Open Studio Days 2019

Outside the Box – wissenschaftliche und künstlerische Erzählweisen im Spannungsfeld von Humanismus, Feminismus und Digital Data

Zum Abschluss der Open Studio Days werden im Rahmen einer Diskussionsrunde Fragen bezüglich des Mensch-Seins in der fortgeschrittenen digitalisierten Informationsgesellschaft gestellt werden. Es kommen Wissenschaftler_innen und Künstler_innen zu Wort, die ihr eigenes Tun hinsichtlich den Selbstverständnissen einer zunehmend technokratisierten Welt kritisch hinterfragen. Was bleibt vom Humanismus und vom Feminismus angesichts einer von Algorithmen (mit-)bestimmten Lebens- und Arbeitswelt? Kann der einzelne Mensch der Zeitlichkeit des Marktes und der Finanzwelt überhaupt gerecht werden? Hat womöglich die Kunst das Potential hier zu intervenieren und kann sie Auswege zugunsten individueller Selbstentfaltungsmöglichkeiten schaffen? Oder aber sind die bestehenden Systeme (Finanzwelt, Maker Scene im Silikon Valley, Wissenschaftsbetrieb, Kunstmarkt, …) weitgehend voneinander und von künstlerischen Ambitionen entkoppelt? Welche Rolle spielen Kunst und Wissenschaften als Instanzen der Gestaltung von Gesellschaft heute bei gesteigertem Einfluss digitaler Welten?

Artwork: Paula Flores, Foto: Johannes Frauenschuh

Atelier Alice von Alten

I (We) Feel Seen (2017/18) und To Care is Revolutionary (2018)

Lena Rosa Händle

In der gegenwärtigen politischen Situation, in der cis-männliche Kameradschaft, an Macht gewinnt, thematisiert diese Installation Un/sichtbarkeit und Diversität queer-feministischer Künstlerinnen. Die analogen Portrait Fotografien sind Zeugnisse der dialogbasierten Begegnungen in Lena Rosa Händles Residency Studio in New York. Wie werden die Begegnungen und Verbindungen zwischen der Künstlerin und den Protagonistinnen* sichtbar? Sich Zeit nehmen, Sehen, Zuhören und sich auf das Gegenüber einlassen sind Ausgangspunkte dieser Serie, die in weiterer Folge Verbindung, Lernprozess, Wertschätzung und (temporäre) Gemeinschaft produziert.

Unter jedem Portrait hängt gleichwertig gerahmt, ein Text der Protagonistin* zu ihrem Bild. Ein weiterer Text von Lena Rosa Händle eröffnet Beobachtungen, Gefühle und Kommentare zu den Begegnungen. Durch diese zwei Textebenen werden Blicke erweitert, verschiedene Wahrheiten und Ebenen sozialer Ungleichheit sichtbar, sowie Fragen nach dem Portrait gestellt.

An dieser Location ebenfalls zu sehen: Alice von Alten

Lena Rosa Händle, I (We) Feel Seen, Soho in Ottakring, Wien, 2018

MAKING TRUTHFUL STUDIOS

Seit jeher beschäftigt die KünstlerIn die Frage, was ein Atelier ist, sein soll und ab wann frau Künstlerin ist und ab wann nicht mehr. Irgendwann zwischen 8. Und 9. August in der relativen Hitze des Sommers, wo frau also laut Art Week eher nicht auf Urlaub und daher erreichbar sein soll, erreicht sie die open studio Anfrage der Vienna Art Week- die tote Linie ist so knapp, dass am 15. August das fertige Studio im dann hoffentlich kalten November schon fix und fertig visioniert sein soll. Da der 15. August ein Marienfeiertag ist, wo laut einem kundigen Kalender Mariä gegen Himmel gefahren ist, wird die tote Linie übersehen, so wie KünstlerInnen Feiertage übersehen, denn trotz des gigantischen Einflusses des Christentums auf die Bildproduktionen der letzten Jahrtausende haben KünstlerInnen 2019 nur wenig Grund zum Feiern. Zu groß ist ihre Zahl im Vergleich zur Zahl derer, die ihnen Geld für ihre geöffneten Studios geben. Als alleinerziehende und allein verdienende Mutter wendet sich deswegen die Künstlerin in der Hitze des Sommers an die Galerie W&K für Beihilfe zu einem schicken, zentral gelegenen Studio für die Art Week und erhält diese in der Form des von ihr gewünschten altmodischen Appartements gegenüber dem Stephansdom. Irgendwo aus dem Studiofenster knallt einem als Antwort auf die Marienfeiertagsdeadline dann der Dom optisch entgegen, wenn man der Webseite der traditionsreichen Vermieterfamilie glauben kann. Praktisch für das Listing im meist goldenen oder goldigen Magazin der Art Week wird dann die Lage im 1. Bezirk sein, so, dass man sich nicht mühsam durch 30-69 Adressen lesen muss, bis man auf das Studio der Künstlerin trifft.

Aber wann, stellt sich die Frage, hat das Studio überhaupt angefangen? Geht es schon im Kinderzimmer los, fragt sich die Künstlerin? Durch geschickte Vermittlung der Künstlerin hat ihr Kind bereits im Mai bei Croy Nielsen ein kleines Bild in die Einzelausstellung reingeschmuggelt bekommen, obwohl es, das Kind, gar kein Studio besitzt. Die eigene Haut und ein Kugelschreiber, Filzstift oder Lippenstift sind ihm
oft Studio genug.

