in München, lebt und arbeitet in Wien. Licht und Zeit bilden den Ausgangspunkt für meine Malerei, in der ich in immer wieder neuen Prozessen die Vorstellung von Sehen und Wirkung hinterfrage. Die Arbeiten entstehen seriell, Fotografien, Fundstücke, Zeichnungen stehen am Beginn des Bildfindungsprozesses, darauf aufbauend untersuche ich vermittels unterschiedlicher Verfahren und Techniken, welchen „Abdruck“ sie auf dem Bildträger hinterlassen, und reagiere malerisch auf das Entstandene.

Offerus Ablingers Arbeit setzt sich mich dem Themenfeld Maskulinität in der queeren/schwulen Subkultur und dessen Streuwirkung auf den Mainstream auseinander. Er verwendet in seiner künstlerischen Analyse dafür eine transhumanistische Science-Fiction-Schablone. Mit Hilfe von Körpererweiterungen, Körperoptimierungen, Modifikationen, Cyborgs und Technologie werden in seinen Gemälden gesellschaftliche Kodierungen aufgebrochen, kritisch hinterfragt sowie neu interpretiert. Begriffe wie Biomacht (Foucault), transhumanistische Utopien bzw. Dystopien, Ethik und Gender werden in seinen soziopolitischen Werken neu verortet. Ablinger hat sein Studium 2020 bei Ashley Hans Scheirl abgeschlossen.

Maximiliano León, geboren in Mérida (Mexiko), studierte bei Daniel Richter an der Akademie der bildenden Künste Wien.Sein Werk fokusiert sich auf die Suche nach seiner eigenen Identität aufgrund seiner multikulturellen Herkunft.In seinen Werken verwendet er österreichische und mexikanische Kultursymbole, um Themen wie Globalisierung, Kolonialismus, Popkultur, Geschichte und seine Herkunft zu erforschen, um damit zu experimentieren.Er konzentriert sich auf die Verbindungen zwischen Mexiko und Österreich, wie zum Beispiel dem Kaiser Maximilian I. von Mexiko, mit dem er den gleichen Namen teilt. Seine Arbeiten wurden bisher u.a. in Mexiko City, Dubai, Tokyo, Berlin und Wien ausgestellt.

Maximilian Klammer, 1991* Wien, absolvierte - nach der HTL für Bautechnik in Villach/Kärnten - das Studium der Architektur an der Akademie der bildenden Künste - Wien. Geprägt durch seinen diversen Werdegang, legt Klammer seinen künstlerischen Fokus auf Synergieffekte zwischen objektiven Gegensätzen auf verschiedenen Ebenen, und deren dynamischer Interaktion, unter dem Leitbegriff der „Kohäsiven Heterogenität“. Basierend auf Geometrie und Materialität entwickelt er adaptive Strukturen, die auf den schnellen Wandel unseres Umfelds reagieren. Aktuell untersucht Maximilian die - strukturell als auch formal - erstrebenswerte Transformation eines hölzernen Hohlträgers, für seinen Abschluss.

Julia Zastava is a visual artist working with drawing, video, sound, installation, stage design and performance. She was born in Moscow where she studied ballet and multimedia directing. In 2006 she got her degree in Moving images. Later she moved to Vienna to study at the Academy of fine arts, where graduated in 2018. Her practice is based around processes of transition, questions of narrations, ideas of the uncanny, sexuality and social surrealism. Her works were shown in places and venues internationally.

Maria Bussmann, artist /art philosopher, arbeitet mit den Mitteln der Zeichnung zu den Anfängen der Philosophie, Regula Dettwiler beschäftigt sich mit dem letzten Blumenschmuck der Beerdigungsrituale, Maria Grün und Anna Werzowa arbeiten dreidimensional, Eva Grün: sowohl als auch. email-adressen: anna.werzowa@gmail.com r.dettwiler@gmail.com eva.gruen@einfach.org maria.gruen1@gmx.net maria@sil.at

Anna Krumpholz nützt Architektur und Buchgestaltung als Denk- und Gestaltungsweise im kleinst- und größtmöglichen Maßstab. Sie beobachtet, reflektiert und hinterfragt soziale und kulturelle Begebenheiten. Adaptive Raumideen, die neue soziale und physische Interaktion sowie Selbstaneignung ermöglichen, und das Neben- und Miteinander verschiedener Akteure in konstanter Bewegung stehen im Fokus. Hauptinteresse gilt den scheinbar einfachen Dingen; denn sie bestimmen, wie wir leben – wie wir essen, schlafen, kommunizieren und arbeiten. Eine haptische, forschende und erzählerische Arbeitsweise in Zeichnung und Modell wird durch das Medium Buch als analoges, multi-maßstäbliches Werkzeug ergänzt.

Karin Fisslthaler absolvierte das Studium der Experimentellen Gestaltung am Institut für bildende Kunst und Kulturwissenschaften an der Kunstuniversität Linz, sowie 2019 das Doktoratsstudium im Bereich der künstlerischen Forschung. Seit 2003 produziert, veröffentlicht und performt sie solo elektronische Musik unter dem Namen Cherry Sunkist. In ihren interdisziplinären Arbeiten beschäftigt sie sich mit Fragen der medialen Repräsentation von Körper und Körpersprache und deren Rückwirkung auf die eigene und kollektive Konstruktion von Identität. Ihr Hauptarbeitsmaterial dabei ist Found Footage. Sie lebt und arbeitet freischaffend in Wien.

Es ist nicht bunt, es ist farbig was Michael Ornauer vorlegt. Kompositionen von Tönen, die in Schichten liegen und so von der scheinbaren Unmöglichkeit des Gleichzeitigen erzählen. Davon nämlich, dass die einzelne Arbeit nicht die Parallelität ausschließt und dass im Farbpigment letztlich nur der Ansatz dessen liegt, was sich wesentlich erst im Blick konstituiert. (Paul Watzl) Michael Ornauer, 1979 in Wien geboren, hat an der Akademie der Bildenden Künste bei Hubert Schmalix und Amelie von Wulffen studiert.