Der eigene künstlerische Blick der Künstlerin erinnert sich an ein wächsernes Bild eines Fensterguckers aus dem Stephansdom, das irgendwo in ihrer eigenen Kindheit gesehen worden und dann in den Wirren der Leben und Ableben ihrer Vorfahren irgendwohin gekommen ist. Auf den Stephansdom zu kucken, von innen oder außen, scheint daher relevant, aus früheren Wahrnehmungen des KünstlerInnendaseins vor dem sozialversicherten KünstlerInnendasein heraus. Den guckenden findet man schnell im Internet.

Das man nicht nur voyeuristisch in das Studio hinein, sondern auch relevant aus dem Studio heraus schauen können soll, erscheint der Künstlerin ein Qualitätsmerkmal.

Wie der Meister Fenstergucker hat sie einige Jahre während ihres Studiums aus dem Nordatelier im Erdgeschoß hinauf durch die sehr hoch gelegen Fenster Richtung Schillerplatz geblickt und Sonnenstrahlen vermisst. Einige Jahre später wurde dieses Erdgeschoßatelier zu einer Mensa mit abscheulich schmeckendem Pressfleisch, woraufhin sie wegen dieser Unkultur des Essens in der Akademie ihre Professur kündigte. Das neue Atelier für die Vienna Art Week 2019 hat daher eine Küche und nicht nur- auch wenn sehr en vogue- wie das vorhergehende, eine Wasserkocherküche.

Man kann also praktisch veranlagte Sammler und SammlerInnen und Sammlerdiverse einladen, die etwas zum allgemeinen Wohlergehen beitragen wollen und kochen.

Elke Silvia Krystufek, Foto: Martin Ulm

Open Studio Barsuglia

What We All Lack, 2019 HD-Video, Videostill

Nebra Scheibe_aus der Serie _noosphere 120x160cm c-print auf Dipond

Die Artefakte des in Wien lebenden Künstlerduos Hanakam & Schuller sind häufig Gestaltwandler, verändern ihre äußere Form und tauchen in unterschiedlichen Kontexten wieder auf. Als Kunstschaffende und Forschende gestalten Markus Hanakam und Roswitha Schuller die Regelwerke der bildenden Kunst um und bauen in Videos und Objekten an eigenwilligen Ordnungen und neuen Weltentwürfen.

Ebenfalls an dieser Location: Suse Krawagna

HanakamSchuller: Pomp Sleighs, 2017 (c)Tamara Rametsteiner, Galerie Krinzinger

ON VIEWING, ON REMEMBERING, ON REMEMBERING FALSELY, ON RESIGNING

Wahrnehmungsinhalte sind Konstrukte, von biologischen, psychischen und sozialen Bedingungen
abhängige und daher instabile Konstrukte.
Mehr oder weniger meine gesamte künstlerische Arbeit entsteht unter dem Eindruck dieses Umstandes.
Als eine Gemeinsamkeit der verschiedenen Ansätze, die ich dabei verfolge, kann die Überlagerung von
Wahrnehmungsversionen gelten. Damit gehen verräumlichende Prozesse einher, deren Resultate oft
nicht vorhersehbar und oft nicht erinnerbar sind.

On Viewing, Herbert Hofer

MAHROUM / AUSGESCHLOSSEN

„Was ist Freiheit und was bedeutet sie“, fragte Hannah Arendt unlängst in einem posthum veröffentlichten Essay. „Begreifen wir sie nur als die Abwesenheit von Furcht und von Zwängen oder meint Freiheit nicht vielmehr auch, sich an gesellschaftlichen Prozessen zu beteiligen, eine eigene politische Stimme zu haben, um von den anderen gehört, erkannt und schließlich erinnert zu werden?“

Ohne anzuklagen meldet sich Soli Kiani zu Wort. Ihr medial breit angelegtes Oeuvre reicht von Malerei und Skulptur über Zeichnung und Collage bis zu Fotografie. Auch in den sogenannten „plastischen Malereien“ verhandelt sie symbolisch den Raum, den sie zum Leben und Arbeiten bedarf: Die in Farbe getränkten Textilien aus Leinen türmen sich in getrocknetem Zustand zu riesigen, ortsspezifischen Werken in Grauschattierungen auf. Sie tragen Reminiszenzen an die Kultur, in der die Künstlerin sozialisiert wurde, und erinnern an Zelte wie Tschadors übersetzt heißen.