My paintings are created without a preconceived pictorial concept in a process-like painting process and without being restricted by a theme. The painting comes from my unconscious and refers to memories from my childhood. I work with a mixed technique of acrylic, gesso, pigments and oil chalk. The paintings are created in layers, remain lying, are worked on. Some of the titles refer to the Persian poet Hafis (1315-1390), others are self-chosen and others refer to pop songs.

Drago Persic monochrom gehaltenen, stets schwarz-weißen Malereien bauen auf präzise inszenierten Fotografien auf, aber beziehen sich auch auf filmische Szenen, die vollends orchestriert sind – Licht, Objekte, Schauspieler, Perspektiven und Konstellationen – in denen nichts dem Zufall überlassen wird, wie in den Filmarbeiten des dänischen Regisseurs Carl Theodor Dreyer. Persics Malereien sind Dokumentationen einer Skulptur, die Malerei hält den bildhauerischen Prozess fest. Die Bilder, schlussendlich, werden zu Skulpturen und versuchen über das Format der Malerei hinaus zu gehen. Auszug aus einem Text von Miriam Kathrein

Many of the artifacts of Hanakam & Schuller, an artist duo that lives in Vienna, are shapeshifters, changing their outer form and then reappearing in a variety of contexts. As artists and explorers, Markus Hanakam and Roswitha Schuller redesign the rules of the fine arts for their own purposes and create unconventional arrangements and new world designs in videos and objects. They also work with applied artforms. Their works have been shown in Berlin’s Haus der Kulturen der Welt, the Eyebeam art and technology center in New York, Paris’ Palais de Tokyo, Moscow’s Garage Museum of Contemporary Culture, Vienna’s MAK, the MAK Center for Art and Architecture in LA, and Tokyo’s National Art Center

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Ruth Anderwald + Leonhard Grond have been working as a duo in the fields of visual art and artistic research since 1999. Their work has been shown at mumok Vienna, Whitechapel Gallery, London, Centre Pompidou, Paris, CCA Tel Aviv, Himalayas Art Museum, Shanghai, Tate Modern, London, among others. Since 2010 they have been developing long-term interdisciplinary collaborations, most recently with Museion Bolzano, MSU Zagreb, Between Bridges, wannseeFORUM and HKW Berlin. Together with Katrin Bucher Trantow they developed an exhibition series on the stagger for Kunsthaus Graz and Ujazdowski Castle Warsaw. Since May 2020 they have been leading their 2nd PEEK project Navigating Dizziness Together

Roman Pfeffer studied from 1996 to 2001 at the Academy of Fine Arts in Vienna and the Kent Institute of Art and Design in Canterbury, England. He teaches at the University of Applied Arts Vienna and has been on the leadership team of the TransArts class since 2010. Roman Pfeffer's work corresponds to a conceptual, linguistic and processual method in the use of various media. The artist appropriates the world of everyday life and art, operates like a natural scientist, constructs something new, but without conforming to rational laws.

Tillman Kaiser (*1972, Graz) lives and works in Vienna. After graduating at Academy of Fine Arts, Vienna, Austria in 1998, he amongst others recently participated in a solo show at Secession Vienna. Kaiser's pictures combine painting, graphic art and photography, photographs captured with a homemade camera obscura. The Cyanotypes and photograms, which are conceived without the use of a camera, are the material he subsequently reworks in a painterly process. His works walk a fine line between reality and fiction or rather the visible and invisible, and his formal vocabulary evokes early 20th century avant-garde movements, such as the Cubists, Kineticism and Constructivists.

Ich wurde in Krakau (Polen) geboren und lebe und arbeite seit etwa 6 Jahren in Wien. Studiert habe ich Malerei und Szenographie an der Kunstakademie Krakau. Meine Arbeiten wurden in verschiedenen Städten Europas gezeigt. Internationale Projektbeteiligungen und Kollaborationen mit anderen Künstlern, sowie die Bühnenmalerei, sind Teil meiner Praxis. Ich sehe mich als Malerin im Laufe der Zeit hat sich mein Interesse allerdings auf andere Medien erweitert. Die Arbeiten bewegen sich in einer Sphäre zwischen dem Abstrakten und figurativen Motiven, Nostalgie und Ironie, reiner Ästhetik und dem Symbolischen. Im Idealfall befinden sie sich genau auf der Linie zwischen Präsenz und Enthaltung.

Die Arbeiten von Ursula Hübner sind von dem starken Interesse an atmosphärischen Räumen geprägt. Diese existieren in Bühnenräumen, Bildräumen und imaginierten organischen und anorganischen Settings. In ihren Arbeiten mischt sie ausgesondertes, überholtes und überraschendes Material und verwickelt dieses in einen künstlerischen Prozess. Begriffe wie trashige Eleganz, collagiertes Miteinander oder unheimliche, traumartige Welten werden angesprochen. Ursula Hübner studierte am Mozarteum in Salzburg Bühnenbild, an der Hochschule für angewandte Kunst in Wien Malerei bei Maria Lassnig. Seit 1998 leitet sie als Professorin die Klasse für Malerei und Grafik an der Kunstuniversität in Linz

Die Schweizer Künstlerin Anna Meyer, die seit über 20 Jahren in Wien lebt, nimmt mit ihren Bildern und Miniatur-Architekturmodellen von Stadtlandschaften und deren BewohnerInnen kritisch Stellung zu aktuellen gesellschaftlichen Phänomenen wie Globalisierung, Kapitalismus, Klimawandel, Konsum, politische Machtausübung, soziale Prekarität und traditionelle Rollenverteilung. In formalem Gegensatz zu ihrer düsteren Gegenwartsanalyse stehen das schrill-farbige Kolorit und das lichtdurchflutete Ambiente ihrer trashig-humoristisch angelegten figurativen Bilder und Objektinstallationen. Diese durchsetzt sie mit emotionalisierenden, dem urbanen Sprachgebrauch entnommenen Schlagwörtern und Symbolen.

malerin ( klasse ashley hans scheirl/ daniel richter/ gunter damisch an der akademie und CSM in london) zahlreiche ausstellungen im in- und ausland / Preise/ Sammlungen/ Stipendien. AN INTELLECTUAL SAYS A SIMPLE THING IN A HARD WAY. AN ARTIST SAYS A HARD THING IN A SIMPLE WAY. Charles Bukowski MICHA WILLE SAYS EVERYTHING IN HER OWN WAY. Endorsment: Charles P. Kipplatzer-Swift, NY

Satirisch-ironisch, aber auch böse-zynisch erscheinen meine Fotografische Inszenierungen. In ihnen zeige ich Augenblicke, nehme mir den Höhepunkt einer Geschichte heraus und lasse das Narrative und Szenische ins Surreale kippen. 
Die Bilder zeigen Organisationsformen, deren Struktur in mancher Hinsicht an die Stoffe aus Theater und Film erinnert. Gelebte und gesehene Szenarien werden zur Fiktion, die das Gewöhnliche Ausserordentlich erscheinen und ins Absurde gleiten lassen. Eine Wirklichkeit eigener eigener Ordnung zwischen Alltag und poetischer Form.

Laura Põlds work deals with the subjective impressions of territory and habitat. She combines the history and qualities of places with her material-specific works, which include ceramics, sculpture and installation, text, video and painting and are interwoven with context-specific elements. Collaborations are a fixed point of her work, the topics include artistic research in the fields of queer / feminist ecology and "material agency". Laura Põld (* 1984) studied ceramics at the Estonian Academy of Arts (2003 - 2007), painting at the University of Tartu, Estonia (2007 - 2010).

Lazar Ljutakow wurde 1977 in Schabla, Bulgarien, geboren. Er studierte an der Nationalen Kunstakademie in Sofia und schloss 2005 sein Studium an der Akademie der bildenden Künste in Wien ab. Sein Werk ist multimedial und erforscht die globalen Prozesse der Produktion und des Konsums.

jg 1963, wien lebt & arbeitet wien & nö schule f künstlerische photographie akademie d bildenden künste wien multimediale arbeit zu phaenomenen des unbewussten, der sprache, der subjektivität und zeit. poesie. zunehmend gerne auch kooperationen.

Informed by a back- ground in Sociology, I try to speak to larger issues concerning the figure in a modern-day environment and therefore, humanity, as it engages with a society that is (technologically) advancing and changing at an accelerated rate. I often deal with the social consequences of the introduction of new technologies. In this context, the classical medium of painting serves as a level of reflection in order to be able to think about technological processes and their effects in a world of daily flooding with digi- tal content. Bernhard Buhmann (1979), Master degree Painting, Angewandte, Vienna (2010) and Sociology and Communication Science at University of Vienna (2006).

Seit Mitte der 1990er Jahre hat sich Flora N. Galowitz, so der derzeitige Künstlerinnenname von Flora Neuwirth, eine vielfältige künstlerische Sprache erarbeitet, die sich in Form von Skulptur, Zeichnung, Video, Text und Artistbooks, aber auch Performances und Projekten im öffentlichen Raum immer wieder neu formuliert. Ihre Produktionsprozesse sind einfach nachvollziehbar, und ihre Arbeiten sprechen von den Dingen, die uns in unserem Alltag begegnen. Die Künstlerin reagiert auf die Gegenwart und findet gleichzeitig die Poesie im Vergangenen und im Erfassen des eigenen Narrativen.

Bernhard Frue geht in seinen Arbeiten oftmals von biografischen Momenten und alltäglichen Beobachtungen aus, die er mithilfe unterschiedlicher Verfahren der Transformation in modellhafte Situationen übersetzt. Dieser Prozess der Übertragung fragmentiert die ursprünglichen Bezüge zum Ausgangsmaterial so, dass sie nicht mehr als Überbau präsent sind, sondern ein Spannungsverhältnis zwischen Idee und Bild, zwischen Index und Symbol erzeugen. Der Aspekt des Grafischen spielt immer wieder als Ausgangspunkt und Bezugssystem eine zentrale Rolle in der künstlerischen Praxis von Bernhard Frue.

Ausgehend von meiner Tätigkeit als Fotografin für Kunstinstitutionen und Künstler*innen reflektiere ich auf die Fotografie als reproduzierendes Medium und der Problematisierung der Transformation des 3-dimensionalen Objektes in ein 2-dimensionales Medium. Ich beschäftige mich mit dem Verhältnis von Original und Reproduktion, der Transformation vom Bild zum Abbild und den damit einhergehenden Bedeutungszuschreibungen, die sich durch die jeweilige gewählte Aufnahmetechnik immer weiter verschieben. Die Arbeit „Failing the Original“ bezieht sich auf die Kopiertechnik und die Tradition des Gipsabgusses, die Arbeit „Multititled“ beschreibt die Produktion eines „Originals“, eines Bleigusses und sei

... vorwiegend befasse ich mich mit Leder/Haut. Dazu verwende ich meist haltbargemachte Rinderhäute. Speziell „Ausstoßhäute“, die für einen bestimmten Artikel „nicht gut genug sind“. In den letzten Jahren kommen nun verstärkt auch andere Materialien hinzu. Seien dies nun Unfallmotorhauben, in denen der Zustand des Unfalls konserviert wurde und dieser durch eine neue Lackierung „kaschiert“ wird oder Ringgeflechte und Versatzstücke aus der fleischverarbeitenden Industrie. Teile aus Kriegen wie Ledergamaschen oder Lebensmittelsäcke aus der Zeit des Marshallplans. Einen wesentlichen Teil bilden auch großformatige Frottagen, die Räume und Flächen dokumentieren .....