Text: Angela Stief

Pic by Armin Plankensteiner, "2=1", Soli Kiani @ Galerie Lisa Kandlhofer:Project Room.

kozek hörlonski WAR Performance innerhalb der Ausstellung Sauna, Schloss Laudon Wien 2011, Foto: Tobias Pilz, © Bildrecht Wien 2019

Ebenfalls an dieser Location zu sehen: Hanakam & Schuller

2017,-AcrylMarker_Lw,-200x160cm

Timber, 2017 Diverse Hölzer, Acryl, Glas, Lack, Leinen, Messing Bildobjekt 140 x 130 x 15cm Systemkörper 5,2 x 5,2 x 195cm Bodenplatte 2 x 208 x 20,5cm © Eric Kressnig / Bildrecht Wien

Titel: Medineo, Mehr-Kanal-Foto-Video-Installation, 2019 Credits: Wolfgang Lehrner

Atelier Lotte Lyon

credit: Josh Müller, 2018, aus ‘A Face that Turns its Face Away’

Roman Pfeffer, Kultivierte Zierpflanze VI, 2011, c-print 60x40cm, c Bildrecht

According to the artists, photo studios are spaces in which norm structures of our society, in particular in relation to gender, sexuality and body, become visible in a compact form. In the displays, the highlights of the (heterosexual) family biography are often presented. At the same time, one often encounters stereotypical depictions of femininity and masculinity with regard to the subjects shown, poses, facial expressions, image composition, etc. The photographic works of Lisa Grosskopf and Shiri Rozenberg are not at first glance different from those of conventional, traditional photo studios. On closer inspection, however, the viewer may discover atypical as well as unexpected images. For example, female body builders, men in female connoted poses or queer family constellations can be seen.

curated by Christine Bruckbauer

www.shirirozenberg.com
www.lisagrosskopf.net

Untitled(Fiucus) with rocks, 2018

I am interested in the dynamics of relationships and encounters both on a public and intimate level. Inspired by daily observations and self-reflection, I am testing my own borders and the ones of others. In my work, I try to document these experiences, extensively in the form of photography and video.

In my recent works, I include my family members and perform with them in front of the camera. Thereby I explore the authenticity of the video as well as the effect of my artistic practice on my personal relationships.

Screenshot von “Our Merry Green Land”

In „Times of Dilemma“, „Ruf gegen die Grenze“ oder Barbara Holubs Langzeitprojekt „Die Blue Frog Society“ hinterfragen die KünstlerInnen oftmals die Rolle von Grenzen – vorgestellten, tatsächlichen, temporären, geografischen, fiktiven, gesellschaftlichen, persönlichen – sowie Grenzen von Werten, Grenzen des Wachstums, der Machbarkeit, der Verantwortung, Grenzen zwischen „Hochkultur“ und „Volkskultur“. In performativen Interventionen werden die Beteiligten zu Akteuren für „stillen Aktivismus“.

foto: "Times of Dilemma", in "The Island is What the Sea Surrounds", European Capital of Culture/ Valletta 2018 credit: transparadiso

SOCIETY OF SUPA O

 

„In der Tiefe verborgen und doch direkt unter uns hat sich eine Parallelwelt aus unseren Gedanken, Träumen und Taten geformt. Ein leuchtender Pudding, ein kollektiver Körper, ein gemeinsames Organ, das sich uns dieser Tage nicht ohne Grund zeigt. Es birgt in sich die Chance, Entscheidungen zu treffen, die unsere Geschichte in eine neue Richtung lenken können.“ (SOCIETY OF SUPA O) 

Vor einigen Monaten wurde in Österreich bei Probebohrungen eine ungewöhnliche leuchtende puddingähnliche Masse entdeckt. Unlängst von internationalen Wissenschaftler_innen als Superorganismus klassifiziert und mit dem Kosenamen „SUPA O“ versehen, widmet sich nun die SOCIETY OF SUPA O (SOS) diesem mysteriösen Fund und seinen Folgen für die Menschheit. Die kürzlich noch im Geheimen operierende Gesellschaft lädt im Rahmen der OPEN STUDIO DAYS 2019 zu einer Forschungsreise in die Tiefen des SUPA O Universums in ihren Ritualraum im 2. Bezirk (Castellezgasse). 

Atelieransicht

ZUSAMMEN

‘Zusammen’ is an ongoing artistic research project where we are predominantly trying to come up with a common language through which people can experience different conceptual, visual and sensual experiences. The starting point is always the same, a pictogram of a house taken from Otto Neurath’s chart showing population density in the Metropolis. We associate it with ‘Living together’ which is often used and abused as part of a political agenda. We are focusing on making variations of the pictogram using spatial strategies as well as different materials.

www.elifsusler.com

www.merveakyel.com

Elif Susler, The void is where the home is, and it is red, black and yellow, 2019, Mixed Media,Dimensions Variable

Der Raub der Proserpina eröffnet die Möglichkeit in den Bildkosmos von Johannes Deutsch mit seinen computergenerierten Bildern einzutauchen. Die vielschichtigen Überlagerungen erschließen sich der Betrachtung nach und nach. Im Zentrum steht nicht die Wiedergabe einer antiken Handlung, sondern die Faszination an der kulturellen Geschichte der Menschen und den Erzählungen und Vorstellungen, die sie hervorbrachte. Durch die Kunst können diese Bilder wieder lebendig gemacht und weiterverwandelt werden und schließlich mit unseren eigenen Vorstellungen in Dialog treten. Eine besondere Qualität des Zyklus ist die narrative Offenheit, die uns als BetrachterInnen mit unseren eigenen Assoziationen in das Bildgeschehen involviert.