"Letztendlich entfalten die Arbeiten des wohl klassischen White Cube-Künstlers Eduard Tauss ihre Wirkungsmacht im Display. Die Modalitäten der Präsentation sind variabel und das breite Darstellungsspektrum reicht von Bodenobjekten bis zu Arbeiten, die lehnen, auf einem Podest liegen und an der Wand hängen. Es geht um vieles in dieser Kunst: um eine nicht-affirmative Ästhetisierung des Mediums, um das Einwirken physikalischer Kräfte während der Produktion, um Strukturaufweichung und um die Tautologie des Zähflüssigen. Aber vor allem geht es auch um eine sich im Raum entfaltende Malerei, die das Momentum der Interaktion zwischen Künstler und Material inszeniert." Angela Stief, Matter Matters

HEKATE film collective supports the production and distribution of queer and migrant film practises in Vienna. Founded by artists and filmmakers İpek Hamzaoğlu and Laura Nitsch HEKATE base their understanding of filmmaking and filmdistribution on feminist and collabrative practices and longs to grow through various future projects. In 2020 HEKATE developed, produced and filmed together with Sophie Thun, Katharina Aigner, Malu Blume, Sebastiano Sing, Sophie Utikal and Katrin Euller.

Ich wurde 1992 in Polen geboren, seit 2014 lebe und arbeite ich in Wien. 2016 erwarb ich einen Master of Fine Arts an der Akademie der Bildenden Künste in Krakau. In Wien studierte ich zwischen 2014 und 2016 and der Universität für Angewandte Kunst bei Prof. Brigitte Kowanz und an der Akademie der Bildenden Künste bei Prof. Daniel Richter. Ich habe in Polen, Österreich und der Schweiz ausgestellt. In meiner Malpraxis, die seit rund 10 Jahren meine Hauptbeschäftigung ist, erforsche ich weiterhin die Möglichkeiten meiner Bildsprache, wobei der Entstehungsprozess ein Effekt eines bildhaften Denkens auf der Grundlage einer freien Improvisation ist.

Sophie Esslinger (*1996 Linz, lebt und arbeitet in Wien) studiert seit Herbst 2017 Bildende Kunst (Klasse Jan Svenungsson) an der Universität für angewandte Kunst Wien. Sie arbeitet hauptsächlich mit den Medien Malerei und Zeichnung, fokussiert dabei besonders deren Gegensätze und Überschneidungen. Wesentlich für die künstlerischen Auseinandersetzung ist die Wahrnehmung. Das visuelle Abbilden reflektiert formal-ästhetische Beziehungen, die zwischen dem Bekannten, dem Unbekannten und Abstrakten changieren. Ihre Arbeiten wurden bereits in diversen Ausstellungen im deutschsprachigen Raum präsentiert.

Mein Hauptaugenmerk lege ich auf die verschiedenen Erscheinungen des Zerfalls und die mit ihr verbundenen Assoziationen. Ich suche so die ideale Form der Unvollständigkeit sowie die Vollständigkeit im Zerfall. Die Bildsprache der Comics ist zeitlos und universell und bietet einen großen Spielraum für mich. Mittlerweile habe ich eine andere Sichtweise auf Comics. Die liefern mir den idealen Rohstoff um Themen wie Angst, Verwirrung, Identitätsverlust oder Heldenkult zu bearbeiten. Bei mir steht die Welt der Superhelden Kopf , balancierend zwischen Chaos und Ordnung.

Thematisch werde ich in diesem virtuellen Studio mein Projekt „Unfinished histories“ zeigen, ein künstlerisches Forschungsprojekt das die vergangenen und gegenwärtigen Spuren des Kolonialismus in Lateinamerika untersucht. Ausgehend von der Südamerika-Expedition Alexander von Humboldts habe ich dieselbe Route mehr als 200 Jahre später wieder bereist und die historischen Beobachtungen Humboldts einer zeitgenössischen Korrektur und Neubetrachtung unterzogen. Eine künstlerische Dokumentation zu dem Projekt finden sie auf dieser Website: https://humboldt.glandienale.de Gezeichnete und animierte Avataren werden auch durch die virtuelle Ausstellung in meinem Studio führen und die Werke erläutern.

Ekaterina Shapiro-Obermair, born in Moscow in 1980, has lived and worked in Vienna since 2004. From 1999 to 2009 she studied painting and sculpture in Nuremberg and Vienna. She has received awards from the Pollock-Krasner Foundation and the Theodor Körner Fonds, among others. Her works have been shown in international galleries, museums and institutions. Using the media of drawing, sculpture and video, she links art historical knowledge production and investigates the interrelationships between ideology and form. Based on biographical experiences, she repeatedly addresses the question of the channels through which identities are shaped and what visual expression this results in.

Olaf Osten, *1972 in Lübeck, studierte Grafik in Hildesheim (D) und Dublin (IRL). In Form von Zeichnung, Malerei und Film versucht er, so direkt wie möglich auf den Moment zu reagieren und fragt dabei auf vielschichtige Art nach dem, was uns bewegt und lokalisiert – fokussiert auf die Ambivalenz zwischen Unterwegssein und Innehalten. Er nahm an zahlreichen Ausstellungen im In- und Ausland teil und ist regelmäßig interdisziplinär tätig – zu den Projektpartnern gehören u. a. das mumok, die Wiener Festwochen oder das Impulstanz-Festival. Seine Arbeiten sind u. a. im Besitz des Wien Museums, des International Peace Institute, des Complexity Science Hub Vienna und der Arbeiterkammer Wien.