Johannes Holzmann, Kurator der gleichnamigen Ausstellung 2018 im Museum Angerlehner, Thalheim/Wels 

Johannes Deutsch 'Unterweltübergang I - Phase Ic', 2014-2016, Fujiflex 99x107cm, 'Der Raub der Proserpina' Zyklus(1)

performative thinking

In meinem Studio praktiziere ich eine Art des Arbeitens, die ich als performatives Denken bezeichnen würde. Ausgehend von bereits vorhandenen künstlerischen Arbeiten entstehen durch ein ständiges Kombinieren, Reagieren und Integrieren Bezüge die das komplexe Spannungsfeld von Individuum und Gesellschaft aus einer persönlichen Reflexion heraus entwickeln. Sowohl die Studiowand, der Boden als auch mein Körper und der Raum selbst dienen mir dabei als Orte, die diese Auseinandersetzungen einerseits vorantreiben und andererseits sichtbar machen. Die Bezugspunkte verändern und erweitern sich dabei ständig.

Es geht mir dabei in erster Linie darum, anhand von vergänglichem Material und Strukturen diese Praktiken des Beobachtens, Bewertens, Hervorbringens und Aneignens sichtbar zu machen.

Atelier Maria Hanl

Elevator Paintings – SHORTCUT (studio view) charcoal / acrylic on canvas, 2015 200 x 330cm Foto: Peter Kainz

Atelier Rudi Stenzel

Atelier Julia Avramidis, Fotocredits: Clemens Kaletsch, Wien

Alexandra Baumgartner, Introspection, 2018, Pigmentdruck/ Installationsrahmen, 60x37x37cm Foto credit: Geo Reisinger

© Birgit Graschopf 2019

NATURmatic

Natur im Austausch

In einer ehemaligen Autowerkstatt setzen sich sechs Positionen mit dem diesjährigen Thema MAKING TRUTH auseinander. Maria Grün hat in ihr Atelier fünf weitere Künstlerinnen – Maria Bussman, Regula Dettwiler, Eva Grün & Maria Muhar, Anna Werzowa – eingeladen, die sich mit der formalen Sichtbarkeit der Natur, ihrer Rekonstruktion und Neuzusammensetzung beschäftigen. Organisches, adaptives Rohmaterial wird herangezogen, um eine neue Natürlichkeit zu konstruieren. Hier begegnet man bewegten Körperteilen, die an Cyborgs – menschliche Maschinen – erinnern, technisch betriebenen Insektenwesen, artifiziell bearbeiteten Dickblattgewächsen und dystopischen Landschaften. Die Natur wird fragmentiert und manipuliert. Alle Arbeiten beleuchten gesellschaftliche Aneignungsprozesse von Natur. Sie erweitern das Verständnis davon und suchen nach neuen Definitionen: Der Mensch als „Prothesengott“ und die Natur als Teil einer artifiziell gestalteten Umwelt?

www.mariabussmann.org/home.html
http://www.reguladettwiler.com/
https://eva.einfach.org/
www.mariagruen.org/
http://www.annawerzowa.at/

Maria Grün: Mollusk, Foto: Max Berner

ON Forms 50x60 cm © by Sascha Reichstein

© Michaela Schwentner 2018

Borjana Ventzislavova, Real Games 2019, five channel video installation. Courtesy of the artist

redits Victoria Coeln — Raumverwebung RasterSanktStephanWien@RundeEckeLeipzig Ehem. Stasi-Zentrale, Lichtfest Leipzig 2019 ©AtelierVictoriaCoeln_Bildrecht

I Alone Can Fix It

Sowohl dem Kunstwerk, als auch den KünstlerInnen gegenüber gibt es überhöhte Erwartungen, mit denen RezipientInnen und KünstlerInnen zu kämpfen haben. Ich zeige neuerliche zeichnerische Versuche, inmitten meines Gesamtkunstwerks Ordnung  und Überblick zu schaffen.  Dabei findet ein ständiger Perspekitve- und Wertewechsel statt , sodass sich das Netzwerk der Arbeiten von Mal zu Mal verschiebt. Implizit ist das Scheitern des komplexen und paradoxen Unterfangens und die Darstellung meines Umgangs damit.

Atelier Birigt Zinner

Das Bild als Wahrheitsmaschine oder wie der Posthumanismus auf die Leinwand kam

In unseren aktuellen Arbeiten erforschen wir die Grenze zwischen Gewordenem und Gemachtem, Fleisch und Metall, de- und reaktivieren verschiedene Repräsentationsmodi, Narrative und Techniken, legen mit den Mitteln der Abstraktion Schicht für Schicht die Spuren einer brüchigen Gegenständlichkeit frei.

AsgarGabriel untitled I 2019

Wahrhaftigkeit

Angelehnt an das Album Monoliths and Dimensions der Band Sun O))) zeigt Gerhard Himmer großformatige Leinwandarbeiten in seinem neu bezogenen Atelier in der Gumpendorfer Straße 72 in Wien Neubau.

Musik, vergleichsweise lange Stücke mit sehr langsamen Rhythmen und aufgebrochenen Takten, die mit tief brummenden Klängen gefüllt sind, und ihre Wirkung auf atmosphärischer Ebene entfalten, werden von Himmer in abstrakt monochrom anmutende Kompositionen übersetzt, die aus dem Zusammenspiel von Schwerkraft, Spannung und Reibung sowie chemischen Reaktionen entstanden sind.

Die Bilder erwecken dabei den Anschein, als wären sie von einem System erzeugt worden, das strengen Regeln folgt, aber auch experimentell mit dem Zufall spielt. Im Kontext der Malerei erfährt das Experiment eine Bedeutungsverschiebung, es wird zum Ritual.

Foto Gerhard Himmer

Atelieransicht

Ich glaube schon, dass Kunst noch immer wahr sein will. Das bedeutet ja gerade nicht, vom Ego getrieben, eine Wahrheit generieren zu wollen. Es ist schon etwas dran, wenn Ludwig Wittgenstein den Künstler als Realisten sieht, von dem er – etwas pathetisch – sagt, dass er „die Welt heilt, indem er sie sieht, wie sie ist.“ Schauen also, statt Wahrheiten eigenmächtig zu konstruieren. Ins Ganze schauen. Wenn ich Kunst sage, meine ich das Ganze. Denn ohne metaphysische Öffnung würde Kunst sich ja unweigerlich in den üblichen kognitiven Modellen und im Pragmatischen verlieren. Kunst beginnt dort, wo die Messbarkeit endet.

L.Z.

Leo Zogmayer, Atelier 1060 Wien Foto: Paul Kranzler

artwork hardwork Monika Piorkowska Neon writing, wood, acrylic 101 x 82 x 5 cm 2019

Titel: „Darunter“ 2019 180x150 cm Öl/Lw

Atelier Martin Schnur, Foto: Lukas Beck

Ebenfalls an dieser Adresse: Karen Holländer, Martin Schnur

Gamaschen, 2019 Stierkette, Schürzenbügel, Ledergamaschen, Silberarmband mit Gravur, Büffelbeize 254x110x13cm Credits: Bildrecht

„Was Sieht Man Wirklich?“

Die Wahrheit , or just another effort to „make the thruth“?

Vielleicht ist es kein Zufall, dass der Titel meiner Ausstellung dieses Sommers in Cadaques mit dem Vienna Art Week Motto korrespondiert.

Die Suche nach empirischer Wahrheit wird ersetzt durch ein neues Phänomen. Make the thruth to suit your needs.

Analoge Räume mit physischen Widerständen können als Erinnerung dienen neben den sich in den Vordergrund drängenden virtuel realities.

Es gilt, jede Wahrheit zu hinterfragen mit einem „Was Sieht Man Wirklich“.

„Peligro en la Selva?“/ „Gefahr im Wald?“ 2019. Fotographie auf Metacrylatglas, Papier, Karton. 38x38x6cm.

Fine Art Print - Serie "Heavy Mental" 2019

2012 organisiert die Künstlergruppe WochenKlausur ein internationales ExpertInnen-Netzwerk, dass mit einer vom Klimawandel bedrohten Inupiat-Gemeinde in Alaska konkrete Lösungsvorschläge erarbeitet und umsetzt.

WochenKlausur, 2012 in Kivalina, Alaska

Karin Maria Pfeifer und Sula Zimmerberger widmen sich im Rahmen der Open Studio Days dem Verständnis von Intimität und der jeweils persönlichen Wahrheit in diesem oft an Bedeutung überfrachteten Bereich. Making truth, das diesjährige Vienna Art Week Thema, umschreibt ganz gut die spezielle Spurensuche der beiden Künstlerinnen. Sie zeichnen filigrane Kettchen aus vergangenen Tagen, die dank Graffit und Silberstift einem künstlichen Alterungsprozess ausgesetzt sind (Karin Maria Pfeifer ) und versinken mit Fotografien in boudoirem Satin (Sula Zimmerberger). Ein intimer Raum muss geschaffen werden, sagen sie damit, das kommt nicht von alleine.

www.karinmariapfeifer.at
www.sulazimmerberger.com

Titel: Belinda and Shimishimi

Perfect Particles

Neben Ausblicken, gibt die Präsentation in meinem Studio Einblick in meine Werkreihe, die Naturimitationen zum Ausgangspunkt nimmt. Technisch erzeugte, imitierte Naturereignisse treffen auf Spezifikationen des Apparats. Naturereignisse werden für Freizeitzwecke simuliert, als überschaubare und kalkulierbare Ausschnitte kopiert und in kontextfremde Situationen verschoben. Indem diese „Naturereignisse“ in meinen Arbeiten in eine abstrakte oder reduzierte Formensprache übersetzt oder umformuliert werden, wird deren Allgemeingültigkeit auf die Probe gestellt.

Studioausblick, Foto: Simona Obholzer

Atelier Liddy Scheffknecht

„Gegen den Strich“

Drei Säulen stemmen eine schwarze Decke.

Eine Säule mit Spritzbeton, eine mit Harz überzogen und eine aus rohem Styropor.

Sie täuschen vor, das Haus abzustützen um es vor dem Einsturz zu retten.

So wie die Blumen Des Esseintes‘, dem  Protagonisten in „Gegen den Strich“ von Joris- Carl Huysmans.

Des Esseintes‘, der das Künstliche der Natur vorzieht, züchtet Blumen, die in ihrer Natürlichkeit künstlich wirken.

Er will so sein eigenes Leid  lindern und sich dadurch retten.

Durch das Artifizielle entsteht eine Distanz um zu Begreifen – eine konkrete Echtheit.