Cristina Fiorenza ist eine neapolitanische Künstlerin die zwischen Wien und Neapel arbeitet. Sie beschäftigt sich mit Malerei, Collagen, Installationen und Keramik. In zahlreichen Ausstellungen in Österreich, Italien, Deutschland und den USA hat sie sich mit der Interpretation von Lebenswelten und Erinnerungen auseinandergesetzt. In ihrer Malerei und den Collagen tauchen nebenden den Menschen immer wieder Tiere, die wilde Natur, Monster und von menschenhand geschaffene Architektur auf. Spontane Architektur und das Spannungsfeld zwischen Metropole und Natur sind auch die Themen ihrer Installationen. In ihrem Atelier in Wien befindet sich auf zwei Ebenen eine Keramikwerkstatt und ein Arbeit

Xenia Hausner lives and works in Berlin and Vienna. She studied stage design at the Academy of Fine Arts in Vienna and at the Royal Academy of Dramatic Art in London. Since 1992 Xenia Hausner has worked exclusively as a painter. Her works are shown internationally in galleries, art fairs and museums in Berlin, Vienna, Venice, New York, St. Beijing, Hong Kong and Sydney. Hausner's large-format paintings show relationship themes in which the female figure is the central focus. Self-determined, thoughtful women create a female cosmos in which gender-specific behavior and conventional orders become fragile.

Participating artists: Elodie Grethen, Julia Maria Gruber, Malte Laslo Katthagen, Soli Kiani, Ryts Monet, Yoshinori Niwa, Yuji Oshima, Julian Palacz (Photo: Katja Stecher, VAW 2019)

Andreas Fogarasi beschäftigt sich in seinen Installationen, architektonischen Interventionen, Skulpturen, Videos und Fotografien mit dem Akt des Zeigens und der Repräsentation. Formal aus Minimal Art und Konzeptkunst gespeist, sind Fogarasis Werke dokumentarisch und autonom skulptural zugleich. Fogarasi wurde 2007 auf der 52. Biennale in Venedig mit dem Goldenen Löwen ausgezeichnet, 2016 erhielt er den Otto Mauer Preis. Einzelausstellungen u.a.: Kunsthalle Wien; Georg Kargl Fine Arts, Wien; Proyectos Monclova, Mexico City; Galerie für Zeitgenössische Kunst, Leipzig; Museum Haus Konstruktiv, Zürich; Prefix ICA, Toronto; Museo Reina Sofia, Madrid; Ludwig Forum, Aachen; MAK, Wien

Ich Arbeite seit ca. 28 Jahren als freischaffende Künstlerin in Wien Meine Malerei basiert auf einer überlagernden Bildschichtung und deren nachträglicher Bearbeitung, diese Arbeitstechnik habe ich über viele Jahre entwickelt und erweitert. In meinem Schaffen befasse ich mich gezielt mit dem Thema Malerei und ihren Möglichkeiten einer Weiterentwicklung innerhalb dieser Thematik. In dem ich zum teil die Geschichte der Moderne in meiner Arbeit zitiere, deren Illusionismus desillusioniere und mit deren Tradition spielerisch breche, indem ich mich auf die Geschichte konzeptueller und neoavantgardistischer Paradigmen beziehen. Auch meine Skulpturen sind in der Malerei verankert.

Denise Rudolf Frank, born 1993 in Vienna, studied fine arts at Central St. Mar-tin's College in London and at the Academy of Fine Arts in Vienna. Her art is a passionate plea to enjoy life. A call to action. Her powerful, sensual handwriting tries to touch and bring to the surface the deep, boiling impulses of the human being - a process that is both deeply intimate and cathartic. In her practice she becomes an energy center that seeks friction with personal and social conventions, rules and established structures - with temperament and a unique spirit she dreams her very personal world view.

Wir drei arbeiten zwar mit unterschiedlichen Medien, dennoch sind thematische Überschneidungen festzustellen, was unsere gemeinsame Studiosituation, in einer Fabrik in Simmering, besonders macht. Während Ann Muller dreidimensionale Textilobjekte im Raum installiert, die sich mit soziokulturellen Codes auseinandersetzen, arbeitet Stine Olgod vorwiegend mit Papier, das sie durch Flechten/Collagieren zu illustrativen Figuren und Objekten formt, welche sich daraufhin zu einer eigenen Welt aufbäumen. Laura Hinrichsmeyer´s Praixs dagegen changiert zwischen Malerei und Bühnenbild, wobei sich malerische Wandarbeiten in hierarchische Beziehung zu dem von ihr gebautem „unmöglichen Inventar“ setzen.

Xenia Lesniewski ist bildende Künstlerin und lebt und arbeitet in Wien. Ihre künstlerische Arbeit umfasst kollaborative Projekte, performative Situationen sowie interdisziplinäre Zugänge. Ihr Oeuvre bewegt sich an der Schnittstelle von Kunst und Leben sowie innerhalb der Auseinandersetzung mit gegenwärtigen gesellschaftlichen Entwicklungen und dem öffentlichen Raum. Ihr Interesse liegt im gestalterischen Aktivismus und theoretischen Diskurs sowie in der nahtlosen Einbettung von künstlerischen Interventionen in das alltägliche Umfeld. So beinhaltet ihre aktuellste Medienperformance „Josef Boys 2k20“ beispielsweise die Teilnahme an einem öffentlichen Reality-TV-Format und dessen Verwertung.

Céline Struger, born 1982, works with sculpture and installation. Her focus is on the renegotiation of places, she deals with the themes of post-capitalism, ecology, mythology and human perception. In her floor sculptures ("Floor Stills") she takes up the reduced formal language of modernism, which she juxtaposes with opulent, semi-figurative ceramic sculptures. The artist received grants from AIR Krems, the Québec Art Council and the Daegu Art Foundation. She has exhibited at Mauve Vienna, MODEM Debrecen, Kunstverein Kärnten and Forum Stadtpark. Struger lives and works in Vienna.