Foto: Hervé Massard Akropolis 21, MQ, Art Box 2019, Curated by Smolka Contemporary

Studio Sissa Micheli

Max Freund Studioansicht 2019

MAKING THRUTH

Fanni Futterknechts Arbeiten positionieren sich medienübergreifend zwischen Video, Performance und Installation.
 In ihren Arbeiten reflektiert sie soziale und gesellschaftliche Fragen, welche sie in eine poetische Deutung überträgt. In räumlichen und plastischen Umsetzungen und Übersetzungen sowie mittels Sprache arbeitet die Künstlerin in Form von Performance – Demonstrationen, Videos und Installationen, am Konstruierten und Dekonstruierten von Szenarien. Teil dieser Auseinandersetzung ist die Beschäftigung mit medialen Übersetzungsprozessen und dem Hinterfragen der eingesetzten Medien im jeweiligen Kontext: Das Übersetzen der Performance in ein Video. Das Video als Ausstellung. Die Installation als Performance.

www.fannifutterknecht.com

Videostill " We will not let you go" , 2019

Truth

From Wikipedia, the free encyclopedia

Truth is most often used to mean being in accord with fact or reality, or fidelity to an original or standard.^[1] Truth is also sometimes defined in modern contexts as an idea of „truth to self“, or authenticity.

Truth is usually held to be opposite to falsehood, which, correspondingly, can also suggest a logical, factual, or ethical meaning. The concept of truth is discussed and debated in several contexts, including philosophy, art, theology, and science. Most human activities depend upon the concept, where its nature as a concept is assumed rather than being a subject of discussion; these include most of the sciences, law, journalism, and everyday life. Some philosophers view the concept of truth as basic, and unable to be explained in any terms that are more easily understood than the concept of truth itself. To some, truth is viewed as the correspondence of language or thought to an independent reality, in what is sometimes called the correspondence theory of truth.

Olaf Osten CEO 01

WELCHE WAHRHEIT

neben der sichtbarmachung der arbeitsverhältnisse, die bereits eine wahrheit verdeutlichen und präsentation einzelner arbeiten,

führe ich offene gespräche mit künstlerkollegInnen & vertreterInnen angrenzender fachgebiete zum thema

sa ab 15.30 mit brigitte keintzel philosophin, celine wawruschka kulturhistorikerin, helena eribenne & sevda chkoutova künstlerinnen

so ab 15.30 mit ricky renier kuratorin, ketajun dörfler psychoanalytikerin, heidi harsieber & tatjana hardikov, künstlerinnen

“memorial nr1” aus der serie “SL-MEMORIAL”, 2018/2019 c-print auf büttenpapier (42,5 x 30cm), gerahmt auflage 3stk mit 2a.p.

Agnes Fuchs 2018

Zur Spinnerin, Foto Annja Krautgasser

Vorübergehend, Performative Installation, 2018. Foto: Qiyan He

Der Wahrheit als beherrschendes Regulativ der Mächtigen versuche ich seit zwei Jahren gemeinsam mit anderen in meiner Umgebung mit der Gegen-Wahrheit der Machtlosen zu begegnen. Dieser Prozeß des Dialoges und Kampfes um die Darstellung des Faktischen betreibe ich mit dem Mittel der PETITION, welche ich als eine Weiterentwicklung der schon bekannten künstlerische Form des MANIFESTES verstehe.

Die „Wahrheit“ in bildgebenden Verfahren, welche die Proportionen im Maßstab von 1 : 1 wiedergeben, habe ich mittels Cyanotyie versucht herzustellen und in Indonesien 2018 zum Abbilden der riesigen, subtropischen Blätter verwendet.

"making truth" - 1:1 fotogramm / Eisenblaudruck, welcher zu 100 % Form und Größe wiedergibt.

"nothing particular to report today", 2019, 140x200, acryl/molino.

“ Alte schwarz-weiße Postkarten, Bruchstücke von Erinnerungen aus längst vergangenen Tagen, werden in den Werken von der in Wien lebenden petersburger Künstlerin zu neuem Leben erweckt. Erfüllt mit bunter Flora und Fauna aus Aquarell schafft Xenia einen starken Kontrast zwischen Protagonist und Umgebung, Zeichnung und Malerei, Vergangenheit und Zukunft. „

"Video games" by Xenia Ostrovskaya, 2019

FAILED TO LIKE

Christiane Peschek zeigt Einblicke in ihre digitalen und analogen Arbeitsprozesse. Es geht um virtuelle Körper, Egomanie, Selbstoptimierung, Likes, Feeds und touch(screens). Über Photoshop Masken und digitale Retusche-Werkzeuge schafft sie Bilder überzeichneter Perfektion. Digitale Retusche-Spuren werden in sogenannten “B-sides” zu optimierter Bildkomposition zwischen queerness, female gaze und Identity-crisis. Am Sonntag lädt sie zum offline brunch mit Gästen und performativen Diskursprogramm.

Atelier Christiane Peschek

MAKING TRUTH
Die Farbplastiken von Eduard Tauss täuschen nichts vor, geben kein Versprechen
ab, verwenden kein Narrativ, sondern sind
einfach nur pure Farbe. Die Arbeiten sind
wahrhaftig in ihrer Farbmaterialität und erklären
die Autonomie der Farbe zur materialen
Verbindlichkeit.