The Japanese artist Haruko Maeda (born 1983 in Tokyo) produces works of art of the very highest quality: paintings, drawings, and sculptures. In her syncretistic depictions, which are often based on historical models and suspend time in a static medium, the artist critically examines female discrimination in patriarchal societies and addresses omnipresent mechanisms of repression, Asian beliefs, and the animistic soul of all things through a permanently present metaphor of death. text: Angela Stief

Tracings Spaces, 2012 von Michael Hieslmair und Michael Zinganel gegründet, produziert recherche-basierte Kunstprojekte, Publikationen und künstlerische Vermittlungsformate zu Urbanismus, Mobilität und Migration. Seit 2015 betreiben beide gemeinsam ein Atelier und einen Projektraum am Nordwestbahnhof, dem letzten innerstädtischen Logistik-Knoten Wiens, wo eingebettet das Milieu der Logistiklandschaft sukzessive eine mehrschichtige multimediale Kartografie der Logistik-, Migrations- und Mobilitäts-Erfahrungen und Rituale von hier tätigen großen Unternehmen, Individuen – und Fischen – entsteht.

Gabriele Rothemann verschränkt Zeichnung, Fotografie und Installation. Sie zeigt Transferprozesse für Konzepte, die einer Idee entspringen und unterschiedliche Anwendungsgebiete in der künstlerischen Fotografie beleuchten. Verknüpfungen, Assoziationen und Spannungsfelder der menschlichen Natur erzeugen Erinnerungsbilder, die in ihren Ausdrucksformen auch soziale Querverweise beinhalten. Gabriele Rothemann leitet seit 2001 als Professorin die Klasse Fotografie/Bildende Kunst an der Angewandten.

Hannah Neckel ist eine New Media Künstlerin, based im Internet und studiert derzeit Transmediale Kunst an der Universität für Angewandte Kunst Wien. Der Schwerpunkt ihrer künstlerischen Arbeit liegt in der ontologischen Untersuchung des Realitätsbegriffs, der sich auf Grund des raschen technologischen Fortschritts in den letzten Jahren unter starker Veränderung wandelt. Ihre Multimedia-Arbeiten beschäftigen sich mit der Verschmelzung unserer Wahrnehmung durch Online- und Offline-Welten und deren Einfluss auf unsere Gefühle und Identität.

Moreno kombiniert eine Vielfalt von Medien und Techniken wie Collage, Zeichnung und Papierassemblage Themen der Emotionalität wie Irrationalität, Liebe und Verzweiflung, aber auch weiter gefasste Themen wie das Anderssein und der menschliche Zustand sind in Morenos Werk präsent. Unter dem Pseudonym "Mosta" erweiterte sie ihre Bildsprache mit dem Medium Malerei nur im öffentlichen Raum, wo sie ständig andere Kontexte und Formate erlebt. "In meiner Arbeit versuche ich, Farbe, Form und Textur in unbekümmerten, fröhlichen und spontanen Figuren und Körpern zu verbinden. Indem ich verschiedene Interaktionen dieser drei Elemente artikuliere ich die Produktion figurativer und abstrakter Bilder.

Dr. Sonja Stummerer und Martin Hablesreiter studierten bei Hans Hollein und in London Architektur. Ein lang arbeiteten sie für Arata Isozaki in Tokyo, ehe sie 2003 das transdisziplinäre Studio honey & bunny gründeten. Sie verstehen sich als Inbetweeners und arbeiten an den Schnittstellen von Wissenschaft, Kunst und Design. honey & bunny stellte unter anderem im Londoner V&A, im Wiener MAK, im Mailänder Palazzo Triennale, im Museum August Kestner in Hannover und im Wiener MQ aus. Sie performten im Ö Kulturforum in New York, im NHM Wien, im V&A in London oder für die Paris Design Week. honey & bunny publizierten bis jetzt 4 illustrierte Bücher. Im November werden es 5 sein.

Since 2007 Gabriele Fulterer (Akad.d.Bild.K., B.Gironcoli) and Christine Scherrer (U.f.Ang.K, I.Strobl, E.Wurm) have been working as an artist duo. First joint exhibition projects generate from drawing, painting and sculptural set pieces. Drawing and painting then merge into expressively figurative works, in more intimate formats, drawing embroidered, large-format wall painting, especially in public spaces. Abstract picture elements begin to form the framework for figurative content, dissolving it, overlaying it. In 2018 an abstract position develops, in which the gesturally expressive painting and drawing style is further transported in the object-like.

Meine Arbeiten bewegen sich zwischen virtueller Emotionalität und gender-neutraler Darstellung von Körper in einem erweiterten digitalen Raum. In multisensorischen Installationen schaffe ich Dialoge, die von virtueller Erschöpfung, internetbasierter Egomanie, Intimität und Realitäts-Idealisierung geprägt sind. Die Beziehung von Körper und Screen ist hierbei mein Fokus. Ich schaffe hybride Werke an der Schnittstelle von Post-Fotografie, Post-Internet, Text und Malerei. In Verbindung mit Nahkörpertechnologien wie Smartphones und Ipads erforsche ich das Hyper-ich anhand der Oberfläche von Touchscreens.

Fanni Futterknecht studierte Freie Mediengestaltung, Kontextuelle Malerei und Video an der Gerrit Rietveld Akademie Amsterdam, dem Piet Zwart Institut und an der Akademie der Bildenden Künste Wien und befasste sich danach mit live Performance im Rahmen des Programmes Essai des CNDC in Angers Frankreich. Ihre Arbeiten positionieren sich medienübergreifend zwischen Video, Performance und Installation. In ihren Arbeiten reflektiert sie soziale und gesellschaftliche Fragen, welche sie in eine poetische Deutung überträgt. In räumlichen und plastischen Umsetzungen und Übersetzungen sowie mittels Sprache arbeitet die Künstlerin in Form von Performance – Demonstrationen, Videos und Installationen.

We have decided to present 5 artists: Fatima Hatai, who designs and sews the motifs she has created with cloth dolls, has a cheerful and primitive style at the same time. Patricia Musch paints on recycled material: animals, women, flowers, depending on her mood; she also works clay, engraving her motifs on clay surfaces. Michael Coban draws with wax crayons on paper; during the Christmas season he draws only St. Nicholas with the Krampus, while for the rest of the year he draws Viking ships. Dominik Mayer creates freehand comics. Suzanne Dixon draws historical figures and occasionally embroiders.

Annja Krautgassers filmisch-performative Arbeiten sind fest im Kontext der zeitgenössischen Kunst verankert und auch dementsprechend räumlich verortet. In diesem Sinne sind die Arbeiten immer auch Teil eines bestimmtes Diskurses, eines Rezeptionsverhaltens, eines Produktionsvorgangs. Es sind Systeme, die Krautgassers Werke in Retrospektive kohärent und nachvollziehbar machen und eine kritische Reflexion außerhalb ihrer Referenzen ermöglichen. Die Bezüge auf bestimmte (Film-)Szenarien dienen als Ausgangsinspiration, Neuinterpretation und Rückbesinnung zugleich. Aber nicht nur. Es gibt auch das Raue im Hintergrund. Und das macht die Arbeiten doppelt spannend. (Auszug, Gerald Straub)

Constantin Luser (*1976 in Graz). In Constantin Luser's works, lines, words, symbols, abstract and figurative elements condense into bizarre and fantastic visual worlds between reality and imagination. In their omnipresence, the wire structures floating freely in space offer innumerable possibilities of interpretation, whereby the communication of the work with space and the viewer is in the foreground. portrait: Markus Rössle work images: Manuel Carreon Lopez

Robert Bodnar experiments with photography and works on it - in the sense of artistic research. As a "Digital Intermediate" he pursues the transition from analog to digital and the transformation of digital photography to a computational one. He dissects the status of the medium on the basis of phenomena, processes, tools, apparatuses and materials that are of great relevance to "the photographic". Based on these considerations, he generates works that oscillate between classical photography, object & sculpture. Bodnar was born in Prague and lives in Vienna and Lower Austria. He exhibits at home and abroad and is represented in various collections.

Meine Kunst, wenn es eine ist, ist nicht uniform sondern immer anders in Form, Sprache und Erscheinung. Der Grund dafür ist mein Interesse an den inneren Zusammenhängen und nicht an äußeren Erkennungsmerkmalen. Form und Inhalt hängen zwar zusammen, jedoch gehe ich davon aus dass der Inhalt, den ich auch als Kern bezeichnen würde zuerst kommt und die Form dann erst Form annimmt. Weiters gehe ich immer davon aus dass ich meine Standpunkte ändern muss, wenn ich mehr sehen will.

... ist interdisziplinär tätig und setzt Musik, Installationen, Performances und Malerei mit einem starken theatralischen und philosophischen Ansatz ein. Er vereint Biologie und die Rituale der Musik mit der Mode. Seine Installationen beschäftigen sich mit der Erforschung des Lebens als theatralisches Ereignis und Kodifizierungen der Sexualität. In seinen frühen Werken experimentiert er mit der grenzenlosen Freiheit, die die Kunst bietet, verbunden mit Provokation.

Die Musikerin Masha Dabelka (Mariya Aleynikova, geboren in Nowosibirsk, Russland) begann mit musikalischer Früherziehung im Alter von vier Jahren an der Musikschule in Nowosibirsk. Nach zahlreichen kulturellen Aktivitäten in Russland setzt sie 2008 ihren beruflichen sowie studentischen Weg in Wien, Österreich fort. Dort produziert sie elektronische Musik von Ambient bis Techno, Experimental und Drone. Sie ist die Gründerin von Turntablista – DJ Schule für Frauen. Die Turntablista ist auf die Praxis mit analogen Tonträgern spezialisiert sich auf die historische Kontinuität der Entwicklung moderner Musikpraktiken.

Anna Werzowa lives and works in Vienna and Lower Austria. For several years Anna Werzowa has been working with insects, which she processes into kinetic sculptures. Several species are often taken apart and put together to form one object. Machines serve as models for many of her works. The objects are set in motion by wind, water or magnetism. In addition to the often very small, fragile sculptures, some of the installations are space-consuming.

Patrick Rampelotto (born 1978 Vipiteno, Italy) lives and works in Vienna since 1999. After studying Industrial Design, he worked for several years as a furniture designer and at the same time built sculptures from old cups. Now he designs for national and international producers and produces in his studio objects. At the intersection of functionality and exuberance, the trivial and the non-reproducible, misappropriation and appropriation, Rampelotto opens up a space where every fixed boundary between design and sculpture hangs in the balance.

Karin Ferrari uses global media and everyday culture to investigate the present. She studied at the Akademie der bildenden Künste, worked as a curatorial assistant for design at the MAK and almost stopped making art until one night when she posted 'reptilian shapeshifting news reporter' on YouTube. Since then she has been working on her video series DECODING THE WHOLE TRUTH, which claims to uncover hidden messages and is inspired by the knowledge production of digital subcultures. Ferrari's work has been presented internationally such as at the Rubin Foundation, New York, Belvedere 21, Antarctica Biennale, Moscow Biennale for Young Art, Arte and ORFIII.

Cri Wang's work is based on a Nokia C6 cell phone with an implemented drawing program, which is limited to nine colors. What makes the medium special is also the detailed recording of the working process - down to the date and time. In this way, predominantly abstract miniatures are created, which explore the available color spectrum and are worked out in different sizes. The pictures can be perceived as individual pieces as well as highly condensed collages. More recently, the artist has also put together sequences that link the motifs to form visual narratives in the sense of a slideshow.