Eingebettet in kunsthistorische Bezüge der
Moderne (Pollocks Drippings – Farbe als fließendes
Material, oder Judds Specific Objects
– erweitert in die Dreidimensionalität,
wird Farbe selbstbezüglich als formbare und
haptische Materie untersucht. Sie hat sich
vom Bildträger befreit, und macht sich mittels
ihrer eigenen plastischen Substanz zum
Ausdruck ihrer selbst und zum Gegenstand
ihrer Betrachtung im Raum.

Making Truth findet in der räumlichen Artikulation
von Farbe ihre physische Manifestation.

Jeremias Altmann

 Geboren 1989, studierte Jeremias Altmann Graphik und Druckgraphik an der Universität für Angewandte Kunst.

Seit seinem Diplom 2015 arbeitet er vorrangig in den Techniken Graphik und Malerei.

Jeremias Altmann lebt und arbeitet in Wien.

In der Serie YOUNG PROPHECIES rekonstruiert der Künstler seine eigenen Kinderzeichnungen. Gleichzeitig begeistert sich Jeremias Altmann für das Innenleben von technischen Apparaturen im zeitlichen Wandel – Ausgangspunkt für die Serie MACHINES. Seine Serien EAR COLLECTION und HARD WORK hinterfragen Traditionen klassischer Porträtmalerei und den Umgang mit künstlerischer Produktion. Neben zahlreichen weiteren Ausflügen in Kurzfilm- und Installations-Projekte, widmet sich Altmann einer regen Ausstellungspraxis; Zuletzt im Kunsthistorischen Museum Wien, waren seine Arbeiten auch Frankreich, Deutschland, Ungarn, Serbien, Indien, Kanada und China zu sehen.

Photocredit: Nobert Wabnig

Tone und Katharina Fink

Alexander Glandien: Unfinished histories

aus der Serie BEINGS AND CHAINS „NEIGUNG“ & „WESEN“ Acryl. Tusche, Siebdruck auf Lindenholz 28 x28 cm, 2019

Making Truth – Finding Myself in a Box

Die Unterzeichnung einer Urheberrechtsklausel im Arbeitsvertrag und die zeitnahe Wiederentdeckung einer Schachtel mit vergessenen Arbeiten von 1989-1995 werfen neue Fragen auf hinsichtlich des Selbstverständnisses des Schaffens von Mona Rabofsky. Entlang ihrer künstlerisch-wissenschaftlichen Strategien im Umgang mit Erinnerung bezieht sie sich in Finding Myself in a Box unmittelbar auf die Fundstücke um daraus verschiedene Wahrheiten ihrer künstlerischen Arbeit zu (re)konstruieren.

Atelier Mona Rabofsky

Ebenfalls an dieser Location: Bernhard Buhmann, Sophie Dvořák

Aus der Serie "Ich bin nicht der , der ich zu sein scheine” 2019

The Future existiert seit 2016. Auf ca. 100m2 arbeiten im 15. Wiener Gemeindebezirk 4 KünstlerInnen mit unterschiedlichen Themen und Techniken.
Anne Glassner ist Schlafperformerin. In ihrer Arbeit erforscht sie die Grenzen zwischen Realität und Fiktion.

Faith Hampton explores the way our brains process relational information to generate something that is both derivative and fresh.

Jari Genser malt Bilder von Bildern, die er bereits gemalt hat. Die dadurch entstehenden Dopplungen verwischen die Grenze zwischen Bild- und Arbeitsraum.

Philipp Renda widmet seine Arbeit der Suche nach Geschichten, in Erinnerung, Wort, Sprache, Welt und Umwelt.

Das Thema Making Truth begleitet uns alle in unserer künstlerischen Praxis. An den Open Studio Days der Vienna Art Week werden wir zeigen, wie und warum.

The Future Studio

In the artistic practice of Aldo Giannotti drawing plays a central role as an excellent tool for the communication of socio-architectural concepts. It helps him to “undress” an idea, in order to obtain its most pointed formulation, which can take the shape of a concise statement or an unsolved question, a witty remark or a disarming joke. This strategy allows Giannotti to deal with a wide range of complex issues without ever being didactic nor pretentious: from cultural identities to kinship structures, from the distribution of power relations within a given society to the precarious balance of the financial system and of the art system itself.

However, the conceptual scope of Giannotti’s body of work only opens up in the tension between the immediate visualisation of an idea and its performative execution. Indeed, his drawings are often used as handling instructions to delimit the extent of performative actions, in which the artist as well as his audience take part. By doing this, virtual concepts are embedded in the rough surface of the real and tested for their resistance and potential. The results of such a performative investigation are then presented in a variety of media such as photography, video, installation and sculpture.

Giannotti’s main interest lies in the interrelationship between physical and symbolic space. At its core lies the idea, that there is an intimate connection between the way a space is arranged and the tendency to behave in a particular way within it. By altering those ‘spatial dispositions’, which turn the physical space into a system of significance, the artist performs an important change in the interaction of individuals with their environment and, thereby, explores the structure and functioning of the social space.

Shifting from one significance system to another, crossing the border between them, Giannotti lets those rules of play, which are usually perceived as natural, appear as a ‘cultural matter of fact’ in their contingency and plasticity. In this way, the representation of real possibilities can make room for the presentation of new possible realities.