Dejana Kabiljo creates art, architecture and design for all of us with little weaknesses, bad habits and obsessions. Her objects have an operative functionality that is integrated into the work as a poetic element and thus eludes categorization. They are realized with deep respect for the material, obsessed with excellence. Kabiljo exhibits extensively in museums and galleries, but also in obscure places: Vienna, Milan, Florence, Split, Zagreb, Belgrade, Lausanne, Winterthur, Paris, St.Etienne, Barcelona, Gent, Kortrijk, Brussels, Eindhoven, Moscow, Los Angeles, New York, Beijing and Toky

In his sculptural work, in spatial interventions and collage-like paintings, Merlin Kratky experiments with the exciting contrast between naturalness and the shrill, artificial everyday world. The artist contrasts a monochrome, minimalist expression with manifestations familiar to us. Kratky combines smooth concrete and plaster to create an anatomical reference, placing warm wood tones in chains and expanding the classic panel painting with the natural feel of material structures. The juxtaposition of contrasting conditions, guided by an ironic view of our present, permeates the entire work of Merlin Kratky. ©Esther Mlenek

Die Malerei ist bei Martina Steckholzer dokumentarisch, dekonstruktiv und poetisch. In ihren großformatigen Raumbildern reduziert sie Ausstellungsarchitekturen, Bühnenbilder und Orte des zeitgenössischen Diskurses. Über und durch das Medium und das Material Malerei werden befragt und dadurch begriffen: die Kunst und die Zeit, das Andere und die Anderen. In den Papierarbeiten sind es Gesichter und Körper, die sich in raschem Farbauftrag durch das Pigment in das Hier und Jetzt bringen. Zu den Portraits schreibt Steckholzer bruchstückhafte Texte, die sie je nach Ausstellungskontext den Bildwerken beistellt. Martina Steckholzer, geb. 1974 Sterzing/Vipiteno (IT).

Irena E. und Stijn L. beschäftigen sich in ihrer gemeinsamen künstlerischen Arbeit mit ganz unterschiedlichen Aspekten, die um Mobilität innerhalb geographischer wie sozialer Räume kreisen. Auf unterschiedlichen Wegen gehen Sie den politischen, sozioökonomischen und ökologischen Ursprüngen nach und hinterfragen die sozialen und kulturellen Mechanismen, die da wie dort in Bewegung geraten. Sie nähern sich diesen Parametern auf Reisen und in Gesprächen an, um sie anschließend in Versuchsanordnungen - als performative Parcours und / oder abstrakt-assoziative Wissensräume - zu transferieren und im Kontext künstlerischer Produktion unter neuen Bedingungen erfahrbar zu machen. Juliane Feldhoffer

Michael Lukas was born in Vienna in 1979, where he now still lives and works. He attended fashion school in Hetzendorf, Vienna in 2003 and worked in the fashion industry in the following two years. In 2006 he began his studies at the Academy of Fine Arts where he extended his training to receive a Diploma in Advanced class in 2011. His experience in both fashion and arts gives his works a unique and distinctive quality. His exhibition history includes the Michi Lukas Solo-Show (…es lebe der Zentralfriedhof) at the Mühlgasse studio in Vienna, Harderer. Betterer. Fasterer. Strongerer at Brucennial in New York, Walter Koschatzky Kunstpreis at MuMoK in Vienna, *Grr*(eece) & *Hmmm* at the Athen

Esther Vörösmarty studierte Kunst und Fotografie an der Universität für angewandte Kunst, Wien. Ihr Werk erforscht die surrealistische Lesart "zwischen den Zeilen" des menschlichen Lebens, umgeben von modernster Technologie und entwickelt alternative, soziale Perspektiven. Aspekte wie Unvollkommenheiten oder Tabus finden sich in ihren Arbeiten. Julia Hürner arbeitet sowohl mit analoger als auch mit digitaler Fotografie. In ihren Bildern sucht sie nach Architektur, Stimmungen und manchmal nach dem Unbehaglichen. Sie versteht Fotografie als etwas Objekthaftes, wobei die Materialität eine wichtige Rolle spielt. Sie studierte Fotografie an der Friedl Kubelka Schule für künstlerische Fotografie.

I work with the topics loss and legacy...family history...the archive. Broadly speaking: memory. Ich arbeite mit den Themen Verlust und Vermächtnis...Familiengeschichte...Archiv. Sprich: Erinnerung. Geboren 1964 in Michigan/USA, lebt und arbeitet seit 1989 in Wien. Studium der Germanistik (Amherst College/USA) und der Kunstgeschichte (Uni Wien).

Ich nähere mich meiner Arbeit ähnlich wie ein Archäologe oder ein Ausgräber, der Dinge ausgräbt und arrangiert, so wie ein Museum Objekte, die bei einer Ausgrabung gefunden wurden, von wo auch immer arrangiert.  Der kreative Prozess fühlt sich ähnlich an wie eine Sekretärin, die auf einen Telefonanruf wartet, um eine Idee herumzutreiben und einen Dialog herzustellen: "Ok, verschieben Sie das hier", "Stopp" oder "Hängen Sie mich an die Wand, ich will mich selbst anschauen".  Ich betrachte dieses Konzept als einen Imperativ, um eine zwanglose Beziehung zwischen dem Stück und mir selbst herzustellen.  Ich verwende schrullige Titel, die mich daran erinnern, wenn ich morgens aus dem Bett steige.

We, that is Daniel Ferstl (painting), Simon Iurino (sculpture and painting) and Koloman Kann (painting), apply with our group studio for participation in the Open Studio Days. Our websites are: danielferstl.tumblr.com ; simoniurino.com ; kolomankann.com The website of the 418 Gallery: https://418gallery.com/ Our contact person is Koloman Kann to the illustrated works: Image 3: Daniel Ferstl, "The Cat o Nine Tails", 2020, 160x120cm - Image 4: Simon Iurino "NOT ONLY...BUT ALSO" steel profile, wood, cardboard, fabric,...2016 900x400x400 cm Image 5: Koloman can "Postl, Postl, Postl" 2019, 80x80cm

I combine photography with spatial experience and materiality. Selected places and architectures are starting points where I stage my own body and thus question the local history, the feeling of familiarity and eeriness. Resulting photo series are analogously exposed on surfaces that are related to what is depicted, such as self-cast concrete, sandpaper, leather and especially the wall itself: A photo is exposed directly onto it, the room is the image carrier and a photographic fresco is created. *1978 Vienna, study of applied photography, numerous exhibitions, including Albertina, NCCA Minsk, Konsthall Gothenburg.

Francis Ruyter is an American artist living in Vienna since 2003.