AK46 opens its doors on 16. and 17. November 2019 for the Open Studio Days of Vienna Art Week. In addition to seeing the space and having some drinks, there will be a film screening.

Saturday 16. Nov. the screening starts at 19:00H. Sunday 17. Nov. it starts at 17:00H.

Artists are invited by Jakob Kolb who selected the films with a focus on documentation of installation and performance works and films with interest in narration and a certain language of poetic notion. The duration of the film is between four and ten minutes.

Films:

Last Stand – Raul Paez
In Public Space 4 – Alireza Mohammadi
In Public Space 3 – Alireza Mohammadi
A Litany [pt 1] – Mousethings (Adelaida Antúnez Egurbide and Alfie Gibbs)
Falls ich es schaffe oder Pardon my donkey thumbs – Pawel Szostak
Miri Hamada – 洞窟での挨拶
In Public Space 1 – Alireza Mohammadi
In Public Space 2 – Alireza Mohammadi
Edge – Amara Nasira Flaquer Vazquez
Festa de Nit – Amara Nasira Flaquer Vazquez
Too Much Freedom – Marcelo Delamanha
Bug – Pawel Szostak
A Litany [pt 2] – Mousethings (Adelaida Antúnez Egurbide and Alfie Gibbs)

Vertical River, Credits: Jakob Kolb

Die Antwort auf alles! 2019 100x100 cm C-Print

Hana Usui Fukushima 2019

FAKE GROUP SHOW

Die  Erwartung an KünstlerInnen, eine Position einzunehmen, eine Idee/Wahrheit zu illustrieren, zu verwalten und dem Markt entsprechend zu reproduzieren, widerspricht der Intention vieler KünstlerInnen, Wahrheiten eher zu suchen und zu erproben. In glücklichen Momenten glaubt man sie – im Prozess der Arbeit – zu erfassen und greifbar, sichtbar, fühlbar und somit nachvollziehbar zu machen. Das sind flüchtige Momente. Den Werken, die daraus entstehen, wird gerne Authentizität zugesprochen.

Konzeptuelle Kunst entzieht sich dieser Praxis weitgehend und nimmt eine eher untersuchende und interpretierende Position ein.

Beide Herangehensweisen verbinde ich in einer Gruppenausstellung, in der ich Arbeiten, die in den letzten 7 Jahren in dem vom BKA geförderten Atelier entstanden sind – ihrer Unterschiedlichkeit entsprechend – fiktiven KünstlerInnen zuordne. Alle Arbeiten erheben Anspruch auf Originalität und Authentizität, entbehren jedoch einer sichtbaren Kohärenz.

I am more/ Iam less", Im Rapport gezeichnetes Modul für eine Tapete

Moni K Huber: K67, klein 41x30 cm, Öl auf Leinwand, 2019 Repro: Markus Gradwohl

Ebenfalls an dieser Location: Martina Mina / Viktoria Tremmel / Moni K. Huber / Sabine Schwaighofer / Barbara Sturm / Paul Wagner / Letizia Werth / Eva Würdinger (4. Stock)

Atelier Elisabeth Czihak

Ulrike Königshofer behandelt den menschlichen Wahrnehmungsprozess, der wie ein transparentes Fenster erlebt wird, das uns die Welt scheinbar zeigt, wie sie ist. Sein dahinterliegender Mechanismus nimmt dabei aber nicht einfach Information auf sondern erzeugt diese selbst mit, ähnlich wie das ein technisches Medium tut. Die Arbeiten spielen oft mit alternierenden Ansichten auf dieselben Ereignisse und ermöglichen durch die Verschiebung der Perspektive eine Relativierung der Betrachtung.

Ulrike Königshofer

Agnes Prammer, "Ohne Titel (Prom two couples broken)", St. Louis, 2008, Ferrotypie, Unikat, 10,5x14cm (c) Agnes Prammer

Making Truth

„Wenn wir uns vorstellen, dass wir eben nicht nur von Luft und Liebe oder Anerkennung, oder von Wasser und Brot oder auch Pizza leben, sondern von Bedeutung, dann war mir wichtig, in dieser Bedeutungsherstellung mitzumachen.“ (Hannahlisa Kunyik in The Angst Die Scham and The Artist, 2016)

Hannahlisa Kunyiks Arbeit ist radikal cross-medial. Sie nutzt Video, Installation, Fotografie, Druck und erweiterte zeichnerische Ansätze ebenso wie Performance, Publikation oder Diskursformate um sich an ihren Interessensgegenstand heranzutasten und ästhetisch Behauptungen aufzustellen. Die Verhandlung von gesellschaftlichen Bedeutungen (Wahrheiten) anhand von Körper und Gefühl oder Orten vor dem Hintergrund deren jeweiligen Politizität ist Kernthema der Wiener Künstlerin. Im Rahmen der Open Studio Days der Vienna Art Week 2019 zeigt sie aktuelle, großteils während einer Residency in Hamburg entstandene Arbeiten.

Depressive Aller Länder Acyl und Öl auf Leinwand 1000 x 162 cm 2019 Foto: Bianca Phos

Ebenfalls an dieser Location: Hannahlisa Kunyik

oto credit Daniela Zeilinger titel der arbeiten: cameltoe und fast food#2 (hier: verpackt), 2014 Mischtechnik auf Bütte, gerahmt 145cmx135cm